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- 10 Nov 2026
Sobre el podcast
Fare cinema è un lavoro assurdo. Creare film è ogni volta un piccolo inferno e le persone che ci girano intorno sono strane, originali se non proprio pericolose. Questo podcast racconta le storie dietro ai film, quelle delle vite degli attori o dei registi e tutto quello di paradossale gira intorno al cinema e chi lo fa. Qui in audio su YouTube pure in video. Gabriele Niola è un critico cinematografico, podcaster e creatore di contenuti, da anni scrive di cinema e intervista attori e registi. Tutto pur di non lavorare. Una recensione (a 5 stelle!) è il massimo che puoi fare
Episodios 115
Dentro la mente di Stanley Kubrick: FULL METAL JACKET
Stanley Kubrick ha girato un film sulla guerra del Vietnam senza mai lasciare Londra — e questa è la storia di come ci è riuscito, e di quanto quella scelta ha condizionato ogni singola cosa di Full Metal …
Notas del episodio
Stanley Kubrick ha girato un film sulla guerra del Vietnam senza mai lasciare Londra — e questa è la storia di come ci è riuscito, e di quanto quella scelta ha condizionato ogni singola cosa di Full Metal Jacket. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Per chi vuole approfondire c'è questa biografia ufficiale: https://www.goodreads.com/book/show/179922986-kubrick E il libro scritto con il suo autista e tuttofare Emilio D'Alessandro:https://www.ilsaggiatore.com/libro/stanley-kubrick-e-me Kubrick non amava viaggiare. L'ultima volta che aveva lasciato l'Inghilterra era stato per la prima di 2001: Odissea nello spazio, e ci era andato in nave perché aveva la fobia di volare. Così quando decide di fare un film sul Vietnam non va nelle Filippine, non va in Belize, non va da nessuna parte: trova una gigantesca officina del gas abbandonata a East London, la Beckton Gas Works, progettata negli anni '30 da un architetto tedesco nello stesso stile funzionalista delle periferie di Huế e Saigon. La demoliscono loro, con una palla da demolizione e cariche esplosive vere. Importano 120 palme dalla Spagna e 100.000 piante tropicali di plastica da Hong Kong. E per coprire il cielo inglese bruciano pneumatici e carburante finché una nube di fumo alta 150 metri non si sposta sopra il Tamigi e rischia di far chiudere la produzione. La sceneggiatura l'aveva scritta al telefono: una telefonata durata tre anni con Michael Herr, e chiamate di 7 ore di fila con Gustav Hasford, l'autore del romanzo. I due scrittori si sono incontrati di persona una volta sola — fu un disastro, e non si rividero mai più. Per il casting arrivarono oltre 3.000 videocassette, Kubrick ne guardò personalmente 800. Denzel Washington rifiutò perfino di fare l'audizione, ad Arnold Schwarzenegger fu offerto un ruolo, Bruce Willis non poté accettare perché appena ingaggiato per Moonlighting. Matthew Modine ottenne la parte quasi per caso, grazie a una battuta infondata di Val Kilmer. E il sergente Hartman — R. Lee Ermey — si prese il ruolo da un altro attore già scritturato organizzando di sua iniziativa delle finte interviste alle comparse e costringendo Kubrick a guardare il nastro. Le riprese iniziarono ad agosto 1985, dopo due anni di preparazione, e si conclusero ad agosto 1986. Gli attori erano stati assunti per 18 settimane e ci rimasero 17 mesi. Il terreno della Beckton era contaminato da amianto, durante le pause per il tè la polvere tossica si posava sui biscotti, e quando tornavano a casa la vasca da bagno diventava blu cobalto per lo sporco accumulato. Vincent D'Onofrio aveva ingrassato 31 chili per interpretare Palla di Lardo, e sostenere quelle riprese con quella stazza gli procurò una lesione al ginocchio da intervento chirurgico. Poi, quando il film era quasi pronto, uscì Platoon. Kubrick vide il film in anteprima e notò sequenze di elicotteri spaventosamente simili alle sue. Sbottò: «Che cosa stiamo facendo, un fottuto sequel?» — e rinviò l'uscita di sei mesi. Full Metal Jacket uscì nell'estate del 1987 con una locandina completamente diversa da quella originale — un elmetto con la scritta Born to Kill su sfondo bianco, firmato da Philip Castle — e incassò 120 milioni di dollari nel mondo a fronte di 17 di budget. Kubrick si tenne dodici giacche militari verdi del film, le fece tingere di blu e le portò per anni come abito di tutti i giorni. Le gavette dei marines diventarono le ciotole dei suoi cani. E alla parrocchia di Broadfields Avenue arrivò in dono una statua del Sacro Cuore di Gesù alta un metro, commissionata per il film e mai usata. #FullMetalJacket #StanleyKubrick #Cinema #FilmHistory #BehindTheScenes #Vietnam #Hollywood #Regia #Kubrick
PHILIP SEYMOUR HOFFMAN: l'uomo dentro la bestia
Philip Seymour Hoffman era l'attore preferito dagli attori — e questa è la storia di come ci è arrivato, di quanto gli è costato, e di come non riuscì a sopravvivere alla sua stessa bravura. Acquista "Fare film …
Notas del episodio
Philip Seymour Hoffman era l'attore preferito dagli attori — e questa è la storia di come ci è arrivato, di quanto gli è costato, e di come non riuscì a sopravvivere alla sua stessa bravura.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Per chi vuole approfondire c'è questo bel libro di Peter Shelley: https://www.google.it/books/edition/Philip_Seymour_Hoffman/mykSDgAAQBAJ?hl=it&gbpv=0
Non aveva niente di quello che Hollywood chiede: una stazza imponente, capelli che diventarono bianchi anziché grigi, manierismi accentuati, un corpo di cui sembrava continuamente scusarsi. Eppure Meryl Streep disse di lui che «non ha paura», e Roger Ebert lo definì «un poeta dell'implosione». Prima ancora del pubblico e dei critici, era ammirato dai colleghi. Ma dietro tutto questo c'era una storia che cominciava con un collo rotto, una cotta non ricambiata, e una standing ovation a 17 anni per Morte di un commesso viaggiatore.Gli anni cruciali sono quattro, dal 1997 al 2000, in cui senza mai essere protagonista Hoffman diventa qualcuno. Boogie Nights, Il grande Lebowski, Magnolia, Quasi famosi: interpretazioni in poche scene che fanno capire a chi guarda di trovarsi davanti a qualcosa di diverso. In Boogie Nights indossa vestiti di due taglie inferiori alla sua, con le braccia sempre conserte a nascondere il corpo, per costruire il personaggio di qualcuno che si vergogna di sé stesso. In Magnolia è spesso sullo sfondo, sfocato, eppure pesa da morire. È Paul Thomas Anderson il regista che capisce prima di tutti cosa sa fare davvero, e lo chiama ogni volta che vuole qualcosa di difficile.La svolta apparente è l'Oscar per Capote, nel 2005. Ma quell'Oscar cambia tutto in peggio: i ruoli devono essere più grandi, la pressione è maggiore, e quello che prima era tensione verso l'eccellenza diventa qualcosa di malato. Servono sei anni per trovare un film all'altezza — The Master di Anderson, ancora — e proprio durante quella lavorazione, per la prima volta dopo 23 anni di sobrietà, Hoffman beve di nuovo. Non si riprenderà mai davvero.Recitava come un atleta, con la stessa disciplina e la stessa ossessione con cui da ragazzo faceva wrestling. Si addormentava per l'ansia prima di andare in scena — gli succedeva anche prima degli incontri di lotta. Aveva trovato il proprio posto nel mondo dando dignità e umanità ai perdenti, agli insicuri, ai personaggi che nessun altro voleva capire. La notte del 2 febbraio 2014 lo trovano morto nel suo appartamento di New York. Aveva 46 anni. Nel sangue aveva eroina, cocaina, benzodiazepine e anfetamine. Aaron Sorkin, che aveva lottato con le stesse dipendenze, volle dire una cosa sola: «Phil non è morto per un'overdose di eroina; è morto di eroina. È morto perché era un malato».
PRINCIPESSA MONONOKE: Hayao Miyazaki va in guerra contro tutti
La storia di come Hayao Miyazaki e La principessa Mononoke hanno salvato lo Studio Ghibli — e di come Harvey Weinstein ha quasi distrutto tutto. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Se …
Notas del episodio
La storia di come Hayao Miyazaki e La principessa Mononoke hanno salvato lo Studio Ghibli — e di come Harvey Weinstein ha quasi distrutto tutto. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Se volete approfondire la storia di Hayao Miyazaki e del Ghibli ci sono questi due ottimi libri: https://www.goodreads.com/book/show/6342111-starting-point-1979-1996 https://www.goodreads.com/book/show/18223763-turning-point Nel 1997, La principessa Mononoke era più di un film: era l'arma con cui lo Studio Ghibli voleva conquistare l'America. Il distributore scelto dalla Disney era Harvey Weinstein, soprannominato Harvey Mani di Forbice per la sua abitudine di tagliare e stravolgere i film stranieri. Il contratto firmava il divieto assoluto di tagli, ma Weinstein voleva ridurlo di 40 minuti. La risposta arrivò durante una riunione: Toshio Suzuki aprì un pacco lungo e stretto davanti a tutti, estrasse una katana — una replica perfettamente convincente — la impugnò con fare marziale e urlò in pessimo inglese due sole parole: "No cuts". Il percorso verso La principessa Mononoke era iniziato vent'anni prima, quando Miyazaki lavorava alla televisione su Lupin III e Heidi. Già allora aveva abbozzato i primi concept di Mononoke Hime: una rielaborazione de La bella e la bestia rimasta nel cassetto perché nessuno la produceva. Quando alla fine degli anni '90 torna a quel progetto, il mondo è cambiato — il crollo dell'URSS, il terremoto di Kobe, l'attentato al gas sarin nella metropolitana di Tokyo, la crisi economica giapponese. Miyazaki non vuole più storie rassicuranti: vuole un finale senza speranza, un cattivo affascinante, un Giappone medievale che non assomiglia a nessun film in costume mai visto prima. La produzione fu un'impresa colossale. Miyazaki portò tutto il team nella foresta di Yakushima, visitò un lebbrosario, produsse 300 image boards in due mesi. Parte dello staff sabotò il progetto dall'interno — e Miyazaki li licenziò in tronco. Alla fine, dei 144.000 fogli che compongono il film, ne ha ridisegnati personalmente 80.000. Per la prima volta lo studio integrò la computer grafica, sviluppando con Microsoft una tecnica di cell shading che rendesse il 3D indistinguibile dal 2D. Per l'adattamento americano, Weinstein pensò a Quentin Tarantino — ma fu proprio Tarantino a dirgli: "Non vuoi me, vuoi Neil Gaiman". Lo scrittore britannico costruì un adattamento eccezionale e resistette per mesi alle pressioni. Quando le recensioni uscirono — il New York Times lo definì "la punta più alta della storia dell'arte giapponese" — Weinstein capì di aver perso e fece l'unica cosa che poteva fare: affossò il film, ridusse le copie, tagliò la promozione. Miyazaki aveva annunciato il ritiro dopo Mononoke. Ci ripensò. Quattro anni dopo uscì La città incantata: Orso d'Oro a Berlino, Oscar per il miglior film d'animazione. Ma niente di tutto questo sarebbe stato possibile senza La principessa Mononoke. Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIG Storyline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK #StudioGhibli #PrincessMononoke #HayaoMiyazaki #HarveyWeinstein #NeilGaiman #Cinema #Animazione #FilmHistory #Mononoke
ARRIVAL: la nascita di un nuovo maestro della fantascienza
Come è nato Arrival: la storia di un regista che ha rimandato tutta la vita il suo sogno, di uno sceneggiatore cacciato di casa a 19 anni e di un film che nessuno voleva produrre. Acquista "Fare film è un …
Notas del episodio
Come è nato Arrival: la storia di un regista che ha rimandato tutta la vita il suo sogno, di uno sceneggiatore cacciato di casa a 19 anni e di un film che nessuno voleva produrre. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Per chi è interessato a cosa ha portato Villeneuve alla fantascienza questo video è molto interessante: https://www.youtube.com/watch?v=1TgS8r-WhTk
Questo invece è tutto sulla scrittura: https://www.youtube.com/watch?v=WDXlaa9JpuI Denis Villeneuve è cresciuto in Canada con due cose davanti agli occhi ogni mattina: la sagoma di una centrale nucleare e le riviste di tecnologia del padre. Tutta la vita ha voluto fare fantascienza. E tutta la vita ha rimandato, convinto di non essere ancora pronto, di non avere gli strumenti giusti, di non voler fare una fantascienza stupida. Nel frattempo ha fatto Prisoners, Enemy, Sicario — film commerciali fuori e d'autore dentro. Esattamente la stessa cosa di cui la Fox avrebbe criticato Arrival.Eric Heisserer invece era stato cacciato di casa a 19 anni dal padre, che non poteva permettersi l'università ma si vergognava a dirlo. Si era ritrovato a Houston a lavorare per conto della NASA, l'unico sobrio alle serate dei fisici teorici, ad ascoltare conversazioni che lo convinsero che la realtà della fisica era più affascinante della fantascienza. Poi andò a vedere Armageddon con loro, e quando partirono i due Space Shuttle insieme si alzarono e uscirono dalla sala. Da quel momento decise che avrebbe scritto fantascienza plausibile. Anni di sceneggiature orrende, remake di Nightmare on Elm Street e Final Destination, fino a quando non lesse il racconto di Ted Chiang Story of Your Life e capì che doveva trarne una sceneggiatura. Era il 2010: l'anno dei franchise, degli universi Marvel, e nessun studio voleva una storia originale.Alla fine si autofinanziarono, portarono il film al mercato di Cannes e la Paramount e Sony si fecero una guerra per aggiudicarselo. Nel frattempo Villeneuve e Heisserer avevano scritto 100 bozze diverse della sceneggiatura — tra la prima versione e l'ultima, l'unica cosa in comune erano le prime e le ultime quattro pagine. La protagonista fu scelta in un caffè di Montréal: ognuno scrisse un nome su un fogliettino, li girarono tutti insieme, su tutti c'era lo stesso nome. Amy Adams. Che disse subito di sì, ma precisò: "La fantascienza non mi interessa. Io interprerò il dramma. Agli alieni pensaci tu." Riprese e montaggio: Bianca Ferrari Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIGStoryline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK #arrival #DenisVilleneuve #ArrivalFilm #Cinema #Fantascienza #FilmHistory #AmyAdams #scifi
Da dove viene l'ELEVATED HORROR
Come siamo arrivati all'elevated horror, il genere che ha vinto la Palma d'Oro a Cannes e trasformato il cinema dell'orrore nel settore più vitale di Hollywood. Acquista "Fare film è un inferno" …
Notas del episodio
Come siamo arrivati all'elevated horror, il genere che ha vinto la Palma d'Oro a Cannes e trasformato il cinema dell'orrore nel settore più vitale di Hollywood. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Nel 2021 Titane ha vinto la Palma d'Oro a Cannes — con Spike Lee che ha spoilerato il vincitore per sbaglio leggendolo per primo. Era un segno del tempo: per la prima volta nella storia del festival, un horror vinceva il premio più importante del cinema. Non era un caso. È il sintomo di qualcosa che si è costruito in vent'anni di produzione, fallimenti, esperimenti e rivoluzioni economiche. Tutto parte dal Blair Witch Project del 1999: costato $60.000, incassò 248 milioni. Il primo film nella storia il cui successo fu costruito su internet, con un marketing che fingeva che i personaggi fossero davvero scomparsi. Quella lezione — l'horror invisibile, la minaccia che non si mostra, il basso costo trasformato in punto di forza — è alla base di tutto quello che viene dopo. Compreso Jason Blum e la sua Blumhouse, che ha industrializzato il modello: mai più di 5 milioni di budget, attori pagati a percentuale, set unici, case come ambientazioni. Paranormal Activity, Insidious, Sinister, La notte del giudizio. Un sistema a prova di flop che ha reso l'horror la scommessa più sicura di Hollywood. Ma il linguaggio visivo dell'elevated horror non viene dalla Blumhouse. Viene dalla Svezia. Lasciami Entrare di Thomas Alfredson nel 2008 ha inventato qualcosa di nuovo: un horror costruito sull'atmosfera invece che sugli spaventi, sull'introspezione psicologica invece che sul mostro, sull'apice narrativo suggerito invece che mostrato. Alfredson disse che il suo obiettivo era uno solo: evitare il tono americano. Nel farlo, ha creato il modello che avrebbero seguito tutti. The Babadook e It Follows nel 2014, The Witch nel 2015 — quando esiste un termine per una cosa, la si può fare, discutere, replicare. Jordan Peele con Get Out, Ari Aster con Hereditary, Robert Eggers che non era neanche un appassionato di horror ma capì che era l'unica forma produttiva in cui poteva esordire con ambizioni autoriali. L'elevated horror ha riempito il vuoto lasciato dal cinema adulto, quello di mezzo tra il blockbuster e il film d'autore. Parla di maternità, cambiamento climatico, bullismo, intelligenza artificiale — e lo fa in sala. Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIGStoryline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK #ElevatedHorror #Horror #Cinema #FilmHistory #Blumhouse #TheWitch #Hereditary #GetOut
DUNE: una storia di due film
La storia di Dune al cinema è la storia di due fallimenti clamorosi che hanno cambiato tutto il cinema di fantascienza. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Per chi volesse approfondire …
Notas del episodio
La storia di Dune al cinema è la storia di due fallimenti clamorosi che hanno cambiato tutto il cinema di fantascienza. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Per chi volesse approfondire consiglio il film Jodorowsky's Dune e questo libro: https://www.lafeltrinelli.it/masterpiece-in-disarray-david-lynch-libro-inglese-max-evry/e/9781948221290 Nel 1974 i diritti di Dune finiscono ad Alejandro Jodorowsky, il regista surrealista cileno che aveva appena inventato il cinema di mezzanotte con El Topo e La montagna sacra. Lui non l'ha neanche letto il romanzo di Frank Herbert. Non voleva fare un adattamento: voleva fabbricare droga. Un film che aprisse le porte della percezione come l'LSD. E per farlo comincia ad assemblare quelli che chiama i suoi sette samurai: Moebius per lo storyboard, H.R. Giger per i visual del casato Arkonnen, Dan O'Bannon per gli effetti speciali, i Pink Floyd per la colonna sonora. E poi Orson Welles — trovato ristorante per ristorante a Parigi — e Salvador Dalì, pagato 100.000 dollari al minuto di schermo.Dopo due anni e due milioni di dollari spesi, quando la sceneggiatura è pronta, il film durerebbe 10 ore. La Warner si ritira. Il consorzio francese non trova chi la sostituisce. Il film non si fa. Ma quella Bibbia visiva creata da Moebius comincia a girare per gli studi di Hollywood, e da lì nasceranno Alien, Blade Runner e Terminator.I diritti passano a Dino De Laurentiis. Prima ci prova Ridley Scott — che poi li abbandona per lutto familiare e ci porta invece le idee accumulate dentro Blade Runner. Poi arriva David Lynch, fresco di nomination all'Oscar per The Elephant Man, che aveva appena rifiutato di dirigere Il ritorno dello Jedi. Lynch legge il romanzo, lo ama, firma per tre film. E poi comincia il disastro: le riprese in Messico con il 15% della troupe ogni settimana in ospedale, 1000 cappelli fatti a mano per una scena poi tagliata, l'Industrial Light & Magic sostituita con una ditta locale, e uno scontro continuo con De Laurentiis sulla luminosità del film — imposta dai distributori VHS. Il risultato: un montaggio che passa da 4 ore a 2 ore e 17 minuti a suon di tagli con l'accetta. Lynch toglie il suo nome dal film. Dice che senza meditazione trascendentale si sarebbe suicidato.Ma da quel fallimento nacque Velluto Blu. E da quel disastro Lynch capì che l'unica cosa che poteva fare era i suoi film, al suo modo, senza compromessi. A volte le lavorazioni infernali, i fallimenti clamorosi, sono la parte più necessaria di tutto. #Dune #DavidLynch #Jodorowsky #Cinema #Storia #FilmHistory #CinemaMondiale #BehindTheScenes #Fantascienza
Il patto con i mostri di GUILLERMO DEL TORO
Come è stato fatto Il Labirinto del Fauno: dall'inseguimento con la polizia messicana per non perdere i prop di Chronos, all'inferno dei Weinstein su Mimic, al rapimento del padre liberato grazie a James …
Notas del episodio
Come è stato fatto Il Labirinto del Fauno: dall'inseguimento con la polizia messicana per non perdere i prop di Chronos, all'inferno dei Weinstein su Mimic, al rapimento del padre liberato grazie a James Cameron, fino al taccuino perduto in un taxi a Londra che ha cambiato tutto. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Guillermo del Toro ha fatto un patto con i mostri a 4 anni — per andare a fare pipì senza paura. Lo psicologo gli spiegherà che quella cosa esiste: si chiama fobia inversa. Da quel momento i mostri non lo spaventano più, li ama. Il padre analfabeta vince la lotteria negli anni '70 e si fa installare una gigantesca biblioteca. Del Toro se la divora. Il primo film viene distrutto dai vandali prima ancora di girare. Cronos (1993) si fa in 4 anni con 2 milioni di dollari — di cui 500mila spariti in commissioni bancarie. Per recuperare soldi vende tutto, incluso il furgone. Nel tragitto verso il concessionario, con tutti i prop nel retro, passa col rosso. Non avendo soldi per la mordida — la bustarella alla polizia messicana — scappa, dando vita a "l'inseguimento di polizia più patetico e lento di sempre". Cronos arriva alla Quinzaine di Cannes. Mimic con i Weinstein è devastante: lo vogliono licenziare, è la troupe a ribellarsi. Nel 1997 il padre viene rapito in Messico. James Cameron — nel pieno della post-produzione di Titanic — assume di tasca propria un negoziatore che tratta per 2 mesi e mezzo: il padre viene liberato per 2 milioni. Del Toro dirà che il rapimento era più sopportabile dei Weinstein: "Almeno loro volevano i soldi. Con i Weinstein non ho mai capito cosa volessero." Nel 2003, a Londra, deve scegliere tra il primo Thor e X-Men 3. Dimentica il taccuino su un taxi: 20 anni di idee per Il Labirinto del Fauno, irrecuperabile. Piange in camera d'hotel. Il tassista lo riporta grazie a un foglio col logo dell'hotel trovato dentro. Del Toro attacca il telefono e dice ad alta voce: "Signore, ho capito. Farò il Labirinto del Fauno." Rifiuta il doppio del budget offerto da Hollywood perché richiedevano l'inglese. Zero stipendio, zero percentuale sugli incassi. In Spagna la foresta era bruciata: la dipingono di verde. La protezione civile vieta le armi a salve: gli attori mimano gli spari come i bambini che giocano ai cowboy. L'uomo pallido nasce quando Del Toro disegna gli occhi sulla mano di David Martí per dimostrare l'idea — ispirato a Santa Lucia con gli occhi in mano. Doug Jones dorme con il costume perché ci vogliono ore per toglierlo e rimetterlo. Il mixaggio finale dura 40 ore consecutive: l'ultima revisione si fa con Iñárritu che porta il cibo cinese e aiuta a tagliare 8 minuti. A Cannes: 22 minuti di applausi, record assoluto. Ma la proiezione preferita di Del Toro è quella con Stephen King: "Lo vedevo saltare dalla paura davanti all'uomo pallido." Al Leone d'Oro a Venezia, la traduttrice simultanea capisce male il suo inglese: invece di "I love monsters" traduce "amo la mostarda". Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIGStoryline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK #IlLabirintoDelFauno #GuillermoDelToro #PansLabyrinth #ComeÈStatoFatto #CriticaCinematografica #Cinema #DougJones
LA LA LAND: tutto in 40 giorni
Come è stato fatto La La Land: da un musical rifiutato da tutti gli studios a un film girato con 30 milioni, aperto a Venezia e arrivato a 6 Oscar. Con la sequenza dell'autostrada scoperta grazie a Waze, il …
Notas del episodio
Come è stato fatto La La Land: da un musical rifiutato da tutti gli studios a un film girato con 30 milioni, aperto a Venezia e arrivato a 6 Oscar. Con la sequenza dell'autostrada scoperta grazie a Waze, il poster con la mano storta di Ryan Gosling, e il disastro della busta sbagliata agli Oscar. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Per chi vuole approfondire il lato produttivo del film: https://www.screendaily.com/features/how-damien-chazelle-made-la-la-land-for-just-30m/5112184.article E qui per chi vuole approfondire la storia dell'Oscar sbagliato:https://www.hollywoodreporter.com/movies/movie-features/they-got-wrong-envelope-oral-history-oscars-epic-best-picture-fiasco-1087829/ Damian Chazelle aveva scritto La La Land nel 2008, appena arrivato a Los Angeles, volendone fare un musical jazz classico. Gli studios lo volevano rock, senza la sequenza in autostrada e con un finale positivo. Ha detto no e ha fatto Whiplash — prima un corto, poi il lungo — per guadagnarsi la credibilità necessaria a fare il film come diceva lui. Il casting è stato un disastro: Miles Teller era il protagonista maschile prescelto (stesso attore di Whiplash), Emma Watson la protagonista femminile. Teller sparisce dalle trattative in circostanze mai chiarite. Emma Watson rifiuta perché preferisce La Bella e la Bestia. Ryan Gosling — che stava scappando da La Bella e la Bestia — prende il posto. Emma Stone lo segue perché sa che con Gosling funziona: l'unica cosa di Crazy Stupid Love che si ricorda è una loro scena di ballo. I due si allenano per 4 mesi e mezzo separati in un capannone. Ryan Gosling impara a suonare il pianoforte dal vivo. Justin Hurwitz compone 1900 demo prima di trovare le canzoni giuste. City of Stars richiede 31 ciak. La sequenza del tramonto a Griffith Park si gira solo al tramonto, 30 minuti di luce buona per 5 ciak al giorno, 2 giorni: 10 possibilità in totale per centrarla. Non la centrano mai perfettamente — tengono il secondo ciak, con la mano di Gosling storta. Quella mano storta finisce nel poster ufficiale, che Gosling chiama la sua "LaLa Hand". Nel decennale ha chiesto di correggerla. L'hanno fatto. La sequenza d'apertura sull'autostrada nasce da una multa: Chazelle imbocca per errore una rampa chiusa seguendo Waze, rimane affascinato dalla location, la percorre tutta e mesi dopo riceve la contravvenzione. La girano in 2 giorni, 38 gradi, con la coreografa nascosta sotto le macchine a urlare le indicazioni. Finito il film, ai test screening non funziona. Chazelle lo rimonta mille volte. Slitta la data di uscita — ed è così che diventa disponibile per Venezia. Alla prima qui è un'ovazione. A Telluride, Tom Hanks interrompe la promozione di Sully e dice che il film da 30 milioni ne incasserà 448. Ne incasserà 448. Agli Oscar vince 6 premi. Poi Warren Beatty apre la busta sbagliata e legge La La Land come miglior film. I produttori si accorgono dell'errore sul palco e cedono il microfono a Moonlight. La busta era quella di Emma Stone, già consegnata prima della cerimonia da un responsabile della società incaricata — che in quel momento stava fotografando Emma Stone nel retropalco per i suoi social. #lalaland #DamianChazelle #EmmaStonE #RyanGosling #ComeÈStatoFatto #Oscar #CriticaCinematografica #Cinema
Chi è il vero autore di HARRY POTTER
Come è stato fatto il primo film di Harry Potter: dalla resistenza di JK Rowling contro Hollywood, alla scelta del regista, al casting che ha rischiato di portare a un Harry Potter americano. E il problema del …
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Come è stato fatto il primo film di Harry Potter: dalla resistenza di JK Rowling contro Hollywood, alla scelta del regista, al casting che ha rischiato di portare a un Harry Potter americano. E il problema del titolo. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Il titolo stava per essere il primo ostacolo: la casa editrice americana voleva chiamarlo "School of Magic", la Warner lo trovava invendibile. Rowling ha ceduto solo sulla parola — "Philosopher" diventa "Sorcerer" per gli USA — e ogni scena in cui si cita la pietra è stata girata due volte identiche. Rowling ha venduto i diritti per meno del dovuto pur di ottenere il controllo su sceneggiatura e casting. Ha detto no a Spielberg (voleva fare un film animato), no a Zemeckis, Rob Reiner e Peter Weir (volevano ambientare tutto in America), e quasi sì a Terry Gilliam — bloccato dagli studios. La scelta è ricaduta su Chris Columbus, presentatosi al colloquio con una sceneggiatura completa scritta di tasca propria, dopo che la figlia lo aveva martellato per mesi.Il casting è stata un'altra battaglia: 40.000 bambini vagliati, Rowling irremovibile sull'inglese. Il favorito era Haley Joel Osment (il bambino del Sesto Senso). Rowling ha telefonato personalmente a Columbus per bloccarlo e ha spinto per Daniel Radcliffe. Rupert Grint ha mandato un VHS in cui rappava, Emma Watson è arrivata grazie alla sua insegnante di teatro. Per Severus Piton, Tim Roth ha rifiutato per girare Il Pianeta delle Scimmie: è arrivato Alan Rickman, a cui Rowling ha svelato l'intera traiettoria del personaggio. Segreto che Rickman ha tenuto per 10 anni senza dirlo a nessuno. La produzione si è insediata agli studi Leavesden, ex hangar della Rolls-Royce: ambienti costruiti per durare una saga intera, con pavimenti in vera pietra, mappe architettoniche di Hogwarts condivise con lo scenografo Stuart Craig, candele fluttuanti passate in CG perché la cera colava ovunque. Il protagonismo che ha reso Harry Potter il film che è — il controllo maniacale di Rowling su ogni aspetto — è la stessa personalità che oggi la rende una figura controversa sui diritti trans. #HarryPotter #JKRowling #ChrisColumbus #AlanRickman #DanielRadcliffe #ComeÈStatoFatto #CriticaCinematografica #Cinema
DIO RIDE, NO PARADISE IF YOU'RE KILLED BY A WOMAN, FATHER JOE e le previsioni - Venezia Daily #11
Ultimo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: Dio Ride di Giovanni Veronesi è molto più drammatico del previsto, Father Joe di Luc Besson è una stupidaggine gigantesca ed estremamente divertente, No …
Notas del episodio
Ultimo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: Dio Ride di Giovanni Veronesi è molto più drammatico del previsto, Father Joe di Luc Besson è una stupidaggine gigantesca ed estremamente divertente, No Paradise If You're Killed by a Woman è uno dei migliori film del festival. E le previsioni sui premi.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Dio Ride è il film di chiusura: Pierfrancesco Favino è un frate francescano nel Medioevo che predica la parola di Dio facendo ridere, Silvio Orlando è l'inquisitore inviato a fermarlo. Ci si aspettava una commedia o un dramedic stile La Vita è Bella — invece è un film drammatico, punto. Le prediche umoristiche del frate sono coerenti con l'umorismo da giullare medievale, non con il nostro. La cosa più intelligente del film è che non nobilita l'umorismo in sé, ma l'impresa: raccontare cose serie cercando di far ridere per arrivare a tutti. Una gigantesca apologia del cinema popolare. Favino usa un'inflessione umbra per rendere il personaggio umile e tenero — la tenerezza smielata non è proprio il mio genere, ma il film è più corretto e strutturato di quanto temessi.
Father Joe: scritto e prodotto da Luc Besson (non diretto), con Kiefer Sutherland nei panni di un prete cattolico di New York negli anni '90, reduce del Vietnam, armato fino ai denti, che sgomina le gang della droga per salvare i giovani. Sparatoria in chiesa al ralenti, bazooka, esplosione con camminata a rallentatore sui canti gregoriani. Una stupidaggine gigantesca, un B-movie post-tarantiniano che trova l'equilibrio perfetto tra "Madonna che stupidaggine" e "divertiamoci". In sacrestia c'è un'armeria, i chierichetti sono artisti marziali, i rabbini hanno sistemi informatici, l'imam contribuisce alla causa. Le religioni sono in pace tra loro e combattono il crimine per la salvezza degli orfanelli. Voglio il crossover con L'Esorcista del Papa di Russell Crowe.
No Paradise If You're Killed by a Woman è uno dei migliori e più inaspettati del festival. Produzione Kurdistan iracheno-Svezia, regia norvegese-irachena. Una cecchina Pashmerga cerca la sorella prigioniera dell'ISIS tra le macerie di Mosul — girato nei luoghi veri, ambientazione fuori dalla grazia di Dio. Asciuttissimo, stile cinema europeo di tensione (sembra Sollima), azione contaminata da melodramma mediorientale. La protagonista è caratterizzata non dalla forza ma dalla resistenza al dolore, che è la chiave del grandissimo finale. Fuori concorso, ma è il candidato agli Oscar per l'Iraq.
Le previsioni: probabile Leone d'Oro a Possible Love, ma il leone che vorrei è per Dau — un pezzo di storia del cinema che però scotta politicamente. Il mio palmarès ideale: Leone d'Oro a Dau, Gran Premio della Giuria a Possible Love, Miglior Attore a Lino Musella, Migliore Attrice a Vanessa Scalera, Miglior Sceneggiatura a Martin McDonagh, Miglior Regia a Werner Herzog, Leone del Futuro alle bambine di Look Back.
Riprese e montaggio: Bianca Ferrari
#FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #DioRide #PierfrancescoFavino #FatherJoe #KieferSutherland #LucBesson #NoParadise #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog
RITORNO A BUENOS AIRES, FATHER JOE e DIO RIDE - Daily Venezia #11
Penultimo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: Ritorno a Buenos Aires di Marco Bechis è il migliore dei film italiani in concorso, A Bit of Light delude tantissimo e La Moola non mantiene le promesse …
Notas del episodio
Penultimo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: Ritorno a Buenos Aires di Marco Bechis è il migliore dei film italiani in concorso, A Bit of Light delude tantissimo e La Moola non mantiene le promesse. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET A Bit of Light di Aliasgari era uno dei più attesi — e la delusione è proporzionale. Racconta un uomo a Teheran che ha deciso di farla finita, con i parenti e amici che lo sanno. Il clima del regime iraniano è lo sfondo, ma il film non racconta mai davvero il dramma della persona, le cause rimangono vaghe, il protagonista è fastidioso nella sua passività, e la cosa più imperdonabile è il ritmo: il cinema iraniano contemporaneo ha sempre avuto una scrittura forsennata, questo è appositamente dilatato fino a sembrare un cortometraggio allungato a dismisura. Deludentissimo.La Moola stava in Orizzonti, Barbera l'aveva speso molto in conferenza stampa. L'idea è buona — un finto documentario sul traffico di droga a Marsiglia, found footage stile I Promessi Sposi ("abbiamo ritrovato questo reportage"). Nella pratica è realizzato da quattro soldi, i gangster recitano male il loro essere gangster, i momenti di tensione non lo sono, l'incastro narrativo è poco chiaro. Un'originalità che esiste solo sulla carta. Ritorno a Buenos Aires di Marco Bechis è probabilmente il migliore dei cinque italiani in concorso. Un paramedico che negli anni '70, giovanissimo studente di medicina, veniva usato dalla dittatura argentina per tenere in vita i detenuti durante le torture — costretto, senza alternative, ma collaborazionista. Oggi è convocato a testimoniare al processo. Adriano Giannini è eccezionale nel portare un personaggio combattuto tra tutto: sopravvissuto e complice, vittima e carnefice suo malgrado. Bechis conosce la macchina cinema alla perfezione e usa una leggera patina di genere per farti passare le domande impossibili del cinema d'autore. Riprese e montaggio: Bianca Ferrari #FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #MarcoBechis #AdrianGiannini #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog
NAZA, SCHERZETTO di Mario Martone e ONE MINUTE TO MIDNIGHT di Nicolas Parisier - Daily Venezia #9
Nono giorno a Venezia 2026: un film francese in concorso di commiserazione totale, il documentario sui soldati israeliani che confessano le vittime collaterali e Scherzetto di Mario Martone — un film …
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Nono giorno a Venezia 2026: un film francese in concorso di commiserazione totale, il documentario sui soldati israeliani che confessano le vittime collaterali e Scherzetto di Mario Martone — un film sbagliatissimo con un'unica scena che vale tutto il resto.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
One Minute to Midnight è l'ennesimo film francese in concorso che non regge il peso della selezione. Un uomo deve aspettare 7 giorni a Parigi per una questione di eredità, ritrova le persone con cui gestiva un giornale anni fa, ascolta da tutti quanto i suoi atteggiamenti fossero tossici e maschilisti. Dialogatissimo, alla Linklater ma senza la profondità — le conversazioni non sono sempre interessanti, il protagonista assorbe tutto senza mai fare sintesi, e la tesi finale è la più banale possibile: viva le nuove generazioni.
Naza era il film più atteso con più peso — annunciato in ritardo per ragioni di sicurezza, prodotto dal Guardian, girato da Rachel Szor con 24 soldati israeliani che confessano come funzionano i bombardamenti via drone. Naza è il nome tecnico per le vittime collaterali: anziani, madri, neonati — tutti Naza. Le confessioni sono sconvolgenti. L'unica idea cinematografica davvero forte è quella delle sagome nere intervistate sui tetti di Tel Aviv, con i palazzi illuminati sullo sfondo a "interpretare" i palazzi di Gaza. Per il resto è un reportage — fortissimo giornalisticamente, nullo come linguaggio cinematografico.
Scherzetto di Mario Martone (fuori concorso) sprecava un'opportunità commerciale enorme: Tony Servillo, nonno e nipote, Napoli. La parte più bella è quella non commerciale — i fantasmi del passato che appaiono nella casa dell'infanzia, e una scena nei quartieri popolari di Napoli che ha il respiro del grande cinema. Il problema è il bambino, che è spontaneo ma non recita, e Servillo che non fa il lavoro che dovrebbe: recitare anche per lui. Gli ultimi venti minuti sono terribili. Un film sbagliatissimo con dentro una scena straordinaria.
Riprese e montaggio: Bianca Ferrari
#FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #MarioMartone #Naza #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog
DAU, UN BON PETIT SOLDAT e IL FUOCO CHE TI PORTI DENTRO - Daily Venezia #8
Ottavo giorno a Venezia 2026: la storia impossibile del progetto Dau e il film monumentale che è diventato, l'italiano The Bear di Edoardo De Angelis e Petit Soldà di Briset con un'Alba Rohrwacher da premio …
Notas del episodio
Ottavo giorno a Venezia 2026: la storia impossibile del progetto Dau e il film monumentale che è diventato, l'italiano The Bear di Edoardo De Angelis e Petit Soldà di Briset con un'Alba Rohrwacher da premio.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Dau è un pezzo di storia del cinema che si sta facendo adesso. Nel 2006 Ilya Khrzhanovksy vuole girare un film su Lev Landau, lo scienziato che sviluppò l'atomica per i russi. Ottiene fondi da un oligarca russo, costruisce a Kharkiv la replica funzionante del centro di ricerca in cui Landau lavorò — cucine, bagni, oggetti d'epoca — e lo popola con 300 non attori pagati per viverci tutti i giorni, senza copione, in costume dal 1938 al 1968, con i telefoni sequestrati. Per tre anni. Con cimici ovunque e una troupe pronta a girare quando succedeva qualcosa di interessante. Nel 2020 escono 13 film da 700 ore di girato. Ora arriva Dau il film, e le immagini più clamorose che Khrzhanovksy aveva girato non erano in quelli — ricostruzioni di Leningrado su scala reale, senza effetti digitali, con un gusto estetico che toglie il fiato. È il film di questa edizione.
Il fuoco che ti porti dentro di Edoardo De Angelis è l'italiano The Bear: una famiglia napoletana a Natale, la madre che arriva, i rapporti incancreniti, il caos visivo ordinato da una mente precisa. Vanessa Scalera espressionista e Lino Musella che lavora in sottrazione — per me è lui il cuore del film. Sound design curatissimo, mai teatrale nonostante sia tutto in una casa, e un segmento con Tommaso Ragno che è tra i momenti più divertenti visti al festival. Serio contendente per il premio agli attori.
Un bon Petit Soldat di Stefan Briset è forse il suo migliore film sul lavoro. Alba Rohrwacher è la vice HR di una grande azienda francese tossica — il capo imprevedibile, gli yes-man, le campagne sul benessere degli impiegati mentre li trattano malissimo — e si impegna come non si vede spesso negli attori italiani all'estero. Altra ipoteca sul premio per gli attori in una categoria densa come poche.
Riprese e montaggio: Bianca Ferrari
#FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #Dau #EdoardoDeAngelis #AlbaRohrwacher #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog
MUSK di Gibney, SERPENTI di De Paolis, BUNKER di Zeller e COMPANY di Affleck - Venezia Daily #7
Settimo giorno a Venezia 2026: il documentario da 4 ore su Elon Musk che parte bene e crolla, Bardem e Cruz come coppia sposata in un film sciocco, Company di Casey Affleck inspiegabilmente in concorso e …
Notas del episodio
Settimo giorno a Venezia 2026: il documentario da 4 ore su Elon Musk che parte bene e crolla, Bardem e Cruz come coppia sposata in un film sciocco, Company di Casey Affleck inspiegabilmente in concorso e finalmente Serpenti di De Paolis. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Musk di Alex Gibney (4 ore, produzione HBO) è appassionante nella prima parte: Gibney scandaglia ogni intervista che Musk abbia mai rilasciato e ricostruisce la carriera con rigore e ricerca. Nella seconda parte, quando entra la collaborazione con Trump e la seconda presidenza, si trasforma in un documentario di Michael Moore — condanna totale, accuse gravissime affidate a fonti non affidabili, ammassate una dopo l'altra senza approfondire nulla. Peccato enorme per una fattura altrimenti splendida.Bunker di Florian Zeller punta tutto sulla chimica reale di Bardem e Cruz, e quella funziona benissimo — la coppia sposata che litiga, si ferisce e cerca di ricucire è ricostruita perfettamente. Il film invece è sciocco: un buco nel muro del vicino diventa metafora di tutte le insicurezze contemporanee (la casa, il matrimonio, il destino del pianeta), con un Tech Bro che commissiona un bunker anti-apocalisse. Conclusioni da poco, ragionamento tenue. Più nello stile del deludente The Son che de Il padre.Company di Casey Affleck inizia bene — struttura a scatole cinesi, anni '60, una donna che racconta una storia che racconta un'altra storia ambientata nel West innevato — poi non sa cosa farne. La trama di genere che emerge non è convincente, la struttura narrativa non serve a nulla, la recitazione non è al livello standard americano. Non si capisce cosa ci faccia in concorso.Serpenti di Roberto De Paolis (scritto dai fratelli D'Innocenzo) è una commedia con un umorismo di tempi dilatati, situazioni ironiche e stranezze — un uomo che vuole confessare un femminicidio e non interessa a nessuno: Borghi il poliziotto disinteressato, Castellitto l'avvocato logorroico con teorie su come farla franca, Golino che innesca il finale. La struttura c'è, le ironie sono quelle giuste. I tempi comici però non si incastrano quasi mai — almeno visto da solo, perché in sala ridevano. Riprese e montaggio: Bianca Ferrari #FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #ElonMusk #JavierBardem #PenelopeCruz #MostraDelCinema #CriticaCinematografica
L'ESTRANEA di Paolo Strippoli, LOOK BACK di Kore-eda e ARRESTED MEMORY di Sabu - Daily Venezia #6
Sesto giorno a Venezia 2026: il film di Kore-eda che piange pure il signore accanto in sala, una sorpresa giapponese fuori concorso da non perdere e L'estranea di Paolo Strippoli — che non è un horror. Acquista …
Notas del episodio
Sesto giorno a Venezia 2026: il film di Kore-eda che piange pure il signore accanto in sala, una sorpresa giapponese fuori concorso da non perdere e L'estranea di Paolo Strippoli — che non è un horror.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Look Back di Hirokazu Kore-eda è tratto dallo stesso manga e riproduce quasi pedissequamente le stesse inquadrature dell'anime — eppure è dieci volte più efficace. È la storia di due tredicenni accomunate dalla passione per il disegno: una che smette perché l'altra le sembra irraggiungibile, e poi scopre che l'altra la considera la sua maestra. Scene di vita quotidiana che diventano devastanti senza che tu capisca come. Nella prima parte è di una potenza enorme, nella seconda, quando arriva una deriva fantasiosa, si affievolisce. Ma finché non racconta quasi niente è commovente come poche cose viste al festival.
Arrested Memory di Sabu è la sorpresa del giorno e si vede quasi solo qui. Un ispettore cinese durissimo, un rapimento di un bambino, un trauma che gli cancella la memoria nel momento peggiore possibile — quello in cui deve fare lo scambio soldi/bambino. Da quel momento diventa La pallottola spuntata: equivoci, tre fazioni che si rincorrono, umorismo giapponese devastante. E mantiene fino alla fine la coerenza da poliziesco. Una mescolanza di linguaggi fatta con profondità e intelligenza rara.
L'estranea di Paolo Strippoli non è un horror. Ha jump scare, musiche orrorifiche, vertigini — ma sono spallate verso un genere che il film non abita davvero. È un thriller psicologico con elementi soprannaturali: una madre (Jasmine Trinca) che accetta un tradeoff oscuro da Valeria Bruni Tedeschi per salvare la carriera della figlia attrice, un meccanismo che si ripeterà. Ambientato durante la finale dei Mondiali 2006, intelligente nel costruire l'immaginario borghese italiano. Maldestro come thriller, ma Strippoli è un cineasta da tenere d'occhio.
Riprese e montaggio: Bianca Ferrari
#FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #HirоkazuKoreeda #PaoloStrippoli #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog #LEstranea
POSSIBLE LOVE di Lee Chang Dong, WOMAN UNKNOWN e THE ECHO CHAMBER - Daily Venezia #5
Quinto giorno a Venezia 2026: la sceneggiatura incompiuta di Bertolucci finisce in un film che non funziona, una danese in concorso ben costruita e il film più bello del festival fino ad oggi — Possible Love di …
Notas del episodio
Quinto giorno a Venezia 2026: la sceneggiatura incompiuta di Bertolucci finisce in un film che non funziona, una danese in concorso ben costruita e il film più bello del festival fino ad oggi — Possible Love di Lee Chang-dong.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Echo Chamber di Andrea Pallaoro nasce da una sceneggiatura incompiuta di Bernardo Bertolucci — e l'idea ha molto senso attribuita a Bertolucci: un grande produttore musicale barricato in casa per problemi alla schiena, un'infermiera che si prende cura di lui e poi di lui in altri sensi, la fantasia di chi vorrebbe essere più vitale di quello che è. In mano a Pallaoro non funziona nulla: il rapporto tra i personaggi è incomprensibile, Marinelli ripete le sue caratteristiche vincenti senza adattarsi alla storia, la musica che tutti dicono meravigliosa è palesemente brutta. Il suo film migliore, ma comunque brutto.Woman Unknown è un film danese in concorso di May el-Toukhy: una cameriera diventata moglie di un industriale nella Danimarca del dopoguerra, nel pieno della caccia ai collaborazionisti dei nazisti, con qualcosa nel passato che rischia di farla crollare. Film di scalata sociale e ipocrisia borghese, con un'idea registica intelligente: l'intera palette cromatica è bianco e rosso, i colori della bandiera danese, usati strategicamente nei momenti chiave. Ben fatto, ma non fa impazzire.Possible Love di Lee Chang-dong è il film più bello visto al festival. Parte del progetto che rifà il Decalogo di Kieślowski — "Non desiderare la roba d'altri" — e racconta due coppie di classi diverse che si incontrano e cominciano a desiderarsi reciprocamente: i poveri vogliono la vita dei ricchi, i ricchi performano l'amore per i poveri. Con un'idea cinematografica intorno a un fischietto che è roba da Parasite per livello di intelligenza. I personaggi poveri non sono migliori di quelli ricchi — sono resi terribili dalla disuguaglianza — e ogni spettatore esce con una lettura diversa. Il film migliore della stagione coreana su questo tema.
Montaggio e riprese: Bianca Ferrari
#FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #LeeChangDong #AndreaPallauro #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog #PossibleLove
DON'T LOOK BACK IN ANGER, PRIMETIME e SUCCEDERA' QUESTA NOTTE di Nanni Moretti - Venezia Daily #4
Quarto giorno a Venezia 2026: il documentario sulla reunion degli OASIS, Prime Time con Robert Pattinson e il grande ritorno di Nanni Moretti a Venezia dopo 37 anni — con tutta la storia di quello screzio del …
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Quarto giorno a Venezia 2026: il documentario sulla reunion degli OASIS, Prime Time con Robert Pattinson e il grande ritorno di Nanni Moretti a Venezia dopo 37 anni — con tutta la storia di quello screzio del 1989.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Don't Look Back in Anger è un documentario convenzionale sulla reunion degli OASIS, con Steven Knight alla produzione e due registi di videoclip a seguire il tour dal primo giorno di prove. Fa tutto quello che un fan vuole — c'è il primo incontro tra Liam e Noel dopo 15 anni, c'è Cardiff, c'è la riconciliazione — ma lo nasconde strategicamente, montando il loro rapporto fisico piano piano. Il segreto del drama OASIS è uno solo: sono fratelli, e il riappacificarsi tra fratelli colpisce in un modo che nessun'altra reunion di band riesce a replicare.
Prime Time di Lance Oppenheim racconta Chris Hansen e To Catch a Predator, il programma MSNBC dei primi anni 2000 che incastrava i predatori sessuali in diretta. La prima parte è molto buona: Oppenheim inquadra i predatori come vittime, mettendo lo spettatore in una posizione scomoda che è la cosa più interessante del film. Poi la sceneggiatura si perde, gli snodi non funzionano, Pattinson recita sopra le righe nel modo sbagliato — gli occhi da cattivo al posto del ragionamento del film. Deludente.
Succederà questa notte riporta Nanni Moretti a Venezia dopo 37 anni. La storia vera: nel 1989 Biraghi rifiutò Palombella Rossa senza passare per il comitato di selezione, Moretti la prese come un affronto, finì alla Settimana della Critica come evento speciale, Serge Daney lo vide e lo amò, da lì iniziò la storia francese di Moretti. Il film è buono — un Almodóvar diretto da Moretti, storia di amori intrecciati con Jasmine Trinca e Louis Garrel — ma il potenziale della storia è superiore a quello che appare sullo schermo: la passione travolgente che i personaggi dicono di provare non si vede mai davvero.
#FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #NanniMoretti #OASIS #RobertPattinson #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog
LA CITTA' DEI VIVI, il film di TSUKAMOTO e il documentario sul Kabuki di Miike - Daily Venezia #3
Terzo giorno a Venezia 2026: un film francese in concorso che non doveva esserci, Tsukamoto fuori dal suo elemento, il sorprendente documentario di Miike sul Kabuki e La città dei vivi senza punto di vista …
Notas del episodio
Terzo giorno a Venezia 2026: un film francese in concorso che non doveva esserci, Tsukamoto fuori dal suo elemento, il sorprendente documentario di Miike sul Kabuki e La città dei vivi senza punto di vista.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
15-18 Place to Heal è l'ennesimo film francese istituzionale — stavolta un reparto psichiatrico per adolescenti — di quella tradizione nata con La Classe: finzione che racconta come funzionano le istituzioni, con personaggi tutti virtuosi, cuori sempre nel posto giusto e scrittura da fiction televisiva. Il ricatto morale di raccontare contesti difficili non basta a fare un buon film. Inspiegabilmente in concorso.Mr. Nelson Did You Kill People di Tsukamoto completa quella che sembra una trilogia ideale sulla guerra, dopo Fires on the Plane e il bellissimo Killing. Ma stavolta Tsukamoto esce dal suo territorio: un film in inglese su un reduce del Vietnam con PTSD, ambientato negli anni 70-90, con Geoffrey Rush psicologo. Tutto ciò che lui sa fare — i flash, il sound design ossessivo, il contrasto carne/acciaio — è ridotto a condimento. La storia non funziona, la regia non frutta. Manca il ferro, manca il film.Il documentario di Takashi Miike sul Kabuki — il primo che abbia mai girato — è la sorpresa della giornata. Racconta l'ultimo erede della famiglia Ichikawa Danjuro, 700 anni di storia, una dinastia considerata maledetta per le morti premature che l'hanno colpita. Il 13esimo porta l'innovazione all'estremo: fa 13 ruoli invece di 10, inclusa una scena in cui interpreta simultaneamente l'accoltellato e l'accoltellatore con cambi di costume fulminei. Molto meglio di quanto fosse in concorso.La città dei vivi nasce dal romanzo-inchiesta di Nicola Lagioia su un omicidio efferato e inspiegabile. Il film arriva senza il nome di Luca Guadagnino (produttore originale) né quello dei fratelli D'Innocenzo (sceneggiatori originali): tutti hanno tolto il nome, cosa rarissima. Il risultato è un film tecnicamente ben fatto, con buone prove attoriali, che dedica tutto il tempo alla vita ordinaria della vittima — e arriva alla fine senza un punto di vista, senza una lettura, senza personalità. Un trailer lunghissimo di un film che non inizia mai.
Montaggio e riprese: Bianca Ferrari
#FestivalDiVenezia2026 #Venezia83 #TakashiMiike #ShinyaTsukamoto #LaCittàDeiVivi #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog
Wild Horse Nine di McDonagh, Bucking Fastard di Herzog e Nessun dolore di Amelio - Daily Venezia #2
Secondo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: il film più sorprendente del festival firmato Werner Herzog, un Gianni Amelio con buone intenzioni e pessima esecuzione, e Wild Horse Nine di Martin …
Notas del episodio
Secondo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: il film più sorprendente del festival firmato Werner Herzog, un Gianni Amelio con buone intenzioni e pessima esecuzione, e Wild Horse Nine di Martin McDonagh che punta agli Oscar.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Bucking Fastard di Werner Herzog era il film più atteso e non delude. Le sorelle Mara interpretano due donne che parlano all'unisono, agiscono all'unisono, sembrano una persona sola — ispirate a una storia vera di gemelle omozigote. La cosa pazzesca, tipica di Herzog, è che questa particolarità non è il tema del film: lui la tratta come qualcosa di normale in un mondo che le rifiuta, e costruisce intorno a loro una storia su cosa significa inseguire un sogno ambizioso. Con un processo, Orlando Bloom, caverne gigantesche scavate da un uomo solo e quella componente di romanticismo tedesco che attraversa tutto il suo cinema. Probabilmente il suo film di finzione più bello dal 2000 in poi.Nessun dolore di Gianni Amelio ha intenzioni nobilissime — il senso di colpa del primo mondo, l'immigrazione, Alessandro Borghi venditore di libri usati a Roma — e le spreca tutte. Un film così fuori fuoco da sembrare involontariamente la rappresentazione degli incubi conservatori sull'immigrazione. Scritto male, con personaggi stereotipati. Un errore completo.Wild Horse Nine di Martin McDonagh è la storia di due agenti CIA in Cile durante l'elezione di Allende, diretti sull'Isola di Pasqua. Ha tutto il DNA di McDonagh: amicizia maschile piena di insulti, umorismo inclassificabile, finale d'azione. Sam Rockwell e John Malkovich reggono benissimo. Il limite è che gira a vuoto per troppo tempo prima di concentrare le idee migliori nel finale.
Montaggio e riprese: Bianca Ferrari
#Venezia83 #WernerHerzog #MartinMcDonagh #GianniAmelio #MostraDelCinema #CriticaCinematografica #VeneziaDailyVlog
INK di Danny Boyle, Col cuore in gola di Tinto Brass e La ragazza con la Leica - Daily Venezia #1
Primo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: il restauro di Tinto Brass in preapertura, l'apertura di Orizzonti e Ink di Danny Boyle che apre ufficialmente il concorso. Acquista "Fare film è un …
Notas del episodio
Primo giorno alla Mostra del Cinema di Venezia 2026: il restauro di Tinto Brass in preapertura, l'apertura di Orizzonti e Ink di Danny Boyle che apre ufficialmente il concorso.
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
Il festival è cominciato e la preapertura è toccata a Col Cuore in Gola di Tinto Brass (1967), un thriller psichedelico girato a Londra con Jean-Louis Trintignant, restaurato dal Centro Sperimentale di Cinematografia con il supporto di Netflix. Un film proto-'68 che racconta come Brass sia arrivato al cinema erotico attraverso una carriera ben più complessa di quella che si ricorda — e che probabilmente è il primo passo di una rivalutazione critica destinata ad accelerare.La ragazza con la Leica di Alina Marrazzi apre Orizzonti e racconta Gerda Taro, compagna di Robert Capa. Il paradosso è che un film nato per celebrare una figura dimenticata finisce per non metterla mai al centro: il nome di Capa viene pronunciato decine di volte, le scenografie e i costumi sanno di falso, la scrittura è ridondante. Un film convenzionale che non regge il peso dell'apertura di sezione.Ink di Danny Boyle apre il concorso: è la storia di Rupert Murdoch e della nascita del Sun, il quotidiano scandalistico fondato nel 1969 con il direttore Larry Lamb. È spettacolare e ritmato, con una intuizione forte — quei contenuti oggi associati a degenerazione erano allora rivoluzione e liberazione. Ma il finale lo spreca tutto con un montaggio didascalico che collega i tabloid a Facebook e Trump. Un film buono che non affronta le questioni cruciali del tema che vuole trattare.
Riprese e montaggio: Bianca Ferrari
Come Kevin Costner ha perso il controllo di WATERWORLD
Come il film più ambizioso degli anni Novanta è diventato il più grande flop di Hollywood: la storia impossibile di Waterworld, 175 milioni di dollari, un set che affondò, Spielberg che avvertì e non fu …
Notas del episodio
Come il film più ambizioso degli anni Novanta è diventato il più grande flop di Hollywood: la storia impossibile di Waterworld, 175 milioni di dollari, un set che affondò, Spielberg che avvertì e non fu ascoltato. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Per chi vuole approfondire consiglio questi due articoli: https://www.slashfilm.com/653692/the-story-behind-waterworlds-nightmarish-production/ https://alltherightmovies.com/feature/stormy-seas-exploring-the-myth-of-waterworld-25-years-on/ Kevin Costner è legato in cima all'albero maestro della sua imbarcazione. Non è finzione: l'hanno legato sul serio. L'elicottero se n'è andato, il mare si è alzato, il vento è troppo forte per recuperarlo. Resterà lì per un'ora alla deriva, chiedendosi: «Cosa sto facendo della mia vita?». È l'immagine più grottesca di tutta questa storia. Tutto comincia nel 1986 con Roger Corman che vuole un "finto Mad Max": commissiona la sceneggiatura a Peter Rader, la rifiuta perché troppo cara, e la cosa finisce lì. Fin quando i fratelli Gordon non la fanno leggere a Kevin Costner, nel momento in cui Costner è già la star più potente di Hollywood: Balla coi lupi, Robin Hood, Guardia del corpo, quattrocento milioni a film. Con lui a bordo, Waterworld diventa improvvisamente possibile. Non però intelligente. Spielberg viene in visita come cortesia tra colleghi — lui aveva quasi distrutto la sua carriera girando Lo squalo in mare aperto — e dice a Costner di non farlo. Non viene ascoltato. La Universal stima il budget a 65 milioni, mette da parte altri 35 "per sicurezza". Costner ne mette da parte altri 35 per conto suo. Il film alla fine costerà 175 milioni. Quasi tre volte la prima stima. In mezzo c'è Kevin Reynolds, regista con cui Costner non si parlava già prima di iniziare. Joss Whedon che riscrive il copione sul set alle Hawaii («ero lo stenografo più pagato al mondo»). Un megaset da 22 milioni di dollari affondato da un uragano e ricostruito. 425 comparse da trasportare in mare ogni giorno. Attrici sbalzate fuori dalle imbarcazioni. Il regista con il mal di mare cronico. E i documenti del divorzio di Costner recapitati sul set al terzo giorno di riprese. Le r prese durano 160 giorni invece di 96. Reynolds abbandona con una battuta micidiale. La stampa chiama il film "Kevin's Gate". Dennis Hopper rivela il budget in TV e aggiunge che avrebbe dovuto chiedere di più. Il film esce già odiato da tutti. Incassa 264 milioni nel mondo. Gli sarebbero serviti il doppio per andare in pari. La perdita è di 160 milioni. Torna in attivo nel 2013, quasi vent'anni dopo. Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIG Storyline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK #Waterworld #KevinCostner #Hollywood #Flop #CinemaAnniNovanta #FilmItaliano #Storyline #BehindTheScenes
OTTO E MEZZO: come Fellini inventò se stesso
21 luglio - ROMA: Libreria Feltrinelli Piazza Pio XI ore 18.30 28 luglio - SABAUDIA: Palazzo Mazzoni ore 19.00 30 Luglio - VALENTANO: Palazzo della vittoria 19.30 Come Federico Fellini ha trasformato il blocco …
Notas del episodio
21 luglio - ROMA: Libreria Feltrinelli Piazza Pio XI ore 18.30
28 luglio - SABAUDIA: Palazzo Mazzoni ore 19.00
30 Luglio - VALENTANO: Palazzo della vittoria 19.30
Come Federico Fellini ha trasformato il blocco creativo, il caos e la crisi personale in 8 e mezzo: il film più autobiografico e più inimitabile del cinema italiano. Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Prima di 8 e mezzo, Fellini non era il genio universalmente amato. La Strada aveva diviso la critica, La Dolce Vita era stata contestata alla prima milanese. Ma la Palma d'Oro a Cannes crea qualcosa di peggio del fallimento: una pressione immensa. Fellini non sa più cosa fare.Il film che nasce da questo blocco è anche il film del blocco: un regista che non sa cosa girare, circondato da produttori, attori, ex amanti e figure del passato. Per arrivarci, Fellini ci mette anni, cambia più volte il soggetto — prima uno scrittore in crisi, poi un impresario teatrale — e scrive la sceneggiatura in quattro con Flaiano, Pinelli, Rondi. A un certo punto manda una lettera al produttore Angelo Rizzoli per dire che molla tutto. La lettera esiste ancora. Poi scende in ascensore, si siede alla festicciola di produzione col bicchierino di spumante, si sente "un uomo con il martello legato alla coscia" — e lì, in quel momento, vede il film nella testa.Sul set, Fellini fa contare gli attori al posto delle battute. Va letteralmente a caccia di facce per le strade. Sandra Milo la recluta presentandosi a casa sua nel mezzo della notte con tutta la troupe. Mastroianni interpreta Guido Anselmi copiando tic, vocina e movenze di Fellini stesso. Gianni Di Venanzo inventa un bianco e nero nuovo — sovraesposto, quasi bruciato nelle scene delle terme — per separare realtà, sogno e memoria senza didascalie. Ci sono tre finali. Solo uno è quello che conosciamo. E Ennio Flaiano scoprirà sull'aereo per gli Oscar di volare in economy, mentre Fellini è in prima classe. Non collaboreranno mai più.Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIGStoryline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK#8EMezzo #Fellini #CinemaItaliano #Mastroianni #FilmItaliano #Storyline #FilmAnalysis #Storia
Perché 28 GIORNI DOPO sembra vero
Come Danny Boyle ha reinventato il cinema horror con videocamere consumer digitali, zero star e un budget esaurito: la storia improbabile di 28 giorni dopo.Acquista "Fare film è un inferno" …
Notas del episodio
Come Danny Boyle ha reinventato il cinema horror con videocamere consumer digitali, zero star e un budget esaurito: la storia improbabile di 28 giorni dopo.Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTETDopo il disastro di The Beach — 50 milioni di dollari, un flop colossale, Ewan McGregor che non gli rivolge più la parola — Danny Boyle decide di tornare alle origini. Alex Garland, sceneggiatore di The Beach, lo convoca in una pizzeria a Charlotte Street a Londra e gli propone un'idea che sembra stupidissima: zombie che corrono, a Londra, riconoscibile. Nessuna star, nessun budget. Solo una domanda: cosa succederebbe se il virus della rabbia dei cani colpisse gli esseri umani?Quello che nasce è uno dei film più influenti degli anni 2000. Boyle filma Londra deserta alle 4 di mattina con videocamere consumer digitali — lo stesso formato dei film Dogma 95 di Lars von Trier e Vinteberg. Cillian Murphy viene scoperto quasi per caso: Ewan McGregor ha detto no (è offeso, offeso profondamente), Ryan Gosling idem. Il budget finisce prima che il film sia completato. In Inghilterra scatta il garante dell'assicurazione. Fox Searchlight salva il finale, girato in 35mm, l'unico pezzo analogico di un film interamente digitale.Il risultato: l'incasso britannico ripaga da solo l'intero budget. 28 giorni dopo ridefinisce gli zombie per sempre — da lenti a veloci, da morti a infetti — e apre la strada a The Walking Dead, L'alba dei morti dementi, Dawn of the Dead di Zack Snyder. Il direttore della fotografia Anthony Dod Mantle vincerà poi l'Oscar con Boyle per The Millionaire. Anche quello girato in digitale.─────────────────────────────🔔 Iscriviti per non perdere i prossimi video─────────────────────────────Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIGStoryline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK#28GiorniDopo #DannyBoyle #AlexGarland #CillianMurphy #Horror #Zombie #Cinema #FilmAnalysis #FilmItaliano #Storyline0:00 The Beach e il disastro americano di Danny Boyle1:20 Come The Beach ha generato 28 giorni dopo2:30 Alex Garland e l'idea degli zombie veloci4:29 La riunione nella pizzeria di Charlotte Street6:15 Il virus della rabbia: perché funziona7:00 Ewan McGregor dice no8:03 Ryan Gosling seconda scelta9:21 La scoperta di Cillian Murphy10:33 Naomie Harris e il cast definitivo12:50 Girare Londra deserta alle 4 di mattina13:35 La scelta radicale del video digitale16:41 Dieci videocamere sul set19:42 Un mese dopo: l'11 settembre cambia tutto21:34 Il budget finisce prima della fine del film25:10 Fox Searchlight salva il progetto25:58 Il finale girato in 35mm26:25 Il successo e l'eredità di 28 giorni dopo
Il film che ha creato WONG KAR-WAI
Hong Kong Express nel 1994 ha trasformato Wong Kar-wai nel più grande regista d'autore di Hong Kong: girato in 23 giorni per liberarsi dalla lavorazione impossibile di un altro film, improvvisato ogni mattina …
Notas del episodio
Hong Kong Express nel 1994 ha trasformato Wong Kar-wai nel più grande regista d'autore di Hong Kong: girato in 23 giorni per liberarsi dalla lavorazione impossibile di un altro film, improvvisato ogni mattina, con dialoghi scritti la notte prima.Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTETWong Kar-wai era entrato nel cinema di Hong Kong attraverso la televisione e la collaborazione con Patrick Tam, uno dei registi chiave della New Wave locale. Il suo primo film, As Tears Go By, aveva già mostrato le ossessioni che lo caratterizzeranno, ma era ancora ancorato al racconto di periferia. Nel 1994 si trova nel mezzo della produzione di Ashes of Time — un wuxia epico e complicatissimo, in ritardo, fuori budget, senza fine in vista — e decide di staccare. Chiama Christopher Doyle, che stava lavorando su un altro set: tre giorni dopo Doyle è a Hong Kong, senza preparazione, e cominciano a girare. Ogni giorno si improvvisa tutto: le scene, i dialoghi (scritti da WKW la notte prima), le inquadrature. Doyle inventa le immagini ispirandosi al Feng Shui, alle luci al neon, a ciò che trovano per strada. Il film racconta due storie separate di poliziotti e relazioni mancate, girate nelle Chungking Mansions — palazzo caotico di Kowloon — e nei vicoli di Lan Kwai Fong. Sullo sfondo c'è il 1997: la restituzione di Hong Kong alla Cina si avvicina e quel senso di limite temporale attraversa ogni scena. Brigitte Lin — "la Greta Garbo di Hong Kong" — è alla fine della carriera. Faye Wong era la rockstar più famosa di Hong Kong. Tony Leung sarebbe diventato ancora più iconico grazie a WKW stesso, con In the Mood for Love. La tecnica dello step printing — più fotogrammi per immagine, otturatore aperto — crea quell'effetto di movimento sfocato e velocità alterata. Quentin Tarantino lo distribuì negli Stati Uniti e WKW divenne il primo regista d'autore di Hong Kong a diventare un mito per gli occidentali.─────────────────────────────🔔 Iscriviti per non perdere i prossimi video─────────────────────────────Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIGStoryline su TikTok: https://bit.ly/StorylineTK#cinema #wongkarwai #hongkong #hongkongexpress #chunkingexpress #film0:00 Intro: il film che ha cambiato tutto1:57 Come Wong Kar-wai è entrato nel cinema3:15 Il primo film: As Tears Go By4:14 Christopher Doyle: il coautore5:35 La crisi di Ashes of Time6:18 La decisione: facciamo il contrario8:07 Hong Kong Express e Angeli Perduti10:11 Il contesto: la restituzione di Hong Kong alla Cina nel 199711:56 Brigitte Lin, Tony Leung, Faye Wong16:19 Come è stato girato: improvvisazione totale18:20 Le Chungking Mansions20:12 La tecnica dello step printing23:23 Tarantino e la distribuzione negli Stati Uniti
Il metodo WEINSTEIN
Per chi volesse approfondire la storia della Miramax e gli anni d'oro di Weinstein se ne parla molto in questo librone: https://www.ibs.it/down-dirty-pictures-libro-inglese-peter-biskind/e/9780747565710 Per chi …
Notas del episodio
Per chi volesse approfondire la storia della Miramax e gli anni d'oro di Weinstein se ne parla molto in questo librone: https://www.ibs.it/down-dirty-pictures-libro-inglese-peter-biskind/e/9780747565710
Per chi invece volesse approfondire la parte di scandali e molestie c'è questo libro: https://www.lafeltrinelli.it/hollywood-ending-ebook-inglese-ken-auletta/e/9781984878380
Infine qui gli articoli che lo fecero crollare: https://www.newyorker.com/news/news-desk/from-aggressive-overtures-to-sexual-assault-harvey-weinsteins-accusers-tell-their-stories https://www.nytimes.com/2017/10/05/us/harvey-weinstein-harassment-allegations.html
#cinema #film #harveyweinstein #miramax #hollywood
La scommessa di John Landis: UN LUPO MANNARO AMERICANO A LONDRA
Acquista "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET Partecipa alla puntata dal vivo di presentazione del libro al Cinema ritrovato: https://ilcinemaritrovato.it/eventi/fare-film-e-un-inferno/ Qui …
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Partecipa alla puntata dal vivo di presentazione del libro al Cinema ritrovato: https://ilcinemaritrovato.it/eventi/fare-film-e-un-inferno/ Qui trovate un buon dietro le quinte in cui si vedono molti trucchi: https://www.youtube.com/watch?v=Sb5x-OSnlI8 John Landis aveva scritto la sceneggiatura nel 1969 — aveva 19 anni — dopo aver lavorato in Jugoslavia su un set e aver scoperto che alcune persone del posto credevano davvero di trasformarsi in lupi mannari di notte. Gli studios dissero no per 10 anni: troppo divertente per essere un horror, troppo spaventoso per essere una commedia. Quando finalmente ottenne il via libera, la prima cosa che fece fu chiamare Rick Baker, con cui aveva già immaginato il film anni prima. Rick Baker aveva già firmato per The Howling. Landis andò su tutte le furie, Baker pagò la penale e lasciò The Howling per stare su Landis. Con un budget di 10 milioni — finanziato attraverso presales internazionali, con Landis che si assumeva ogni rischio economico — cominciarono a progettare la trasformazione più ambiziosa mai tentata: nessun taglio, nessun cambio di luce, in piena luce, con il dolore delle ossa che si rompono e si ricompongono. Il lupo mannaro finale è un misto tra il viso dell'attore David Naughton, quello di Rick Baker e le facce dei suoi cani. La scena della trasformazione va in scena con Blue Moon — nella versione allegra anni '50 — suonata in sottofondo. Quell'anno, per la prima volta nella storia degli Oscar, fu assegnato il premio per il miglior trucco. Rick Baker lo vinse.
TITANIC: Nessuno controlla James Cameron
Pre-ordina "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET A chi vuole approfondire la storia delle lavorazioni di James Cameron invece consiglio questo libro …
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Pre-ordina "Fare film è un inferno": https://bit.ly/InfernoUTET
A chi vuole approfondire la storia delle lavorazioni di James Cameron invece consiglio questo libro: https://www.goodreads.com/en/book/show/230972104-the-bigger-pictureLa storia vera della lavorazione di Titanic è più assurda del film stesso. James Cameron ottiene carta bianca dalla 20th Century Fox e la trasforma in un disastro contabile da 200 milioni di dollari — il più costoso della storia del cinema fino a quel momento. Due studi in guerra, attori intossicati con il PCP, Kate Winslet che rischia di annegare sul serio, una vasca costruita dal nulla in Messico e un regista che non accetta un solo taglio. Tutti pensavano fosse il flop del secolo. Avevano torto. 🎬 In questo video racconto tutto: i soldi spariti, le urla sul set, la DiCaprio-mania, gli 11 Oscar e l'uomo che ha sopravvissuto a tutto questo con un poster appeso in ufficio che diceva solo "Siamo sopravvissuti".Storyline su IG: https://bit.ly/StorylineIGStoryline su Tiktok: https://bit.ly/StorylineTK#Titanic #JamesCameron #Cinema #StoriaDelCinema #Hollywood #DiCaprio #KateWinslet #Film
Autodistruggersi per un film: TERRY GILLIAM
Il documentario sul making della prima versione del Don Chisciotte di Terry Gilliam si trova su YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=-GxK5Jjyp74 Un libro invece che funziona come un'autobiografia (ma da …
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Il documentario sul making della prima versione del Don Chisciotte di Terry Gilliam si trova su YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=-GxK5Jjyp74 Un libro invece che funziona come un'autobiografia (ma da vivo, precisa lo stesso Gilliam) è questo: https://www.lafeltrinelli.it/gilliamesque-a-pre-posthumous-memoir-libri-vintage-vari/e/2570200486334?srsltid=AfmBOooB5uEXGUqeSx_B4nxHI7XJldWb8X5M4PUJIW7l8Qai7FRXRJNP ed è molto bello e pieno di dettagli sulla vita e le opere di Terry Gilliam, inclusa ovviamente tutta la saga del Don Chisciotte da Johnny Depp fino ad Adam Driver.Invece la testata Rolling Stone qualche anno fa ha fatto una timeline completa degli eventi, come se fosse un universo narrativo: https://www.rollingstone.com/tv-movies/tv-movie-news/terry-gilliams-three-decade-don-quixote-odyssey-a-comprehensive-timeline-629143/ #cinema #film #terrygilliam #johnnydepp #donchisciotte #adamdriver 0:00 La pre produzione della prima versione8:58 Il disastroso set15:35 La maledizione del dr. Parnassus 19:29 L'ultimo tentativo23:08 La disputa al festival di Cannes
LABYRINTH: un film per bambini che parla di desiderio
Per chi vuole approfondire c'è questo making of di Labyrinth molto ben fatto: https://www.youtube.com/watch?v=wBHhSnpAe-c #cinema #film #davidbowie #jenniferconnely #jimhenson #labyrinth
L’home invasion The Birthday Party e The Dreamed Adventure - Cannes Daily #11
Giorno #11 dal festival di Cannes 2026 Film: The Birthday Party di Lea MysiusThe Dreamed Adventure di Valeska GrisebachRicerche e videomaking: Bianca Ferrari #hafsiaherzi #cannes2026 #cinema #film
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