El Fantasma en la Máquina
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- 22 Oct 2026
Sobre el podcast
Podcast de cine, series y cultura popular dirigido por Gonzalo Echágue. En El Fantasma en la Máquina analizamos películas clásicas, estrenos, sagas, directores y escenas míticas con conversaciones largas, cercanas y sin postureo académico. Christopher Nolan, Spielberg, Tarantino, Star Wars, Batman, ciencia ficción, thriller, acción, cine de los 80 y mucho más. Nuevos episodios cada semana
Episodios 402
Big Fish (2003) | La película más humana y emocionante de Tim Burton
Un padre que ha pasado toda su vida contando historias imposibles. Un hijo que ya no sabe qué creer. Y una última oportunidad para descubrir quién era realmente el hombre que lo crió. En Big Fish (2003), Tim …
Notas del episodio
Un padre que ha pasado toda su vida contando historias imposibles. Un hijo que ya no sabe qué creer. Y una última oportunidad para descubrir quién era realmente el hombre que lo crió. En Big Fish (2003), Tim Burton convierte ese conflicto familiar en una aventura extraordinaria sobre la memoria, la imaginación y la muerte.Edward Bloom, interpretado por Albert Finney y Ewan McGregor en distintas etapas de su vida, asegura haber conocido gigantes, brujas, hombres lobo y pueblos escondidos fuera del tiempo. Para él, cada recuerdo merece convertirse en una leyenda. Para su hijo Will, interpretado por Billy Crudup, esas historias son una barrera que le impide conocer a su verdadero padre.Analizamos una de las películas más personales y conmovedoras de Tim Burton, basada en la novela de Daniel Wallace y escrita para el cine por John August. Hablamos de su universo fantástico, de la fotografía de Philippe Rousselot, de la música de Danny Elfman y de un reparto que incluye a Jessica Lange, Helena Bonham Carter, Marion Cotillard y Steve Buscemi.Pero, sobre todo, nos detenemos en la gran pregunta que plantea la película: ¿qué importa más, la exactitud de los recuerdos o el significado que les damos?Big Fish habla de padres e hijos, de las historias que heredamos y de nuestra necesidad de encontrar algo extraordinario en una existencia que inevitablemente termina.Una película que demuestra que Tim Burton también sabe emocionar sin necesidad de recurrir al terror ni a sus habituales pesadillas góticas.¿Es Big Fish la mejor película de Tim Burton? ¿Os quedáis con la verdad de los hechos o con la magia de las historias de Edward Bloom?
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Alien 3 (1992) | El debut maldito de David Fincher y la muerte de Ripley
Después de que Ridley Scott revolucionara el terror espacial y James Cameron convirtiera la secuela en una guerra contra los xenomorfos, Hollywood entregó la tercera película de Alien a un director debutante …
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Después de que Ridley Scott revolucionara el terror espacial y James Cameron convirtiera la secuela en una guerra contra los xenomorfos, Hollywood entregó la tercera película de Alien a un director debutante llamado David Fincher. El resultado fue uno de los rodajes más conflictivos de la historia de la ciencia ficción y una película tan sombría como polémica.Alien 3 (1992) abandona los marines, las armas y el espectáculo de Aliens para encerrar a Ellen Ripley, interpretada por Sigourney Weaver, en Fiorina 161, una colonia penitenciaria poblada por criminales que viven bajo una estricta disciplina religiosa. Y, por supuesto, Ripley no ha llegado sola.Analizamos el radical cambio de tono de esta tercera entrega, su atmósfera industrial y decadente, el diseño del nuevo xenomorfo y el regreso a un terror mucho más cercano al espíritu de la película original.También repasamos el auténtico infierno de producción: guiones descartados, cambios constantes, enfrentamientos con el estudio y un David Fincher que acabaría renegando de su debut cinematográfico.Hablamos de las interpretaciones de Charles S. Dutton, Charles Dance y Brian Glover, del sacrificio, la religión, la muerte y de una decisión narrativa inicial que todavía divide a los aficionados.Una película imperfecta, ferozmente pesimista y mucho más interesante de lo que su turbulenta gestación podría hacer pensar.¿Fue Alien 3 una secuela injustamente castigada o el primer gran tropiezo de una saga legendaria?
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Digger (2026) | Tom Cruise firma un peliculón que la crítica no entiende
Tom Cruise se pega uno de los mayores batacazos comerciales de su carrera, buena parte de la crítica machaca la película y nosotros salimos del cine preguntándonos qué demonios acaba de pasar. Porque Digger nos …
Notas del episodio
Tom Cruise se pega uno de los mayores batacazos comerciales de su carrera, buena parte de la crítica machaca la película y nosotros salimos del cine preguntándonos qué demonios acaba de pasar. Porque Digger nos ha parecido una auténtica barbaridad. Y lo más desconcertante no es que haya dividido al público, sino que tantos espectadores y críticos aseguren no haber entendido una película cuyo discurso nos parece bastante claro.Alejandro González Iñárritu vuelve al cine con Digger (2026), una sátira feroz, desquiciada y visualmente deslumbrante que utiliza el humor negro, el absurdo y la provocación para retratar a una sociedad empeñada en destruirse mientras sus dirigentes se presentan como salvadores.Tom Cruise interpreta a Digger Rockwell, un magnate de los combustibles fósiles que desencadena una catástrofe de dimensiones mundiales y emprende una carrera desesperada para demostrar que él mismo puede salvar a la humanidad.Un personaje grotesco, egocéntrico y absolutamente desatado que permite a Cruise alejarse de su imagen habitual de héroe de acción y ofrecer una interpretación tan arriesgada como fascinante.Analizamos Digger, dirigida por Alejandro G. Iñárritu, con Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman, Sandra Hüller, Jesse Plemons y Michael Stuhlbarg.Hablamos de su peculiar estructura narrativa, de sus múltiples capas de sátira, del tratamiento del poder económico y político, del fanatismo, de la manipulación y de una sociedad que parece incapaz de reaccionar incluso cuando tiene la catástrofe delante de sus narices.También repasamos su extraordinaria puesta en escena, la fotografía de Emmanuel Lubezki, el rodaje en VistaVision y la capacidad de Iñárritu para construir imágenes monumentales sin renunciar a un humor incómodo, salvaje y deliberadamente excesivo.Pero hay una cuestión que atraviesa todo nuestro programa: ¿de verdad es Digger una película tan difícil de entender?Porque una cosa es que no te guste su humor, que rechaces su mensaje o que su propuesta formal te resulte insoportable. Eso es perfectamente legítimo. Otra muy distinta es presentar como incomprensible una sátira cuyas ideas fundamentales están expuestas con bastante claridad.Y ahí es donde nuestra opinión choca frontalmente con buena parte de su recepción.Nos preguntamos hasta qué punto el monumental fracaso comercial de Digger ha condicionado la conversación alrededor de la película. Cuando una superproducción empieza a hundirse en taquilla, resulta tentador sumarse al entierro. Pero ¿estamos juzgando lo que Iñárritu ha puesto en pantalla o el relato que se ha construido alrededor de su fracaso?No creemos que Digger sea una película perfecta ni que todo el mundo tenga que disfrutarla. Pero sí nos parece una obra extraordinariamente ambiciosa, original, inteligente y mucho más accesible de lo que algunos quieren hacer creer.Y hay algo que nos resulta especialmente irritante: Hollywood se pasa la vida fabricando secuelas, remakes y productos calculados hasta el último fotograma. Cuando un director de prestigio consigue reunir a una estrella gigantesca y un presupuesto descomunal para hacer una película realmente distinta, la conversación acaba girando alrededor de cuánto dinero ha perdido.Digger podrá fracasar en taquilla, pero para nosotros está entre las mejores películas de 2026.Y en este programa explicamos por qué, sin pedir perdón por llevar la contraria.¿Digger es una genialidad injustamente machacada o crees que Iñárritu se ha perdido en su propia ambición?
Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/BqJKwmZSVcAApóyanos con un café:https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquinaInstagram:https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquinaTwitter/X:https://twitter.com/FantasmaEnFacebook:https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina#Digger #TomCruise #AlejandroGonzalezInarritu #Cine2026 #EstrenosDeCine #CriticaDeCine
La lista de Schindler (1993) | El empresario nazi que salvó a más de mil judíos
Oskar Schindler no era un héroe. Era un empresario oportunista, mujeriego, miembro del Partido Nazi y dispuesto a enriquecerse aprovechando la guerra. Pero cuando comprendió la magnitud del horror que tenía …
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Oskar Schindler no era un héroe. Era un empresario oportunista, mujeriego, miembro del Partido Nazi y dispuesto a enriquecerse aprovechando la guerra. Pero cuando comprendió la magnitud del horror que tenía delante, terminó haciendo algo extraordinario: utilizar su dinero, sus contactos y su propia fábrica para salvar a más de mil judíos del exterminio.Steven Spielberg convirtió esta historia real en una de las películas más duras, ambiciosas y extraordinarias de la historia del cine.La lista de Schindler (Schindler’s List, 1993) nos traslada a la Polonia ocupada durante la Segunda Guerra Mundial, donde el empresario alemán Oskar Schindler llega a Cracovia dispuesto a hacer fortuna utilizando mano de obra judía. Lo que comienza como un negocio termina convirtiéndose en una desesperada operación de salvamento frente a la maquinaria de exterminio del régimen nazi.Analizamos la película de Steven Spielberg, protagonizada por Liam Neeson, Ralph Fiennes y Ben Kingsley, y basada en la novela de Thomas Keneally sobre los acontecimientos reales.Hablamos de la transformación de Schindler, de su relación con Itzhak Stern, del funcionamiento de su fábrica y de cómo un hombre que inicialmente solo buscaba ganar dinero terminó poniendo en peligro su fortuna y su seguridad para proteger a sus trabajadores.Y, por supuesto, nos detenemos en uno de los personajes más aterradores de la filmografía de Spielberg: Amon Göth, el comandante del campo de concentración de Płaszów, interpretado por un extraordinario Ralph Fiennes.Göth representa el poder ejercido sin límites, la arbitrariedad absoluta y una crueldad que resulta todavía más espantosa porque no necesita ninguna justificación. Frente a él, Schindler descubre progresivamente que el dinero y la influencia también pueden utilizarse para arrancar vidas de las manos de los verdugos.Repasamos la liquidación del gueto de Cracovia, la construcción de Płaszów, las deportaciones, la elaboración de la famosa lista y algunas de las escenas más devastadoras de la película.También hablamos de la niña del abrigo rojo, del significado de esa pequeña irrupción del color en una película rodada prácticamente en blanco y negro, de la extraordinaria fotografía de Janusz Kamiński y de la inolvidable banda sonora de John Williams, con el violín de Itzhak Perlman.Pero La lista de Schindler plantea además una cuestión moral fascinante: ¿qué convierte a un hombre corriente, lleno de defectos y contradicciones, en alguien capaz de actuar con un valor extraordinario cuando tantos otros prefieren mirar hacia otro lado?Spielberg evita construir un protagonista impecable. Schindler bebe, engaña, soborna, negocia con criminales y se mueve dentro de un sistema profundamente corrupto. Precisamente por eso su transformación resulta tan poderosa: no estamos ante un santo, sino ante un hombre que termina comprendiendo que hay cosas mucho más importantes que su propia fortuna.También discutimos el tratamiento cinematográfico del Holocausto, la dificultad de representar semejante horror sin convertirlo en espectáculo y las decisiones narrativas con las que Spielberg consigue combinar el rigor dramático con una historia profundamente humana.Ganadora de siete premios Óscar, incluidos mejor película y mejor director, La lista de Schindler supuso un punto de inflexión en la carrera de Spielberg y sigue siendo una de las representaciones cinematográficas más conocidas del Holocausto.
Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/YCnZv9Vr0wYApóyanos con un café:https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquinaInstagram:https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquinaTwitter/X:https://twitter.com/FantasmaEnFacebook:https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina#LaListaDeSchindler #SchindlersList #StevenSpielberg #LiamNeeson #RalphFiennes #CineHistorico
Juego de patriotas (1992) | Harrison Ford convirtió a Jack Ryan en un hombre de acción
Jack Ryan solo quería disfrutar de unos días en Londres con su familia. Entonces presencia un atentado, interviene para detenerlo y convierte a uno de los terroristas en su enemigo personal.Juego de patriotas …
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Jack Ryan solo quería disfrutar de unos días en Londres con su familia. Entonces presencia un atentado, interviene para detenerlo y convierte a uno de los terroristas en su enemigo personal.Juego de patriotas (Patriot Games, 1992) llevó al personaje creado por Tom Clancy hacia un terreno mucho más íntimo. Aquí no está en juego únicamente la seguridad nacional: la violencia termina llegando hasta la propia casa de Ryan.Harrison Ford sustituye a Alec Baldwin como Jack Ryan y construye una versión más madura, familiar y vulnerable del personaje. Un antiguo analista de la CIA que intenta mantenerse apartado de ese mundo hasta que su enfrentamiento con Sean Miller convierte un conflicto político en una auténtica vendetta.Analizamos la película de Phillip Noyce, con Harrison Ford, Sean Bean, Anne Archer, Patrick Bergin, Thora Birch, Samuel L. Jackson y James Earl Jones.Hablamos del atentado de Londres, del contexto del terrorismo norirlandés y del grupo escindido al que pertenecen los atacantes, de la obsesión de Sean Miller con Ryan y de cómo la película transforma progresivamente un thriller político en una historia de persecución y venganza.También repasamos el regreso de Ryan a la CIA, la investigación para localizar los campos de entrenamiento terroristas, el ataque contra su mujer y su hija y una de las secuencias más inquietantes de la película: Ryan observando por satélite una operación militar en la que la tecnología permite contemplar la muerte desde miles de kilómetros de distancia.Y llegamos al asalto final a la casa de los Ryan, donde todo el conflicto geopolítico de la película termina reducido a algo mucho más elemental: dos hombres intentando acabar el uno con el otro.Juego de patriotas es menos cerebral que La caza del Octubre Rojo y apuesta mucho más por el thriller de acción, pero también consolidó a Harrison Ford como el Jack Ryan de toda una generación antes de volver a interpretarlo en Peligro inminente.¿Harrison Ford es para ti el Jack Ryan definitivo o sigues prefiriendo a Alec Baldwin en La caza del Octubre Rojo?
Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/N9wVa5i_sh0Apóyanos con un café:https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquinaInstagram:https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquinaTwitter/X:https://twitter.com/FantasmaEnFacebook:https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina#JuegoDePatriotas #PatriotGames #HarrisonFord #JackRyan #SeanBean #TomClancy
En el corazón de la bestia (2026) | Brad Pitt y una de las grandes sorpresas del año
Un hombre, un perro y la inmensidad salvaje de Alaska. En el corazón de la bestia no necesita mucho más para construir una de las mayores sorpresas cinematográficas de 2026.David Ayer vuelve a reunirse con Brad …
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Un hombre, un perro y la inmensidad salvaje de Alaska. En el corazón de la bestia no necesita mucho más para construir una de las mayores sorpresas cinematográficas de 2026.David Ayer vuelve a reunirse con Brad Pitt después de Corazones de acero para contar una historia de supervivencia aparentemente sencilla que termina funcionando por algo mucho más elemental: el vínculo entre dos seres que dependen completamente el uno del otro.Pitt interpreta a James Belmont, un veterano de las Fuerzas Especiales que viaja acompañado de Odin, su perro de combate. Tras un accidente aéreo, ambos quedan aislados en territorio salvaje y comienza una lucha por regresar a casa en la que el frío, las heridas, los animales y la propia naturaleza convierten cada kilómetro en un problema.Y sí, antes de que nadie abandone el programa por miedo: EL PERRO NO MUERE.Analizamos En el corazón de la bestia (Heart of the Beast), dirigida por David Ayer y protagonizada por Brad Pitt, J.K. Simmons y Anna Lambe. Hablamos de sus escenas de supervivencia, de la relación entre Belmont y Odin, de sus momentos más emocionantes y también de los fallos de una película que no necesita ser perfecta para habernos conquistado.Porque debajo de la aventura hay una historia sobre trauma, lealtad y dos veteranos de guerra —uno humano y otro canino— que parecen entenderse mejor entre ellos que con el resto del mundo.También repasamos la carrera de David Ayer, responsable de Corazones de acero y guionista de Training Day, y discutimos por qué una película de planteamiento tan clásico puede resultar mucho más emocionante que producciones aparentemente más ambiciosas.Sin universos compartidos, sin quinientas subtramas y sin necesidad de reinventar el cine: Brad Pitt, un perro, Alaska y una historia contada con enorme eficacia.Para nosotros, una de las grandes sorpresas de 2026 y una candidata muy seria a estar entre las mejores películas del año.¿También te ha sorprendido En el corazón de la bestia o crees que nos hemos venido demasiado arriba?
Podéis ve aquí el YouTube: https://youtu.be/2ZtTkHIzgMEApóyanos con un café:https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquinaInstagram:https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquinaTwitter/X:https://twitter.com/FantasmaEnFacebook:https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina#EnElCorazonDeLaBestia #HeartOfTheBeast #BradPitt #DavidAyer #Cine2026 #Cine
Déjà Vu (2006) | Tony Scott convierte un thriller policial en ciencia ficción
Déjà Vu empieza como un thriller policial y poco a poco se convierte en algo mucho más extraño: una historia de vigilancia, viajes en el tiempo, destino y obsesión dirigida por Tony Scott en uno de sus trabajos …
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Déjà Vu empieza como un thriller policial y poco a poco se convierte en algo mucho más extraño: una historia de vigilancia, viajes en el tiempo, destino y obsesión dirigida por Tony Scott en uno de sus trabajos más entretenidos.Repasamos Déjà Vu (2006), protagonizada por Denzel Washington, Paula Patton, Val Kilmer y Jim Caviezel, una película que mezcla investigación criminal, ciencia ficción y acción sin perder nunca el ritmo.Denzel interpreta a Doug Carlin, un agente de la ATF que investiga un atentado y acaba entrando en contacto con una tecnología capaz de observar el pasado con una precisión imposible. Lo que al principio parece una simple herramienta de vigilancia termina abriendo una pregunta mucho más grande: si puedes ver lo que ya ocurrió, ¿puedes también cambiarlo?Hablamos de Tony Scott, de su forma de rodar Nueva Orleans, de la química entre Denzel Washington y Paula Patton y de cómo la película convierte una idea aparentemente abstracta sobre el tiempo en un thriller muy físico y emocional.También analizamos el dispositivo temporal, sus reglas, las paradojas que plantea, el papel de Val Kilmer y Jim Caviezel y esa peculiar persecución en la que un personaje conduce por el presente mientras intenta seguir a alguien que circula en el pasado.Déjà Vu es además una de esas películas de mediados de los 2000 que mezclaban grandes estrellas, conceptos de ciencia ficción y cine de acción adulto sin necesidad de convertirse en una franquicia.Una película quizá menos recordada que otras de Tony Scott, pero con una premisa magnífica y una capacidad enorme para mantenerte dentro de la historia incluso cuando empieza a jugar con las reglas del tiempo.¿Te parece Déjà Vu una de las películas más infravaloradas de Tony Scott?
Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/rRB0QlOrEJQApóyanos con un café:https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquinaInstagram:https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquinaTwitter/X:https://twitter.com/FantasmaEnFacebook:https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina#DejaVu #TonyScott #DenzelWashington #CienciaFiccion #Thriller #ViajesEnElTiempo #CineDeAccion
Aliens (1986) | James Cameron convirtió el terror de Alien en una guerra total
Aliens hizo algo dificilísimo: continuar una obra maestra sin intentar copiarla.James Cameron entendió que repetir el terror claustrofóbico de Alien habría sido un error y convirtió la secuela en otra cosa: una …
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Aliens hizo algo dificilísimo: continuar una obra maestra sin intentar copiarla.James Cameron entendió que repetir el terror claustrofóbico de Alien habría sido un error y convirtió la secuela en otra cosa: una película de guerra, ciencia ficción y supervivencia donde ya no hay un solo xenomorfo escondido en la oscuridad, sino una colonia entera.Repasamos Aliens (1986), protagonizada de nuevo por Sigourney Weaver como Ellen Ripley, acompañada esta vez por Michael Biehn, Bill Paxton, Lance Henriksen, Paul Reiser y Carrie Henn.Hablamos del regreso de Ripley, de los Marines Coloniales, de Hicks, Hudson, Bishop y Newt, y de cómo Cameron construye un grupo de personajes memorables antes de lanzarlos a una misión que se desmorona prácticamente desde el momento en que llegan a LV-426.También analizamos una de las grandes aportaciones de la película al lore de Alien: la Reina Xenomorfa y un ciclo reproductivo mucho más desarrollado que terminaría convirtiéndose en parte fundamental de la mitología de la saga.Entramos en el extraordinario diseño de producción, los efectos prácticos, las armas, los vehículos, los detectores de movimiento y esa estética militar industrial que ha influido durante décadas en videojuegos, cómics y películas de ciencia ficción.Pero Aliens no funciona solo por la acción. En el centro está Ripley, transformada de superviviente en protectora, y una relación con Newt que permite a Cameron convertir el enfrentamiento final entre Ripley y la Reina en algo mucho más que una simple pelea entre heroína y monstruo.Y luego están sus escenas míticas: el primer ataque de los xenomorfos, “game over, man”, el rescate de Newt, el exoesqueleto y uno de los enfrentamientos finales más icónicos del cine de acción.Alien era terror. Aliens es guerra.Y precisamente por eso ambas pueden ser extraordinarias sin competir exactamente en el mismo terreno.¿Es Aliens la mejor secuela de ciencia ficción de la historia?
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Whiplash (2014) | ¿Hasta dónde hay que llegar para ser extraordinario?
Whiplash convierte una batería, un profesor despiadado y la obsesión por ser el mejor en uno de los enfrentamientos más intensos del cine reciente.Repasamos Whiplash (2014), dirigida por Damien Chazelle y …
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Whiplash convierte una batería, un profesor despiadado y la obsesión por ser el mejor en uno de los enfrentamientos más intensos del cine reciente.Repasamos Whiplash (2014), dirigida por Damien Chazelle y protagonizada por Miles Teller y J. K. Simmons, una película que plantea una pregunta bastante incómoda: ¿la excelencia exige necesariamente sufrimiento, disciplina extrema y sacrificios que la mayoría de la gente no estaría dispuesta a aceptar?Andrew Neiman quiere convertirse en uno de los grandes baterías de jazz. Terence Fletcher está convencido de que su trabajo consiste en empujarlo mucho más allá de sus límites, aunque para conseguirlo tenga que humillarlo, manipularlo y destrozarlo psicológicamente.Hablamos de la extraordinaria interpretación de J. K. Simmons, del trabajo de Miles Teller con la batería, de la dirección de Damien Chazelle y de cómo una película sobre un conservatorio termina teniendo la tensión de un thriller.Pero Whiplash también abre un debate mucho más interesante sobre talento, esfuerzo y ambición. ¿Existe un punto en el que exigir más deja de construir excelencia y empieza simplemente a destruir a una persona? ¿O precisamente los grandes logros aparecen cuando alguien se niega a aceptar los límites que todos los demás consideran razonables?Analizamos también la filosofía de Fletcher, su obsesión con Charlie Parker, la relación de Andrew con su familia y su pareja y la progresiva eliminación de cualquier cosa que pueda distraerlo de su objetivo.Y, por supuesto, llegamos a ese extraordinario concierto final, donde durante unos minutos deja de estar claro quién está utilizando a quién y la película encuentra una conclusión tan emocionante como inquietante.Whiplash no trata solamente de música. Trata de obsesión, reconocimiento, sacrificio y de ese territorio peligroso donde perseguir la grandeza puede acabar consumiendo todo lo demás.¿Fletcher consiguió sacar lo mejor de Andrew o simplemente tuvo suerte de no destruirlo antes?
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V de Vendetta (2005) | La película que convirtió una máscara en símbolo de rebelión
V de Vendetta convirtió una máscara, una capa y una voz en uno de los grandes símbolos de rebelión de la cultura popular moderna.Repasamos V for Vendetta (2005), dirigida por James McTeigue y escrita por las …
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V de Vendetta convirtió una máscara, una capa y una voz en uno de los grandes símbolos de rebelión de la cultura popular moderna.Repasamos V for Vendetta (2005), dirigida por James McTeigue y escrita por las Wachowski a partir del cómic de Alan Moore y David Lloyd, una distopía política sobre miedo, poder, propaganda y resistencia que sigue provocando discusión dos décadas después.En una Gran Bretaña sometida a un régimen autoritario, Evey Hammond se cruza con V, un misterioso enmascarado decidido a destruir el sistema y convencer a la población de que deje de obedecer por miedo.Hablamos de Hugo Weaving, capaz de construir un personaje magnético sin mostrar nunca el rostro, de Natalie Portman como Evey, de Stephen Rea y de un John Hurt que pasa de rebelarse contra el poder en 1984 a representarlo aquí desde el otro lado de la pantalla.Analizamos también el extraordinario diseño de V, la máscara de Guy Fawkes y cómo una imagen creada para una ficción terminó escapando de la película para convertirse en un símbolo utilizado después en protestas y movimientos reales alrededor del mundo.Entramos además en la vigilancia, el control de los medios, la utilización política del miedo, la obediencia, la libertad individual y una de las preguntas más interesantes que plantea la película: cuándo deja un Estado de proteger a sus ciudadanos y empieza a utilizar esa protección como excusa para controlarlos.También comparamos la película con la obra original de Alan Moore, sus importantes diferencias ideológicas y narrativas y la forma en que las Wachowski transformaron una historia nacida en la Gran Bretaña de los años 80 para hablar a un público de comienzos del siglo XXI.V de Vendetta funciona como thriller, película de acción, distopía y relato político, pero su mayor triunfo quizá sea otro: conseguir que detrás de una máscara prácticamente inexpresiva exista uno de los personajes más reconocibles del cine moderno.¿Crees que V de Vendetta ha envejecido todavía mejor con el paso de los años?
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Doce hombres sin piedad (1957) | Cómo convertir una habitación en puro suspense
Doce hombres sin piedad demuestra que para construir una película extraordinaria no hacen falta persecuciones, grandes escenarios ni efectos especiales. Bastan doce hombres, una habitación y una decisión que …
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Doce hombres sin piedad demuestra que para construir una película extraordinaria no hacen falta persecuciones, grandes escenarios ni efectos especiales. Bastan doce hombres, una habitación y una decisión que puede mandar a una persona a la silla eléctrica. Repasamos 12 Angry Men (1957), dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Henry Fonda, una de las grandes películas sobre justicia, prejuicios, razonamiento y responsabilidad individual. La historia comienza cuando doce miembros de un jurado deben decidir si un joven acusado de asesinar a su padre es culpable. Once parecen tenerlo claro. Solo uno considera que, antes de condenarlo, merece la pena hablar un poco más. A partir de ahí, Sidney Lumet convierte una deliberación en una auténtica batalla psicológica. Cada prueba empieza a ser cuestionada, aparecen contradicciones y lo que parecía un caso evidente comienza a revelar algo mucho más interesante: cuánto influyen nuestras experiencias, nuestros prejuicios y nuestro carácter en aquello que creemos estar juzgando objetivamente. Hablamos del jurado número 8 de Henry Fonda, del extraordinario enfrentamiento con Lee J. Cobb y de un reparto en el que cada personaje representa una forma distinta de enfrentarse a la duda, la presión del grupo y la posibilidad de estar equivocado. También analizamos la puesta en escena de Lumet, el uso progresivo de objetivos y encuadres cada vez más cerrados, el calor, el espacio reducido y la forma en que una única habitación termina resultando más tensa que muchas películas de acción. Doce hombres sin piedad no trata simplemente de descubrir si un acusado es culpable o inocente. Trata de algo mucho más incómodo: qué significa realmente tener una duda razonable cuando la vida de otra persona depende de nuestra decisión. Una película de 1957 que sigue funcionando con una precisión casi insultante porque sus conflictos no han envejecido absolutamente nada. ¿Es Doce hombres sin piedad una de las mejores películas construidas casi enteramente alrededor del diálogo? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/wmjtWisuSmY Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #DoceHombresSinPiedad #12AngryMen #SidneyLumet #HenryFonda #CineClasico #CineJudicialAlien, el octavo pasajero (1979) | Ridley Scott convirtió el espacio en una pesadilla
Alien, el octavo pasajero convirtió una nave espacial en una casa encantada y cambió para siempre tanto la ciencia ficción como el cine de terror. Repasamos Alien (1979), la película con la que Ridley Scott …
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Alien, el octavo pasajero convirtió una nave espacial en una casa encantada y cambió para siempre tanto la ciencia ficción como el cine de terror. Repasamos Alien (1979), la película con la que Ridley Scott construyó uno de los universos más inquietantes de la historia del cine: la Nostromo, una tripulación obrera perdida en mitad del espacio y una criatura diseñada para ser prácticamente la forma de vida perfecta. Hablamos de Sigourney Weaver como Ripley, Tom Skerritt, John Hurt, Ian Holm, Veronica Cartwright, Yaphet Kotto y Harry Dean Stanton, y de un reparto en el que nadie parece inicialmente destinado a convertirse en el héroe de la historia. Entramos también en el diseño del xenomorfo y el trabajo de H. R. Giger, en la biomecánica, el facehugger, el chestburster y una criatura cuya fuerza reside precisamente en que durante buena parte de la película apenas llegamos a verla. Analizamos la dirección de Ridley Scott, la fotografía, los decorados, el sonido, el ritmo y la extraordinaria capacidad de Alien para generar tensión con pasillos vacíos, silencios y la sensación de que algo puede aparecer en cualquier rincón. También hablamos de Ash, de Weyland-Yutani y de una de las grandes ideas de la saga: que quizá el monstruo no sea lo único verdaderamente peligroso a bordo. Alien mezcla ciencia ficción, terror, body horror y cine de monstruos con una precisión que pocas películas posteriores han conseguido igualar. Más de cuatro décadas después, sigue pareciendo física, sucia, adulta y peligrosamente real. Una película que no solo creó al xenomorfo. También demostró que en el espacio nadie podía oírte gritar. ¿Sigue siendo Alien la mejor película de toda la saga? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/sJE_qqsHh9Y Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #Alien #AlienElOctavoPasajero #RidleyScott #SigourneyWeaver #Xenomorfo #HRGiger #CienciaFiccionLos Soprano 1x05: College (1999) | El episodio que cambió las reglas de la televisión
College es uno de los episodios fundamentales de Los Soprano y uno de los capítulos que mejor explican por qué la serie cambió para siempre la televisión. Tony acompaña a Meadow en un viaje para visitar …
Notas del episodio
College es uno de los episodios fundamentales de Los Soprano y uno de los capítulos que mejor explican por qué la serie cambió para siempre la televisión. Tony acompaña a Meadow en un viaje para visitar universidades y, en mitad de esa aparente normalidad familiar, reconoce a un antiguo mafioso convertido en informante. A partir de ahí, el episodio divide a Tony entre dos mundos: el padre que intenta conectar con su hija y el criminal incapaz de dejar atrás las reglas de la mafia. Repasamos Los Soprano 1x05: College, escrito por James Manos Jr. y David Chase y dirigido por Allen Coulter, un capítulo decisivo para entender quién es realmente Tony Soprano. Hablamos de James Gandolfini, Jamie-Lynn Sigler y de la relación entre Tony y Meadow, pero sobre todo de una decisión narrativa que en 1999 resultaba mucho más radical de lo que parece hoy: permitir que el protagonista de una serie dramática cruzara una línea moral que la televisión convencional evitaba mostrar de forma tan directa. College no intenta convertir a Tony en un héroe simpático. Te obliga a convivir con sus contradicciones: puede ser divertido, vulnerable, inteligente y cariñoso con su hija mientras sigue siendo un hombre capaz de ejercer una violencia brutal sin demasiados remordimientos. También analizamos la historia paralela de Carmela, su relación con el padre Phil Intintola y la forma en que el episodio contrapone las tentaciones, secretos y autoengaños de ambos miembros del matrimonio. Un capítulo aparentemente sencillo que terminó ayudando a definir el antihéroe televisivo moderno y a demostrar que una serie podía pedirle mucho más al espectador que decidir simplemente quién era “el bueno”. ¿Fue College el episodio en el que Los Soprano dejó claro que Tony Soprano iba a ser un protagonista completamente distinto a todo lo que había antes en televisión? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/NKavso6PnMQ Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #LosSoprano #TheSopranos #College #TonySoprano #JamesGandolfini #DavidChase #HBOA todo gas (2001) | El origen de Fast & Furious y la fiebre del tuning
A todo gas cumple 25 años y sigue siendo casi irreconocible comparada con la saga en la que acabaría convirtiéndose Fast & Furious. Antes de los tanques, los submarinos y las misiones imposibles, todo empezó …
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A todo gas cumple 25 años y sigue siendo casi irreconocible comparada con la saga en la que acabaría convirtiéndose Fast & Furious. Antes de los tanques, los submarinos y las misiones imposibles, todo empezó con carreras callejeras, coches tuneados y un policía infiltrado en el mundo de Dominic Toretto. Repasamos The Fast and the Furious: A todo gas (2001), dirigida por Rob Cohen y protagonizada por Paul Walker y Vin Diesel, la película que convirtió una historia relativamente pequeña sobre carreras ilegales en el comienzo de una de las franquicias más gigantescas del cine comercial. Hablamos de Brian O’Conner, Dominic Toretto, Letty, Mia y Johnny Tran, de la química entre Paul Walker y Vin Diesel y de una película que supo capturar perfectamente la cultura del tuning, los coches japoneses, el NOS y las carreras callejeras de principios de los 2000. También entramos en los Honda Civic, Toyota Supra, Mitsubishi Eclipse, Mazda RX-7 y Dodge Charger que terminaron convirtiéndose en iconos para toda una generación, y en una época en la que los coches todavía eran auténticos protagonistas de la película y no simples vehículos para saltar desde aviones. Analizamos además la estructura casi de thriller policial, con Brian infiltrándose en el grupo de Toretto para investigar los robos a camiones, y cómo la relación entre ambos acaba poniendo en conflicto su trabajo con una nueva idea de lealtad y familia que después definiría toda la saga. Veinticinco años después, quizá lo más curioso de A todo gas sea comprobar lo sencilla que era aquella primera película: coches, carreras, amistad, rivalidad y una cultura callejera muy concreta. Y precisamente por eso conserva una personalidad que buena parte de sus secuelas fue dejando atrás. ¿Sigue siendo la primera A todo gas la mejor película de Fast & Furious o la saga mejoró cuando empezó a volverse completamente loca? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/OfjypfZKSp8 Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #ATodoGas #FastAndFurious #TheFastAndTheFurious #VinDiesel #PaulWalker #Tuning #CineDeAccionDesmontando Mitos | Terrorismo: mitos, radicalización y propaganda | con Matteo Re
Hoy desmontamos mitos sobre terrorismo con Matteo Re, catedrático de la Universidad Rey Juan Carlos y codirector académico del Máster Universitario en Análisis y Prevención del Terrorismo. Qué es realmente el …
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Hoy desmontamos mitos sobre terrorismo con Matteo Re, catedrático de la Universidad Rey Juan Carlos y codirector académico del Máster Universitario en Análisis y Prevención del Terrorismo. Qué es realmente el terrorismo, cómo se produce la radicalización, qué papel juegan la propaganda y el apoyo social, quién acaba recurriendo a la violencia y cuánto hay de verdad en muchos de los tópicos que repetimos sobre ETA, yihadismo, extrema izquierda, extrema derecha y terrorismo nacionalista. Matteo Re lleva años investigando el terrorismo europeo, las Brigadas Rojas, ETA, los procesos de radicalización, la propaganda terrorista y sus víctimas. En este programa utilizamos esa experiencia para separar hechos, mitos e interpretaciones políticas. – Por qué ni siquiera existe una definición universalmente aceptada de terrorismo. – De los primeros antecedentes históricos a los anarquistas del siglo XIX y el terrorismo moderno. – Por qué los terroristas no son necesariamente locos, pobres, ignorantes ni responden a un único perfil psicológico. – Radicalización: por qué miles de personas pueden asumir ideas extremas y solo una minoría acaba recurriendo a la violencia. – Redes sociales, propaganda y el papel de los medios como amplificadores del terrorismo. – Por qué algunos grupos terroristas necesitan cierto grado de apoyo o tolerancia dentro de la sociedad en la que actúan. – ETA: antifranquismo, democracia, víctimas y algunos de los mitos que siguen rodeando su historia. – Terrorismo de extrema izquierda, extrema derecha, nacionalista y yihadista: qué ocurre cuando intentamos comparar ideologías, países y periodos diferentes. – Brigadas Rojas, ETA y otros movimientos terroristas europeos: semejanzas, diferencias y procesos de radicalización. – Las víctimas que no aparecen simplemente en las cifras de muertos: heridos, amenazados, familias y personas obligadas a abandonar su tierra. – ¿Consigue realmente el terrorismo los objetivos políticos que persigue? – Cómo el cine y la televisión han construido nuestra imagen del terrorismo. Un programa para hablar de terrorismo sin consignas fáciles: historia, radicalización, violencia política, propaganda, víctimas y datos con uno de los especialistas académicos españoles que lleva años estudiando el fenómeno. Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/ZMPHMEYOvAY Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #DesmontandoMitos #Terrorismo #Radicalizacion #ETA #ViolenciaPolitica #MatteoRe #ElFantasmaEnLaMaquinaBackrooms (2026) | Kane Pixels lleva el terror de Internet al cine
Backrooms nació como uno de los fenómenos más inquietantes de Internet: pasillos amarillos interminables, espacios vacíos, luces fluorescentes y la sensación de haber atravesado accidentalmente una puerta hacia …
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Backrooms nació como uno de los fenómenos más inquietantes de Internet: pasillos amarillos interminables, espacios vacíos, luces fluorescentes y la sensación de haber atravesado accidentalmente una puerta hacia un lugar en el que no deberías estar. En este programa analizamos Backrooms (2026), la adaptación de A24 dirigida por Kane Parsons, conocido como Kane Pixels, el creador que convirtió aquella leyenda de Internet en una popular serie de terror analógico en YouTube y terminó dando el salto al largometraje. Hablamos de cómo funciona en cine un concepto basado precisamente en lo desconocido, del terror de los espacios liminales, de la estética que hizo famosas a las Backrooms y de cuánto se conserva del fenómeno original cuando una idea nacida en Internet pasa a convertirse en una gran producción cinematográfica. También repasamos la dirección de Kane Parsons, el reparto encabezado por Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve, junto a Mark Duplass, Finn Bennett y Lukita Maxwell, y la forma en que la película intenta ampliar la mitología sin perder esa sensación de aislamiento, extrañeza y amenaza que convirtió las Backrooms en un fenómeno viral. Además, debuta con nosotros Ignacio Hedroso para meterse de lleno en este extraño universo y discutir qué funciona, qué no y si Backrooms consigue transformar una gran idea de terror de Internet en una gran película. ¿Te ha convencido Backrooms como adaptación o funcionaba mejor cuanto menos sabíamos de aquel extraño lugar? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/uMRtnCRDlKI Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #Backrooms #KanePixels #A24 #Terror #TerrorAnalogico #CineDeTerrorLa constelación del perro (2026) | Ridley Scott vuelve a acertar
La constelación del perro nos ha sorprendido para bien. Después de varios años en los que Ridley Scott no terminaba de convencernos, The Dog Stars recupera a un director capaz de combinar espectáculo …
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La constelación del perro nos ha sorprendido para bien. Después de varios años en los que Ridley Scott no terminaba de convencernos, The Dog Stars recupera a un director capaz de combinar espectáculo, personajes y grandes paisajes sin perder de vista la parte humana de la historia. Basada en la novela de Peter Heller, la película nos lleva a un mundo devastado por una pandemia en el que Hig, interpretado por Jacob Elordi, sobrevive aislado junto a Bangley, un tipo bastante menos optimista encarnado por Josh Brolin. Una misteriosa transmisión de radio termina empujando a Hig a abandonar la seguridad de su pequeño mundo y buscar algo que quizá siga existiendo ahí fuera. Hablamos de Ridley Scott, del tono postapocalíptico de la película, de su forma de mostrar un mundo prácticamente vacío y de cómo la historia funciona mejor cuando se concentra en la soledad, la necesidad de conectar con otras personas y la búsqueda de una razón para seguir adelante. También repasamos a Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong y Allison Janney, la relación entre Hig y Bangley, las escenas de supervivencia, la acción y las decisiones de una película que combina momentos muy íntimos con otros mucho más propios del Ridley Scott de gran producción. Y sí: a Patricio y a mí nos ha gustado. No nos parece una película perfecta, pero después de varios trabajos de Scott que nos habían dejado bastante fríos, La constelación del perro nos ha parecido una recuperación más que bienvenida. ¿Te ha convencido La constelación del perro o sigues esperando otra gran película de Ridley Scott? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/RB926qinRLw Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #LaConstelacionDelPerro #TheDogStars #RidleyScott #JacobElordi #JoshBrolin #CienciaFiccion #CineCentauros del desierto (1956) | John Wayne y el western que cambió para siempre el género
Centauros del desierto es mucho más que uno de los grandes westerns de John Ford: es una película sobre obsesión, odio, frontera y violencia que ayudó a transformar la imagen clásica del héroe del Oeste …
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Centauros del desierto es mucho más que uno de los grandes westerns de John Ford: es una película sobre obsesión, odio, frontera y violencia que ayudó a transformar la imagen clásica del héroe del Oeste. Repasamos The Searchers (1956), protagonizada por John Wayne como Ethan Edwards, un veterano de la Guerra de Secesión que emprende durante años la búsqueda de su sobrina Debbie después de que su familia sea atacada y ella sea secuestrada por los comanches. Hablamos de John Ford, de la monumental presencia de Monument Valley, de la fotografía, del uso del paisaje y de cómo la película combina la aventura del western tradicional con un protagonista mucho más oscuro, contradictorio y difícil de admirar sin reservas. También entramos en Ethan Edwards, su racismo, su obsesión por la búsqueda y la ambigüedad moral de un personaje que anticipó buena parte de los antihéroes que llegarían después. Una figura que convierte Centauros del desierto en algo bastante más incómodo e interesante que una simple historia de rescate. Analizamos además la influencia enorme de la película sobre generaciones posteriores de cineastas y cómo muchas de sus imágenes, temas y recursos terminaron reapareciendo en el cine de Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas y otros directores que crecieron viendo a Ford. Un western clásico por fuera y sorprendentemente moderno por dentro, con una de las interpretaciones más complejas de John Wayne y uno de los finales más famosos de la historia del cine. ¿Es Centauros del desierto el mejor western jamás rodado o hay alguna película que colocarías por encima? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/g3b6RDzNr4Q Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #CentaurosDelDesierto #TheSearchers #JohnWayne #JohnFord #Western #CineClasico #MonumentValleyLa Casa del Dragón 3x05–3x08 | Guerra, traiciones y un final que cambia todo
La Casa del Dragón cierra su tercera temporada llevando por fin la Danza de los Dragones hacia una guerra cada vez más abierta, brutal e imprevisible. Analizamos los episodios 3x05 al 3x08 y todo lo que deja …
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La Casa del Dragón cierra su tercera temporada llevando por fin la Danza de los Dragones hacia una guerra cada vez más abierta, brutal e imprevisible. Analizamos los episodios 3x05 al 3x08 y todo lo que deja preparado este final de temporada. Hablamos de la evolución de Rhaenyra y de cómo el poder empieza a transformarla, de Daemon, Aegon, Aemond, Alicent, Alys Rivers y de unos bandos que cada vez tienen más problemas para mantener bajo control a sus propios aliados. También entramos en el destino de Criston Cole, las semillas de dragón, las nuevas alianzas y traiciones, el creciente protagonismo de los dragones y la batalla política y militar por un Trono de Hierro que empieza a cobrarse un precio cada vez mayor. Y, por supuesto, repasamos Tumbleton y todo lo que ocurre en un desenlace que vuelve a cambiar el equilibrio de fuerzas y deja la guerra preparada para la cuarta y última temporada. Además de comentar lo que funciona y lo que no en estos cuatro capítulos, discutimos algunas de las decisiones de adaptación respecto al material de George R. R. Martin, la evolución de los personajes y si esta tercera temporada ha conseguido finalmente llevar La Casa del Dragón al nivel que esperábamos de la heredera de Juego de Tronos. AVISO: el programa contiene spoilers completos de los episodios 3x05, 3x06, 3x07 y 3x08. ¿Te ha convencido el final de la tercera temporada de La Casa del Dragón y qué personaje crees que sale mejor parado de estos últimos episodios? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/KK-xSBAR3R8 Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #LaCasaDelDragon #HouseOfTheDragon #GameOfThrones #Targaryen #Rhaenyra #DaemonTargaryen #DanzaDeLosDragonesLa caza del Octubre Rojo (1990) | Connery, submarinos y el mejor Tom Clancy en el cine
La caza del Octubre Rojo es uno de los grandes thrillers de la Guerra Fría y una de las mejores adaptaciones cinematográficas de Tom Clancy. John McTiernan convierte una historia de submarinos, espionaje y …
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La caza del Octubre Rojo es uno de los grandes thrillers de la Guerra Fría y una de las mejores adaptaciones cinematográficas de Tom Clancy. John McTiernan convierte una historia de submarinos, espionaje y tensión militar en una película tremendamente entretenida, con Sean Connery al mando y Alec Baldwin como Jack Ryan. Repasamos La caza del Octubre Rojo (1990), la historia del capitán Marko Ramius, su misteriosa maniobra al frente del submarino soviético Octubre Rojo y la carrera contrarreloj para averiguar si pretende atacar Estados Unidos, desertar o provocar algo todavía peor. Hablamos de Sean Connery, Alec Baldwin, Sam Neill, Scott Glenn y James Earl Jones, de la construcción del suspense, de la representación de la Guerra Fría, de la guerra submarina y de cómo McTiernan consigue hacer comprensible y emocionante una historia llena de estrategia, tecnología y decisiones militares. También entramos en Tom Clancy y el personaje de Jack Ryan, las diferencias con otras películas de la saga, el contexto político de finales de los años 80 y principios de los 90 y esa mezcla de cine bélico, espionaje y thriller que convirtió la película en un clásico del género. ¿Es La caza del Octubre Rojo la mejor película de Jack Ryan y uno de los mejores thrillers de submarinos de la historia? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/7mom4I7oLJo Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #LaCazaDelOctubreRojo #TheHuntForRedOctober #SeanConnery #TomClancy #JackRyan #JohnMcTiernanInvictus (2009) | Mandela, rugby y la película más inspiradora de Clint Eastwood
Invictus (2009) cuenta cómo Nelson Mandela convirtió un Mundial de Rugby en algo mucho más grande que un acontecimiento deportivo: una oportunidad para intentar unir a una Sudáfrica todavía rota por décadas de …
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Invictus (2009) cuenta cómo Nelson Mandela convirtió un Mundial de Rugby en algo mucho más grande que un acontecimiento deportivo: una oportunidad para intentar unir a una Sudáfrica todavía rota por décadas de apartheid. En este programa analizamos la película dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Morgan Freeman y Matt Damon, la relación entre Mandela y François Pienaar y la decisión de utilizar a los Springboks —durante años asociados a la minoría blanca sudafricana— como símbolo de una nueva identidad nacional. Hablamos del extraordinario trabajo de Morgan Freeman como Mandela, de la transformación física de Matt Damon, del contexto histórico posterior al apartheid y de cuánto hay de realidad y cuánto de construcción cinematográfica en la historia que cuenta la película. También entramos en el estilo de Eastwood: una dirección aparentemente sencilla, sin grandes alardes visuales, que pone todo el peso en los personajes, en la emoción y en la idea de que un gesto político o deportivo puede convertirse en una herramienta de reconciliación. Y, por supuesto, analizamos el Mundial de Rugby de 1995, el papel real que tuvo Mandela en aquella victoria, la importancia de los Springboks y uno de los momentos más simbólicos de la historia reciente de Sudáfrica. ¿Es Invictus una de las mejores películas de Clint Eastwood? ¿Y hasta qué punto puede realmente el deporte ayudar a unir a un país dividido? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/L-4KCy-x94c Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #Invictus #ClintEastwood #NelsonMandela #MorganFreeman #MattDamon #Rugby #ElFantasmaEnLaMaquinaTerminator: Dark Fate (2019) | Así se hicieron sus efectos visuales con Carolina Jiménez
Terminator: Dark Fate (2019) intentó devolver la saga a sus orígenes recuperando a Linda Hamilton como Sarah Connor, a Arnold Schwarzenegger y al propio James Cameron, esta vez como productor y responsable de …
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Terminator: Dark Fate (2019) intentó devolver la saga a sus orígenes recuperando a Linda Hamilton como Sarah Connor, a Arnold Schwarzenegger y al propio James Cameron, esta vez como productor y responsable de parte de la historia. Pero para este programa tenemos algo que normalmente no podemos ofrecer: alguien que estuvo dentro de la película. Nos acompaña Carolina Jiménez García, profesional de los efectos visuales que trabajó durante meses en Terminator: Dark Fate y supervisó el layout de varias de sus secuencias para Scanline VFX. Con ella podemos entrar de verdad en cómo se construye una superproducción de este tamaño y qué ocurre entre lo que se rueda físicamente y lo que finalmente vemos en pantalla. Hablamos de cámaras digitales, composición, escenarios, personajes generados por ordenador, integración de elementos reales y virtuales y del enorme trabajo colectivo necesario para crear algunos de los grandes planos de acción de la película. Y, por supuesto, analizamos también Dark Fate como película: el regreso de Sarah Connor, la evolución de Arnold Schwarzenegger como T-800, Grace, Dani Ramos, el Rev-9, la decisión de continuar directamente la historia de Terminator 2 y el intento de encontrar un nuevo futuro para una saga que llevaba décadas tratando de estar a la altura de las dos películas originales. Además, aprovechamos la experiencia de Carolina para hablar del mundo de los VFX desde dentro: qué hace realmente un artista de layout, cómo se trabaja en las grandes producciones internacionales y cuánto de lo que creemos estar viendo en una película existe realmente delante de la cámara. Un programa especialmente diferente porque esta vez no solo analizamos cómo se hizo una película: hablamos con una de las personas que ayudaron a hacerla. ¿Te parece Terminator: Dark Fate la mejor continuación de Terminator 2? ¿Y cuánto crees que somos capaces de distinguir hoy entre un plano real y uno construido con efectos visuales? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/xCbd8vdQBw4 Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #TerminatorDarkFate #Terminator #CarolinaJimenez #ArnoldSchwarzenegger #LindaHamilton #EfectosVisuales #ElFantasmaEnLaMaquinaLos Soprano 3x11: Pine Barrens (2001) | ¿El mejor episodio de toda la serie?
Pine Barrens convirtió una chapuza de Paulie y Christopher en uno de los episodios más míticos de Los Soprano y en una pequeña obra maestra de humor negro, tensión y absurdo. En este programa analizamos el …
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Pine Barrens convirtió una chapuza de Paulie y Christopher en uno de los episodios más míticos de Los Soprano y en una pequeña obra maestra de humor negro, tensión y absurdo. En este programa analizamos el episodio 11 de la tercera temporada, dirigido por Steve Buscemi, en el que Paulie Gualtieri y Christopher Moltisanti acaban perdidos en un bosque nevado después de que un trabajo aparentemente sencillo con un mafioso ruso se vaya completamente al infierno. Hablamos de la increíble química entre Paulie y Christopher, de sus discusiones cada vez más delirantes, del misterioso Valery y de cómo Los Soprano consigue sacar a dos mafiosos de su entorno habitual y convertirlos de repente en dos tipos incapaces de sobrevivir unas horas en mitad de la naturaleza. También analizamos a Tony Soprano intentando controlar el desastre desde la distancia, su relación con Gloria Trillo, la historia de Meadow y Jackie Aprile Jr. y, por supuesto, uno de los grandes misterios que dejó la serie: ¿qué demonios ocurrió con el ruso? Un episodio divertidísimo, extraño y completamente imprevisible que demuestra por qué Los Soprano podía pasar del drama criminal a la comedia absurda sin dejar de parecer nunca la misma serie. ¿Es Pine Barrens el mejor episodio de Los Soprano? ¿Y cuál es tu teoría sobre lo que ocurrió realmente con Valery? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/1PHd-Toppgs Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #LosSoprano #TheSopranos #PineBarrens #PaulieGualtieri #ChristopherMoltisanti #SteveBuscemi #ElFantasmaEnLaMaquinaSpider-Man: Brand New Day (2026) | Tom Holland, mutantes y el nuevo futuro de Marvel
Spider-Man: Brand New Day (2026) abre una nueva etapa para el Peter Parker de Tom Holland después de No Way Home: el mundo ya no recuerda quién es y Peter ha terminado convertido en un Spider-Man prácticamente …
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Spider-Man: Brand New Day (2026) abre una nueva etapa para el Peter Parker de Tom Holland después de No Way Home: el mundo ya no recuerda quién es y Peter ha terminado convertido en un Spider-Man prácticamente a tiempo completo. En este programa analizamos la cuarta película en solitario de Tom Holland, ahora dirigida por Destin Daniel Cretton, y discutimos todo lo que funciona… y todo lo que no. Una película demasiado larga y bastante irregular, con momentos realmente buenos mezclados con tramas que parecen puro relleno y un CGI sorprendentemente flojo en algunos tramos. Pero cuando llega el último acto, la película pisa el acelerador y deja algunas de sus mejores secuencias. Hablamos del nuevo Peter Parker, de cómo la película se aleja en buena medida del multiverso para volver a una historia más centrada en Nueva York, de las nuevas amenazas, de los personajes que llegan al MCU y de una cuestión especialmente importante para el futuro de Marvel: la entrada cada vez más clara de los mutantes en este universo. También comentamos el trabajo de Tom Holland, la nueva dirección que toma Spider-Man y hasta qué punto Brand New Day consigue realmente funcionar como ese nuevo comienzo que promete su título. ¿Es Spider-Man: Brand New Day el regreso que necesitaba el personaje después de No Way Home o Marvel vuelve a querer meter demasiadas cosas en una sola película? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/osshcW-ompk Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #SpiderManBrandNewDay #SpiderMan #TomHolland #Marvel #MCU #Mutantes #ElFantasmaEnLaMaquinaJurassic Park (1993) | Spielberg, dinosaurios y el blockbuster que cambió el cine
Jurassic Park (1993) no solo convirtió a los dinosaurios en protagonistas de uno de los mayores espectáculos de la historia del cine: también cambió para siempre la manera de crear efectos visuales en …
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Jurassic Park (1993) no solo convirtió a los dinosaurios en protagonistas de uno de los mayores espectáculos de la historia del cine: también cambió para siempre la manera de crear efectos visuales en Hollywood. En este programa analizamos la obra maestra de Steven Spielberg basada en la novela de Michael Crichton, su mezcla perfecta de aventura, ciencia ficción y terror, y el equilibrio entre animatrónicos y CGI que consiguió que sus dinosaurios sigan resultando convincentes más de treinta años después. Hablamos de la llegada al parque, el mítico ataque del T. rex, los velociraptores, la teoría del caos de Ian Malcolm, el carisma de Jeff Goldblum, Sam Neill y Laura Dern, la música de John Williams y una dirección de Spielberg que convierte cada aparición de los dinosaurios en una auténtica lección de puesta en escena. También repasamos las ideas que hay detrás de la película: los límites de la ciencia, la arrogancia de creer que podemos controlar la naturaleza y la diferencia entre ser capaces de hacer algo y detenernos a pensar si deberíamos hacerlo. ¿Sigue siendo Jurassic Park la mejor película de dinosaurios de la historia? ¿Y la mejor entrega de toda la saga? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/h1nIhPQdgd0 Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #JurassicPark #StevenSpielberg #Dinosaurios #MichaelCrichton #JeffGoldblum #CienciaFiccion #ElFantasmaEnLaMaquinaMuerte entre las flores (1990) | Los Coen y una de las mejores películas de mafiosos
Muerte entre las flores (1990) es una de las grandes joyas ocultas de los hermanos Coen. Un thriller de mafiosos elegante, inteligente y repleto de traiciones, donde nadie dice exactamente lo que piensa y cada …
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Muerte entre las flores (1990) es una de las grandes joyas ocultas de los hermanos Coen. Un thriller de mafiosos elegante, inteligente y repleto de traiciones, donde nadie dice exactamente lo que piensa y cada conversación puede cambiar el destino de todos. En este programa analizamos una de las películas más sofisticadas de los Coen: sus diálogos brillantes, sus personajes llenos de dobles intenciones, su puesta en escena impecable y el retrato de un mundo donde la lealtad vale más que el dinero… hasta que deja de valer nada. – Gabriel Byrne y uno de los protagonistas más complejos del cine negro moderno. – Albert Finney, John Turturro y un reparto extraordinario. – La Ley Seca, las guerras entre clanes y el cine de gánsteres clásico. – Los hermanos Coen en uno de los momentos más inspirados de su carrera. – ¿Por qué sigue siendo una de las películas más infravaloradas del género? Un programa sobre poder, traición, honor y una obra maestra que demuestra por qué los hermanos Coen son dos de los grandes narradores del cine contemporáneo. ¿Te parece la película más infravalorada de los Coen? ¿Cuál es tu favorita de su filmografía? Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/BNC3NJWeYI0 Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #MuerteEntreLasFlores #MillersCrossing #HermanosCoen #GabrielByrne #CineNegro #Mafia #ElFantasmaEnLaMaquinaEl último mohicano (1992) | Daniel Day-Lewis y la epopeya romántica definitiva
El último mohicano (1992) es una de las grandes epopeyas históricas del cine de los 90: Michael Mann trasladó la novela de James Fenimore Cooper a la América colonial en plena guerra franco-india, y construyó …
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El último mohicano (1992) es una de las grandes epopeyas históricas del cine de los 90: Michael Mann trasladó la novela de James Fenimore Cooper a la América colonial en plena guerra franco-india, y construyó una historia de amor y supervivencia rodeada de bosques, batallas y una de las bandas sonoras más emocionantes que ha dado el cine. Daniel Day-Lewis, en pleno método actoral, se entrenó durante meses para encarnar a Nathaniel, el hombre blanco criado por los mohicanos. En este programa la analizamos a fondo: la amistad entre Nathaniel, Chingachgook y Uncas como corazón emocional de la película, la historia de amor con Cora en mitad de la guerra, la reconstrucción minuciosa del conflicto colonial entre británicos, franceses y las naciones nativas americanas, y esa persecución final en la cascada que es una de las secuencias de acción y romance más recordadas del cine de aventuras. El rigor de Michael Mann con el detalle histórico y visual, la partitura que se ha vuelto icónica por derecho propio, el retrato de los pueblos nativos americanos más allá del cliché habitual de Hollywood, y por qué esta película sigue siendo la gran epopeya romántica de aventuras de su generación. Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/u8pJRc_r9Ps Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #ElUltimoMohicano #DanielDayLewis #MichaelMann #CineDeAventuras #CineHistorico #CineClasico #ElFantasmaEnLaMaquinaLos Goonies (1985) | La aventura de infancia que definió a una generación
Los Goonies (1985) es una de las grandes películas de aventuras infantiles de la historia del cine: un grupo de amigos a punto de perder su barrio se lanza a buscar un tesoro pirata legendario, y en el camino …
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Los Goonies (1985) es una de las grandes películas de aventuras infantiles de la historia del cine: un grupo de amigos a punto de perder su barrio se lanza a buscar un tesoro pirata legendario, y en el camino viven la aventura de sus vidas. Steven Spielberg la escribió y produjo, Richard Donner la dirigió, y el resultado se convirtió en una de las películas más queridas de toda una generación que creció en los 80. En este programa la analizamos a fondo: Mikey, Chunk, Mouth y Data como el grupo de amigos perfecto, la familia Fratelli como los villanos entrañables de la película, Sloth y su gran corazón bajo su aspecto monstruoso, el mapa del tesoro y la búsqueda del barco del pirata Willy el Tuerto, y esa mezcla exacta de aventura, comedia, amistad y un puntito de terror que hizo de esta película el modelo a seguir de todo el cine de aventuras infantiles posterior. El espíritu ochentero de pandilla de niños contra el mundo adulto, los efectos prácticos y decorados que aún hoy sostienen la magia sin necesidad de digital, la nostalgia que sigue generando entre quienes crecieron con ella, y por qué Los Goonies sigue siendo la aventura de infancia por excelencia. Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/PulerncrY_8 ¿Vuestra película de infancia favorita? Te leemos en comentarios. Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #LosGoonies #Spielberg #CineDeAventuras #Nostalgia #CineDeLos80 #ElFantasmaEnLaMaquinaEvasión o victoria (1981) | La mejor película de fútbol, en plena resaca del Mundial
Evasión o victoria (1981) es, para la inmensa mayoría, la mejor y más conocida película sobre fútbol de la historia del cine: prisioneros de guerra aliados organizan un partido contra un equipo alemán en la …
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Evasión o victoria (1981) es, para la inmensa mayoría, la mejor y más conocida película sobre fútbol de la historia del cine: prisioneros de guerra aliados organizan un partido contra un equipo alemán en la Francia ocupada, con la fuga como plan oculto tras el balón. Sylvester Stallone, Michael Caine y, sobre todo, Pelé —jugando literalmente a sí mismo— protagonizan una película que mezcla deporte, resistencia y espectáculo como pocas lo han conseguido. Y con el Mundial recién terminado y todos con el gusanillo del fútbol aún metido en el cuerpo, es el momento perfecto para volver a ella. En este programa la analizamos a fondo: el partido final como una de las secuencias deportivas mejor rodadas del cine, la participación real de futbolistas profesionales —incluido el propio Pelé y su icónica chilena—, el equilibrio entre la tensión bélica y la épica deportiva, y por qué esta película sigue siendo la referencia obligada cada vez que se habla de fútbol y cine en la misma frase. John Huston dirigiendo algo muy distinto a lo que solía hacer, la mezcla de actores y futbolistas reales, y el gol que todo aficionado recuerda aunque no haya visto la película entera. ¿La mejor película de fútbol de la historia? Te leemos en comentarios. Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/v8MZN66QIAQ Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #EvasionOVictoria #Pele #SylvesterStallone #CineDeFutbol #Mundial2026 #CineClasico #ElFantasmaEnLaMaquinaLa Odisea (2026) | La demolemos: por qué Nolan ha hecho su peor película
La Odisea (2026) ha arrasado en taquilla y la crítica internacional la está tratando casi como una obra maestra. Nosotros no estamos de acuerdo, y en este programa lo explicamos sin ninguna piedad: creemos que …
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La Odisea (2026) ha arrasado en taquilla y la crítica internacional la está tratando casi como una obra maestra. Nosotros no estamos de acuerdo, y en este programa lo explicamos sin ninguna piedad: creemos que Christopher Nolan ha confundido presupuesto con talento, y que detrás del envoltorio de IMAX de 70mm y 250 millones de dólares hay una película dramáticamente rota. Analizamos por qué no funciona: diálogos ridículos que suenan a borrador sin pulir, personajes que nunca llegan a construirse pese a las casi tres horas de metraje, una estética que parece más un blockbuster de superhéroes que una epopeya griega, un casting que rompe cualquier coherencia con el mundo homérico, y un revisionismo histórico simplón que sustituye la complejidad del mito por trauma psicológico de manual para consumo masivo. El prestigio de Nolan, el formato IMAX y la escala de producción no convierten esto en una buena película, y creemos que crítica y fans están confundiendo ambición industrial con calidad real. Aquí os damos la otra cara de un estreno que está siendo aclamado casi sin matices. ¿Nos hemos vuelto locos, o hay más gente que piensa como nosotros? Te leemos en comentarios. Podéis ver aquí el YouTube: https://youtu.be/uBrDPQ53oZU Apóyanos con un café: https://paypal.me/FantasmaEnLaMaquina Instagram: https://www.instagram.com/fantasmaenlamaquina Twitter/X: https://twitter.com/FantasmaEn Facebook: https://www.facebook.com/ElFantasmaEnLaMaquina #LaOdisea #ChristopherNolan #TomHolland #MattDamon #CriticaDeCine #Odisea2026 #ElFantasmaEnLaMaquina
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