SWR2 Kultur Aktuell

1. Vor 50 Jahren: Die Post präsentiert das erste Tastentelefon

   13 de noviembre de 20263 minA continuación

   1976 waren wir Deutsche – zumindest die im Westen – wohl noch zufriedener. Vielleicht, weil der Bundespostminister beruhigenderweise Gscheidle hieß. Oder weil Hornhaut am Zeigefinger Gewöhnungssache ist. Das …

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   1976 waren wir Deutsche – zumindest die im Westen – wohl noch zufriedener. Vielleicht, weil der Bundespostminister beruhigenderweise Gscheidle hieß. Oder weil Hornhaut am Zeigefinger Gewöhnungssache ist. Das waren nur einige der bis zu 16 Sekunden, die es damals dauerte, eine Telefonnummer zu wählen. Aus heutiger Sicht zu viel Zeit. Trotzdem war der „Fernsprech-Tischapparat 751“ anfangs kein Burner bei der Kundschaft. Vergeblich bot die Post den FeTAp 751 in mehreren Farben an – darunter in Farngrün, Orange, Beige und Grün-marmoriert. Beim Marketing, das wohl noch „Werbung“ hieß, war vermutlich Luft nach oben. Tastentippen war jedenfalls anfangs nicht „in“. Telefone waren nur als Leihgabe verfügbar Vielleicht wusste man 1976 noch: Was schneller geht, geht auch schneller schief. Dass man beim Vertippen statt bei Oma Grete im Ausland landen konnte. Jedenfalls – heutzutage undenkbar – bereute die Post das erste Tastentelefon bald. 1979 kam nochmal ein Wählscheibentelefon auf den Markt – der FeTAp 791. Und es blieb dabei: Telefone gab es nicht zu kaufen – man mietete sie. Für 3 Mark 30 pro Monat. Telefonanschlüsse konnten auch wieder entzogen werden. Etwa, wenn man seinen FeTAp mit einem Brokat-Überzug versah und dabei erwischt wurde. Schluss mit lustig war erst Anfang der 1980er-Jahre. Da setzte sich die Taste durch. Statt ABS-Kunststoff (A für Acrylnitril, B für Butadien, S wie Styrol) gab es Modelle aus Plastik, mit Fantasie-Namen wie „California“, „Nizza“ oder „Signo“. Kein Wunder, dass das „Fräulein vom Amt“ in Rente ging. Entschleunigung statt Dauerbeschallung Telefonieren brauchte auch mit einem FeTAp mitunter Demut. Anfangs des Digital-Zeitalters aber eskalierte die Lage. Denn zunächst lernten Maschinen noch langsam. Schade. So wie wir nicht verstehen, weshalb jetzt alle überall alles telefonisch aus ihrem Leben berichten. Bei Zugfahrten hört man Dramen mit, die sich kein Aischylos hätte ausdenken können. Und pandämonisch wird’s fernsprech-technisch, wenn der Zug nicht mehr fährt oder Verspätung hat. War alles im Jahr 1976 schon zu erahnen – wäre man aufmerksamer gewesen. Denn am 1. April 1976 hatte eine Firma namens Apple ihr erstes Produkt vorgestellt. Logisch, dass der Laden auch mal ein Telefon bauen würde. Tipp fürs Christkind: Tastentelefon in Micky-Maus-Optik Vom ersten Post-Tastentelefon FeTAp 751 gab es für die lieben Kleinen übrigens eine Micky-Maus-Version; mit gelbem Hörer und Lächel-Micky. Der präpubertäre Nachwuchs schmiss sich weg vor Begeisterung. Heutzutage wird das Gerät im Internet für einen dreistelligen Betrag verhökert. Das als Tipp für Weihnachten. Ich bin gespannt, ob die Kiddies dafür ihr Smartphone wegwerfen.

2. „Jossi“: Wenn ein Schauspieler für die Karriere seine Identität wechseln muss

   13 de noviembre de 20264 minA continuación

   Wanja Germann ist eigentlich das Paradebeispiel für einen taxifahrenden, erfolglosen Schauspieler. Allein im historischen Escape-Room seines jüdischen Freundes Assaf ist er der Star: weil er da einen Juden …

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   Wanja Germann ist eigentlich das Paradebeispiel für einen taxifahrenden, erfolglosen Schauspieler. Allein im historischen Escape-Room seines jüdischen Freundes Assaf ist er der Star: weil er da einen Juden spielt, in der Nazizeit mit Mantel und gelbem Stern, und so für die zahlende Kundschaft „authentisches“ Gruselfeeling vermittelt. Das wird der eine oder andere vielleicht zynisch finden, es ist aber ein Beispiel für den frechen Witz, mit dem die jüdisch-deutsch-russischen Autoren der Serie Klischeebildern begegnen: ohne Angst und Samthandschuhe. Und dieser Witz bekommt noch ein paar mehr Umdrehungen: Als Wanja vom neuen Projekt seines Lieblingsregisseurs Sam Rosenberg hört, der händeringend nach einem Hauptdarsteller sucht für den jüdischen Widerstandskämpfer „Jossi“. Persiflage einer Filmbranche In einem sehr guten Ensemble scheint Jannik Schümann als Wanja bzw. Jossi mit der Komödie noch am meisten zu fremdeln. Aber es ist für ihn auch nicht einfach, die verschiedenen Facetten der Serie zusammenzuhalten. „Jossi“ erzählt einmal diese Hochstapler-Geschichte, wie sich Wanja als Jude ausgibt und sich von einer Lüge zur nächsten immer weiter reinreitet. Wie er sich dabei in seine jüdische Kollegin Dana verliebt, die vor allem nach einer ehrlichen Beziehung sucht. Und dann ist es auch die Persiflage einer Filmbranche, die „ehrliche und wahrhaftige“ Stoffe erzählen will und dabei einen narzisstischen Popanz um sich selbst veranstaltet, ablesbar am Regisseur Sam Rosenberg, den Thomas Loibl mit Akzent und lächerlich divenhaftem Verhalten ausstaffiert. Nicht immer subtil, aber sehenswert Was heißt es genau, authentisch zu sein, in einer Welt, in der Identität auch ein Geschäftsmodell ist? Gelogen wird folglich nicht nur im Filmgeschäft. Auch Wanjas Vater schlawinert sich durchs Leben, indem er in seinem Restaurant mal georgische, kasachische oder moldawische Speisen verkauft, in der Annahme, dass die Kundschaft den Unterschied ohnehin nicht so genau kennt. Was man meint zu kennen, sind eben oft Klischees – und diese Klischees umarmt die Serie mit großem Herzen, um sie als genau das auszustellen, was sie sind. Das ist meistens lustig, nicht immer subtil und in der politischen Aussage am Ende wahrscheinlich zu platt. Als komödiantischer Versuch über die Darstellung von Judentum im Film und Serie macht sich „Jossi“ über vieles lustig, bringt seinen Figuren aber auch immer Sympathie entgegen. Und das ist sehr sehenswert. Alle 6 Folgen sind ab 13.11. in der ARD Mediathek und bei Arte streambar

3. U2 mit „Carnaval De Luz“: Hat die Rocklegende noch etwas zu sagen?

   13 de noviembre de 20264 minA continuación

   U2 ist eine der ganz großen, unverwüstlichen Rockbands unserer Zeit. Die Iren um Leadsänger Bono verkaufen verlässlich Musik und Konzerttickets. So eine Kuh melkt die Musikindustrie natürlich, solange es geht …

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   U2 ist eine der ganz großen, unverwüstlichen Rockbands unserer Zeit. Die Iren um Leadsänger Bono verkaufen verlässlich Musik und Konzerttickets. So eine Kuh melkt die Musikindustrie natürlich, solange es geht. Nun erscheint das neue Studioalbum „Carnaval De Luz“. Worauf begründet die Band ihr musikalisches Existenzrecht im 50. Jahr ihres Bestehens?

4. Clangold: Der spektakuläre Goldraub und die Welt der Remmo-Familie

   13 de noviembre de 20264 minA continuación

   Er ist einer der spektakulärsten Diebstähle der deutschen Kriminalgeschichte: Der Goldmünzraub aus dem Bode-Museum im Herzen von Berlin. Die vierteilige True Crime-Serie "Clangold" zeichnet die …

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   Er ist einer der spektakulärsten Diebstähle der deutschen Kriminalgeschichte: Der Goldmünzraub aus dem Bode-Museum im Herzen von Berlin. Die vierteilige True Crime-Serie "Clangold" zeichnet die Ermittlungsarbeit und den Prozess nach, lässt Clan-Kenner und -Aussteiger erzählen, wie Clans wie die Remmo Familie funktionieren. Auch wenn der Ausgang des Falls bekannt ist, lohnt sich die Doku-Serie, sagt Serienkritikerin Emily Thomey.

5. Eine Chance für politische Filme beim Filmfestival Mannheim-Heidelberg

   12 de noviembre de 20263 minA continuación

   Ein mittelloser Araber in Jerusalem soll die Schulden seines verstorbenen Sohnes bezahlen und gerät dabei zwischen die Fronten des Nahost-Konflikts. Ein Arzt in Iran behandelt Demonstranten, die von der Polizei …

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   Ein mittelloser Araber in Jerusalem soll die Schulden seines verstorbenen Sohnes bezahlen und gerät dabei zwischen die Fronten des Nahost-Konflikts. Ein Arzt in Iran behandelt Demonstranten, die von der Polizei verprügelt wurden – und muss daraufhin seine Praxis schließen. Und bei einer großen Kundgebung in Georgien nimmt das Leben einer jungen Frau eine dramatische Wende. Drei Beispiele und drei Geschichten, in denen ganz normale Menschen in den Strudel großer Politik geraten. Alle drei sind in Filmen beim Internationalen Filmfestival Mannheim-Heidelberg zu erleben. Für Festivalleiter Sascha Keilholz kein Zufall: „Wir spüren wie vielleicht noch nie die Effekte von Globalisierung. Es gibt mehr Menschen als früher, die die direkten Implikationen von Weltpolitik auf ihr Leben spüren. Und das schlägt sich natürlich auch im Kino nieder.“ Eine Bühne für Filmschaffende aus repressiven Nationen Filme mit politischem Inhalt sind das eine. Aber auch die Filmemacher selbst können sich in ihrer Arbeit nicht freimachen von dem, was in der Welt passiert. Sascha Keilholz betont, dass in diesem Jahr mehrere Filmemacher*innen beim Festival teilnehmen, deren Filme „entweder in ihrem Land gar nicht gezeigt werden dürfen, verboten sind und die auch Strafen riskieren, wenn sie diese Filme drehen und bei uns zeigen“. Michelle Zhou aus China ist eine dieser Filmemacherinnen. Sie müsse zwar keine Repressionen fürchten, aber ihre autobiografische Geschichte „Big Little Things“ über ein lesbisches Liebespaar werde in ihrer Heimat der Zensur zum Opfer fallen. Da ist sie sich sicher. „Schon als wir den Film gedreht haben, wussten wir, dass er in China niemals in die Kinos kommt“, berichtet Zhou, „aber wir wollten ihn unbedingt machen. Für den Rest der Welt und für die chinesische Community im Ausland.“ Homosexuelle oder queere Menschen werden in China nicht offensiv verfolgt, akzeptiert aber auch nicht. Und so muss Michelle Zhou, wie viele Filmschaffende auf dem Festival, damit leben, dass ihr Werk allein im Ausland Anerkennung erfährt. Für Filmschaffende und Publikum ein Forum für Diskussionen Für Festivalleiter Sascha Keilholz hat das zehntägige Filmfest aber noch eine andere wichtige Funktion: Menschen zusammenzubringen. Die Filmschaffenden untereinander, bei Workshops und Panels in Mannheim und Heidelberg. Und dann: der intensive Austausch mit dem Publikum. Denn nach so gut wie jeder Vorführung gibt es für die Zuschauer die Möglichkeit, mit den Machern der Filme ins Gespräch zu kommen. Das bedeute den Filmschaffenden viel, so Keilholz. „Man muss sich vorstellen, da drehen Leute in kurzer Zeit heimlich irgendwo einen Film. Das darf niemand erfahren. Dann schmuggeln sie den Film irgendwie raus – und die sind dann ja irgendwie wie in einem luftleeren Raum. Teilweise auch heimatlos. Und dann kommen sie hierher und auf einmal gibt es einen Austausch.“ Ob sich im Wettbewerb zuletzt ein dezidiert politischer Film durchsetzen wird oder eine ganz andere Geschichte, ist am Ende vielleicht nicht so wichtig. Denn selbst ein vermeintlich völlig unpolitisches Sujet steht immer in einem historisch-politischen Kontext. Das eine ist vom anderen gar nicht zu trennen.

6. Tocotronic-Frontmann Dirk von Lowtzow beim Spoken Arts Festival in Stuttgart

   12 de noviembre de 20266 minA continuación

   Ein Satz, der auf dem Papier vielleicht ein bisschen pathetisch klingt, kann plötzlich Tausende Menschen berühren. Eine Zeile, die sich festsetzt, die man mitsingt, die irgendwann zum gemeinsamen Gefühl wird …

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   Ein Satz, der auf dem Papier vielleicht ein bisschen pathetisch klingt, kann plötzlich Tausende Menschen berühren. Eine Zeile, die sich festsetzt, die man mitsingt, die irgendwann zum gemeinsamen Gefühl wird. Was macht aus gewöhnlichen Worten einen guten Song? Eine Frage, mit der sich Dirk von Lowtzow seit Jahrzehnten beschäftigt. Als Sänger und Texter der Hamburger Band Tocotronic hat er Zeilen geschrieben, die längst ein Eigenleben entwickelt haben: „Pure Vernunft darf niemals siegen“, heißt es etwa auf einem ihrer bekanntesten Alben. Oder: „Wir brauchen dringend neue Lügen“. Beim vierten Spoken Arts Festival in Stuttgart spricht von Lowtzow darüber, wie aus Texten Songs werden und warum manche Worte erst mit Musik ihre ganze Wirkung entfalten. Der Abend im Schauspielhaus trägt den Titel „Aus der Mitte entspringt ein Hit“. Dass sich hinter einem guten Songtext allerdings keine verlässliche Gebrauchsanweisung verbirgt, macht der Musiker schon im Gespräch deutlich. Vieles bleibt ein Glücksspiel. Dirk von Lowtzow: Schreiben beginnt beim lauten Denken Von Lowtzow ist nicht nur Musiker und Songschreiber. Er hat drei Bücher veröffentlicht, journalistische Texte verfasst und gehört zu den Mitgründern des PEN Berlin. Für seine literarische Arbeit wurde er mit dem Literaturpreis der Stadt Wiesbaden ausgezeichnet. Sprache begleitet ihn also weit über das Liederschreiben hinaus. Doch wie findet er zu seinen Texten? „Mir ist aufgefallen, dass ich fast nur laut denken kann“, erzählt er. Besonders gern tue er das beim Gehen. Dabei entstehe eine Rhythmisierung, die für ihn eine wichtige Voraussetzung für die Musikalität von Sprache ist. „Und ich glaube, diese Rhythmisierung ist schon eine ganz gute Voraussetzung für eine Musikalität von Texten, von Sprache.“ Das Gehen wird so zu einer Art Schreibwerkstatt. Worte werden ausprobiert, Gedanken laut ausgesprochen, Sätze bekommen einen Takt. Vielleicht ist es genau diese Nähe zur gesprochenen Sprache, die vielen Tocotronic-Texten ihre besondere Spannung verleiht: Sie klingen manchmal wie beiläufig hingeworfene Gedanken, bleiben aber gerade deshalb hängen. Wenn Musik aus Pathos große Gefühle macht Doch das Verhältnis zwischen Text und Musik funktioniert auch in die andere Richtung. Nicht jeder Satz, der auf dem Papier überzeugt, wird automatisch zu einem guten Song. Und manchmal entfaltet eine Zeile erst durch Melodie, Rhythmus und Stimme ihre eigentliche Kraft. Gerade bei Liebesliedern oder Musical-Nummern lasse sich das beobachten, sagt von Lowtzow. Dort gebe es immer wieder Zeilen, die gelesen beinahe kitschig oder pathetisch wirken könnten. Sobald aber die Musik hinzukomme und jemand sie singe, könnten sie plötzlich eine enorme emotionale Tiefe entwickeln. Das ist natürlich die allergrößte Kunst, dass in der Ecke des Einfachen im Grunde genommen fast kitschig wirkenden Zeilen liegen.

   Quelle: Dirk von Lowtzow, Frontmann von Tocotronic

   Was genau dabei geschehe, lasse sich kaum erklären. „Das ist, glaube ich, ein Zauber, den man nicht so einfach ergründen kann.“ Es ist ein interessantes Spannungsverhältnis: Ausgerechnet das Einfache, das vermeintlich Abgenutzte, kann große Gefühle auslösen. Vielleicht braucht es manchmal gar keine sprachlichen Verrenkungen, sondern nur den richtigen Ton, um einen Satz zum Klingen zu bringen. Musik als Ausdruck einer Haltung Auch die gesellschaftliche Dimension von Sprache und Musik spielt beim Spoken Arts Festival eine Rolle. Die künstlerische Leiterin Bettina Hering hat die Veranstaltung als Plädoyer für Menschlichkeit, Demokratie, Aufbruch und gesellschaftlichen Zusammenhalt angekündigt. Wie wichtig sind solche Werte für von Lowtzows eigene Texte? Der Musiker verweist auf die Generation, aus der er und seine Bandkollegen kommen, und auf deren antifaschistische Grundhaltung. Diese Werte gehörten für sie selbstverständlich dazu. Auch Protest-Songs seien ein wichtiger Teil der Musikgeschichte, betont von Lowtzow. Seine Antwort auf die Frage nach der Bedeutung der politischen Botschaft eines Songs bleibt im Gespräch allerdings unvollständig. Beim Spoken Arts Festival wird von Lowtzow gemeinsam mit weiteren Künstlerinnen und Künstlern über das Verhältnis von Sprache und Musik sprechen. Mit dabei sind unter anderem Christiane Rösinger, Albrecht Schrader und Maurice Summ von Bilderbuch. Es geht um die Frage, wie aus Worten Musik wird – und warum manche Sätze erst dann wirklich bei uns ankommen, wenn wir sie hören.

7. Faszination Tanz: Die neue Ausstellung in der Kunsthalle Mannheim

   12 de noviembre de 20264 minA continuación

   Eine Hinterbühne in einem altehrwürdigen Theater: Junge, sehr dünne Balletttänzerinnen mit streng zu einem Dutt gebundenen Haaren üben an der Stange. Doch plötzlich taucht in dem Video eine Frau mit …

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   Eine Hinterbühne in einem altehrwürdigen Theater: Junge, sehr dünne Balletttänzerinnen mit streng zu einem Dutt gebundenen Haaren üben an der Stange. Doch plötzlich taucht in dem Video eine Frau mit Kurzhaarschnitt und Schlabber-T-Shirt auf und stellt sich einfach dazu. Zunächst kommt sie noch einigermaßen mit, bald aber hopst sie nur noch hilflos herum. Die Frau, die sich da in die Ballettgruppe eingeschlichen hat, ist die schwedische Performance- und Videokünstlerin Klara Lidén. Kurator Johan Holten erklärt, worin die Pointe ihrer Arbeit liegt: „Die Arbeit von Klara Lidén ist auch sehr lustig anzusehen. Und man fühlt mit ihr. Bis man darüber nachdenkt, dass Ballett eine Kunstform ist, die auf perfekte Körper und auf Perfektion überhaupt setzt. Und damit Viele ausgeschlossen sind. Und das bringt sie mit ihrer humoristischen Arbeit offen zu Tage.“ Wenn der perfekte Körper zur Norm wird Auch die US-amerikanische Künstlerin Lorna Simpson hat als Kind im Ballettunterricht am eigenen Leib erfahren, was es heißt, nicht der Norm zu entsprechen. In ihrer Videoarbeit „Momentum“ setzt sie sich mit diesen Körperbildern auseinander: Einer Gruppe junger Tänzerinnen hat sie Perücken mit Afro-Bobs aufgesetzt und ihre Körper mit goldener Farbe überzogen. So spielt die Hautfarbe in der Darstellung keine Rolle mehr. Doch bevor die Ausstellung solche kritischen Perspektiven eröffnet, zeigt sie zunächst, was lange Zeit als selbstverständliches Ideal galt. Gleich am Eingang stehen 17 kleine Tänzerinnenfiguren aus Bronze von Edgar Degas in einer langen Reihe. Wenn Johan Holten von der Eleganz der Skulpturen schwärmt, merkt man, dass hier ein Ballettkenner spricht. Schließlich hat er selbst in den 1990er-Jahren in der berühmten Tanzcompany von John Neumeier in Hamburg getanzt. „Was ich glaube vielen Kollegen voraushabe ist, dass ich zum Beispiel hier bei Degas die verschiedenen Tanzpositionen auch erkennen kann. Und auch bei vielen anderen Werken. Ich habe ein Gefühl dafür, was davor und danach kommt. Weil ich weiß, wie man in so eine Pose und Sprung überhaupt reinkommen würde.“ Wie viel Bewegung in einer scheinbar festgehaltenen Pose steckt, lässt sich auch auf Ernst Ludwig Kirchners Gemälde der berühmten Tänzerin Gret Palucca erkennen. Sie scheint gerade zu einem Sprung anzusetzen. Künstlerinnen entdecken den Tanz neu Eine besondere Wiederentdeckung sind die Skulpturen von drei Künstlerinnen: die filigranen Tanzenden von Milly Steger und Katharina Heise aus den 1920er-Jahren sowie zwei sehr expressive, dynamische Holzskulpturen von Chana Orloff. Ihre Werke machen deutlich, dass lange Zeit vor allem der männliche Blick auf Tänzerinnen und damit auf weibliche Körper die Darstellung des Tanzes in der Kunst geprägt hat. Die Ausstellung zeichnet zugleich nach, wie sich der Tanz aus den starren Regeln des klassischen Balletts befreit hat. Mit dieser Entwicklung veränderte sich auch die Auseinandersetzung der bildenden Kunst mit dem Tanz. Die berühmten Kostüme des „Triadischen Balletts“ von Oskar Schlemmer stehen dafür ebenso wie die Ganzkörpermasken von Lavinia Schulz und Wagner Holdt oder das „Hand Movie“ von Yvonne Rainer. Tanz als Skulptur im Raum Der Tänzer und Künstler Tino Sehgal setzt dagegen ganz auf das analoge Live-Erlebnis. Im großen Atrium der Kunsthalle Mannheim lässt er während der gesamten Ausstellungsdauer seine Kreation „This Entry“ aufführen – ein Spiel mit Balance, Musik, Gesang und Tanz. Sehgal geht es darum, Körper im Raum sichtbar zu machen: Meine Arbeit hat immer ein skulpturales Element, weil ich Körper langsam in Position bringe – ähnlich einem Bildhauer.

   Quelle: Tino Sehgal

   So schließt sich der Kreis dieser außergewöhnlichen Ausstellung: von den bronzenen Tänzerinnen Edgar Degas’ zu den Live-Darstellerinnen von Tino Sehgal. Der Tanz bleibt dabei nicht nur Motiv der Kunst, sondern wird selbst zum künstlerischen Material.

8. GTA 6: Woher kommt der Hype?

   12 de noviembre de 20266 minA continuación

   „Man hat eine große offene Welt, durch die man sich relativ frei bewegen und allerlei Sachen machen kann“, erklärt Reto Schölly, Professor für Game-Design und -Entwicklung an der Macromedia University in …

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   „Man hat eine große offene Welt, durch die man sich relativ frei bewegen und allerlei Sachen machen kann“, erklärt Reto Schölly, Professor für Game-Design und -Entwicklung an der Macromedia University in Frankfurt am Main. „GTA VI“ verbindet die Freiheit einer Open World, wie sie auch in Erfolgsgames wie „Elden Ring“ oder „Hogwarts Legacy“ zum Einsatz kommt, mit einer detailliert ausgefeilten Hintergrundgeschichte. Es sei „eine Art umgedrehter Krimi“, so Schölly, denn bei „GTA VI“ schlüpfen die Spieler in die Rolle der Verbrecher. Doch was begeistert seit Jahren an der Game-Reihe? Schölly meint, es liegt an der sehr gelungenen Umsetzung des Formats und der Geschichte: „Man hat eine realistische, lebendig wirkende Welt. Aber auch, dass man eigentlich den Halunken spielt, das ist etwas, das man nicht immer hat.“ Persiflage der amerikanischen Gesellschaft „Grand Theft Auto“ lebe aber auch von der Überspitzung: „Es ist auch eine Persiflage der US-amerikanischen Gesellschaft und derer kultureller Identität – und ich denke auch, dass es deswegen so gut funktioniert“, sagt der Wissenschaftler. Die „GTA“-Spiele waren immer schon sehr erfolgreich und auch zu Recht sehr beliebt. Und sie sprechen durchaus auch Probleme an, die es gibt.

   Quelle: Reto Schölly, Professor für Game-Design und -Entwicklung, über Grand Theft Auto

   Schölly sieht hierbei Überschneidungen zur Comedy und ihrer Funktion als Instrument der Gesellschaftskritik. Durch das Mittel der Übertreibung könne Comedy auch unbequeme Wahrheiten aussprechen, ohne jemanden vor den Kopf zu stoßen. Auch „GTA“ halte auf diese Weise der Gesellschaft den Spiegel vor.

9. Eine weiße Frau als indische Professorin: Der Film „Identitti“ stellt kluge Fragen

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   Als auffliegt, dass ihre gefeierte Professorin für postkoloniale Studien ihre Herkunft verschleiert hat, gerät die Welt der Studentin Nivedita ins Wanken. Der Film „Identitti“ erzählt klug und nuanciert von …

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   Als auffliegt, dass ihre gefeierte Professorin für postkoloniale Studien ihre Herkunft verschleiert hat, gerät die Welt der Studentin Nivedita ins Wanken. Der Film „Identitti“ erzählt klug und nuanciert von einer jungen Frau, die lernen muss, selbst zu urteilen.

10. Die Logik des Shitstorms: „Reaktionsmaschine" von Rupert Gaderer | Buchkritik

    11 de noviembre de 20264 minA continuación

    Als der amerikanische Pädagoge Neil Postman in den 1980er Jahren den kritischen Begriff des „Infotainment“ prägte, brachte er damit die Sorge vor einer zunehmenden Narkotisierung der Öffentlichkeit zum …

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    Als der amerikanische Pädagoge Neil Postman in den 1980er Jahren den kritischen Begriff des „Infotainment“ prägte, brachte er damit die Sorge vor einer zunehmenden Narkotisierung der Öffentlichkeit zum Ausdruck. Im Zuge der massenmedialen Verschmelzung von Information und Unterhaltung würden die Menschen immer passiver und leichter manipulierbar. Inzwischen hat sich die mediale Lage fundamental gewandelt. Die Menschen sitzen nicht mehr unbeteiligt vor dem Fernseher, sondern erregen sich in Sozialen Medien über mutmaßliche Skandale. Aus dem einstigen „Infotainment“ ist ein „Disinfotainment“ geworden, bei dem die Information bloß noch dazu dient, möglichst viele Reaktionen zu provozieren. Die erregte Öffentlichkeit Vor diesem Hintergrund ist der Medienwissenschaftler Rupert Gaderer in seinem Buch „Reaktionsmaschine“ den sozialen und technischen Bedingungen der Erregung nachgegangen. Den Ausgangspunkt seiner Analyse bildet das scheinbare Paradox, dass die Sozialen Medien uns einander näherbringen und zugleich für unaufhörlichen Streit sorgen: „So seltsam es klingt, Menschen in sozialen Medien sind aufgrund der kommunikativen Situation einander vertrauter, was wiederum dazu führt, dass der Streit leichter eskaliert. Es ist nicht die Differenz, die den Streit entfacht, es sind die Gemeinsamkeiten, die den Antagonismus verschärfen.“ Das enthemmte Soziale Während bei Begegnungen im analogen Raum soziale Rollen und Regeln dafür sorgen, dass es nicht zu einer emotionalen Eskalation kommt, empfinden sich im virtuellen Raum nicht nur alle mit dem gleichen Rederecht ausgestattet, sondern auch mit dem gleichen Recht auf Aufmerksamkeit. Diese Nähe und die Intensivierung der Differenzen gehen Hand in Hand. Im Zentrum der Analyse stehen daher folgerichtig die sogenannten Shitstorms, die durch anscheinende Nichtigkeiten ausgelöst werden können und die Gaderer als „Tribunale sozialer Medien“ versteht. Im Unterschied zu Gerichtsentscheidungen gibt es hier keine Verfahrenslogik, sondern allein die Dynamik der Affekte und ihrer unausweichlichen Polarisierung: „Das Tribunal ist immer eine Form des Kollektivs. Damit solche Versammlungen zustande kommen, bedarf es einer Anziehungskraft, die häufig durch das Spektakel erzeugt wird. Das Spektakel schafft eine affektgeladene Umgebung, in der Emotionen – Empörung, Wut oder Hass – zur treibenden Kraft der sozialen Dynamik werden.“ Die medieale Triebkraft Anhand konkreter Fälle zeichnet Gaderer nach, wie schnell sich solche Shitstorms bis zum Medienspektakel steigern können und unter einem lüsternen Publikum zugleich für Faszination und Ekel sorgen. Vergleichbar mit den Gaffern bei einem Verkehrsunfall. Allerdings ist der Unfall hier nicht die Ausnahme, sondern die eigentliche mediale Triebkraft. Denn während die klassischen Massenmedien noch unter dem Verdacht der Berieselung standen, sind die Betreiber der Sozialen Medien darauf angewiesen, dass sich die Aufregung niemals legt und Ruhe unter den Nutzern einkehrt. Die kapitalisierte Rede Im Gegenteil, ein Abflauen der wütenden Rede würde sich schnell als unternehmerischer Verlust niederschlagen: „Man kann von einem Spektakel der Tribunale sprechen, bei dem es nicht um eine solide Berichterstattung oder den substanziellen Konflikt geht, sondern um das Verhindern des Abbruchs von Kommunikation und das fortwährende Produzieren kaskadenhafter Kommentare, die zur Generierung verkäuflicher Daten genutzt werden.“ Neben den Erregungskurven wendet sich Gaderer auch der literarischen Bearbeitung des Themas bei Stefanie Sargnagel oder Thomas Melle zu. So gelingt es ihm, nicht nur die neuen Medienwelten präzise zu kartographieren, sondern auch einen kleinen Lichtblick aufzuzeigen, insofern die Gesellschaft zumindest ästhetisch erfahren kann, was gerade mit ihr geschieht.

11. Weitgereist und voller Abenteuerlust: Warum Herta Schellhammer mit über 80 Jahren ein Museum gegründet hat

    10 de noviembre de 202615 minA continuación

    „Es war mir dann in Deutschland zu langweilig geworden“ Herta Schellhammer ist das, was man gemeinhin einen umtriebigen Menschen nennt: Früh wusste die heute 84-Jährige, dass sie etwas erleben möchte …

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    „Es war mir dann in Deutschland zu langweilig geworden“ Herta Schellhammer ist das, was man gemeinhin einen umtriebigen Menschen nennt: Früh wusste die heute 84-Jährige, dass sie etwas erleben möchte – selbstbestimmt und frei von damaligen gesellschaftlichen Konventionen, die junge Frauen immer noch lieber am Herd als in der Uni gesehen haben. Zunächst macht Herta Schellhammer eine Ausbildung beim Steuerberater und arbeitet in der Steuerabteilung einer Zeche. Dann geht es weiter auf dem zweiten Bildungsweg: Sie besucht eine Wirtschaftsfachschule in Siegen – als einzige Frau unter 60 männlichen Schülern. Mit ihrem Hochschulabschluss in der Tasche studiert sie schließlich Wirtschaftswissenschaften und Jura. Mit 29 Jahren ausgewandert nach Madagaskar „Und nach dem Studium war es mir dann in Deutschland zu langweilig geworden“, erzählt Schellhammer rückblickend bei SWR Kultur. Mit gerade einmal 29 Jahren wandert Herta Schellhammer 1971 allein nach Madagaskar aus. Sie wird wissenschaftliche Mitarbeiterin in der gemeinnützigen Fondation Philibert Tsiranana, die von der Friedrich-Ebert-Stiftung personell und finanziell unterstützt wird. Ihre Familie befürwortet das: „Meine Eltern waren sehr angetan, dass ich das mache. Meine Eltern waren immer sehr fortschrittlich in ihrem Leben“, erinnert sich Herta Schellhammer. Selbst als der Vater kurz vor ihrer Abreise nach Madagaskar schwer erkrankt und prognostiziert wird, dass er nicht mehr lange zu leben hat, redet er seiner Tochter gut zu und sagt, sie solle fahren. Weltenbummler unter sich: Günter und Herta Schellhammer In Madagaskar lernt sie auch ihren späteren Mann Günter Schellhammer kennen, der in der stiftungseigenen Schulbuch-Druckerei als grafischer Ingenieur arbeitet. Es sei keine Liebe auf den ersten Blick gewesen, erzählt sie. Vielmehr habe Günter sie für eine eingebildete Person gehalten: „Ich habe nur Selbstbewusstsein gehabt. Und er sagte zu mir, ich sei eine arrogante Ziege, die zu sich selbst Sie sagt.“ Aus der Neckerei wird schließlich Liebe und die Schellhammers ziehen fortan gemeinsam durch die Welt. In Madagaskar bauen sie gemeinsam eine Schulbuch-Druckerei auf. Auch in Kolumbien und Spanien arbeiten sie, Aufenthalte in Südostasien, China und den USA schließen sich an. Ehrenhäuptling im Kongo Bevor Günter Schellhammer Herta kennenlernt, arbeitet er ab 1964 in Kinshasa für die deutsch-kongolesische Druckerei Concordia. Er freundet sich mit dem Häuptling Kasongo Lunda des Stammes der Bayaka an. Die Bayaka ernennen ihn schließlich sogar zum Ehrenhäuptling. „Dieser Stamm der Bayaka hat ihm viele Gegenstände geschenkt und meinem Mann auch sehr vieles erklärt und erläutert: Wie etwas zustandegekommen ist, welche Bedeutung die verschiedenen Masken haben, welche Bedeutung die Fetische haben, wie die traditionellen Strukturen sind“, sagt Herta Schellhammer. Auch andere Stämme hätten für ihren Mann gesammelt, als deutlich wurde, dass sich dieser Deutsche für die Kunstgegenstände des Stammes interessiert. „Mein Mann hat viel gemacht für den Stamm“, sagt Schellhammer. Er habe ein Kleinflugzeug zur Verfügung gehabt und habe von Kinshasa aus die Angehörigen der Bayaka mit wichtigen Dingen versorgt. „Die haben ihn sehr geschätzt, meinen Mann“. Mein Mann hat immer gesammelt. Der fing schon als kleiner Junge an. Der hat ja schon Guppys gesammelt aus der Alb in Karlsruhe. Und er hat immer gesammelt.

    Quelle: Herta Schellhammer über ihren Mann Günter Schellhammer

    Doch nicht nur auf Schenkungen basiert die umfangreiche ethnografische Sammlung, die Günter Schellhammer zu Lebzeiten aufgebaut hat. Gleichzeitig habe er schon früh damit begonnen, lokale Künstler zu unterstützen, erzählt Herta Schellhammer im Gespräch bei SWR Kultur. Die ausgezeichneten Arbeiten von Studierenden, die an der Akademie der Schönen Künste in Kinshasa entstanden sind, habe Günter Schellhammer gekauft, um die Akademie und die Künstler zu unterstützen. „Da habe ich gesagt: Das kann ich doch viel besser“ Nach dem Tod ihres Mannes gründete Herta Schellhammer dann vor zwei Jahren das Schellhammer-Museum für außereuropäische Kunst in Baden-Baden. Hier hatte sich das Paar im Alter zur Ruhe gesetzt. Im Museum zeigt sie die gesammelten Kunstwerke ihres Mannes. Doch was brachte sie zu diesem Schritt? „Wir hatten im Testament vereinbart, dass wir die Stücke aus dem Kongo einem bestimmten Museum zur Verfügung stellen. Dann habe ich mich da erkundigt, nach dem Tod meines Mannes“, erzählt Herta Schellhammer. „Und da hieß es: Das Museum hat nur einmal im Monat geöffnet. Der, der es betreut, ist auch schon älter als die Stücke, die vorhanden sind.“ Schellhammer ist überzeugt, dass sie das ihrem Mann nicht antun könne: „Dann habe ich mich bei anthropologischen Museen umgesehen“, so Schellhammer, „und habe erstmal gesehen, wie stiefmütterlich diese Geschenke, die den Museen zur Verfügung stehen, behandelt werden. Was ich in Kellern gefunden habe – kreuz und quer durcheinander. Da habe ich gesagt: Das kann ich doch viel besser. Und so habe ich beschlossen, ein Museum zu machen.“ Bewusster Umgang mit Fragen zur Herkunft der Exponate Die Sammlung bleibt erhalten, in Baden-Baden hat Herta Schellhammer nun eine Bleibe für die Kunstgegenstände, die ihrem Mann zeitlebens so wichtig waren. Dass es sich um ein sensibles Thema handelt, Kunst aus nicht-europäischen Kulturen auszustellen, ist Herta Schellhammer dabei klar. Fragen nach Herkunft und Kontextualisierung wollen beantwortet werden. Deshalb hat sie sich eine Erlaubnis von höchster Stelle eingeholt. „Ich habe mich abgesichert, dass ich nichts zurückgeben muss. Ich habe mich mit der kongolesischen Botschafterin in Berlin in Verbindung gesetzt“, so Schellhammer. „Sie hat uns diverse Briefe geschrieben und ist ganz happy, dass wir das Museum haben. Und findet das wunderschön, dass wir so ein bisschen für Völkerverständigung arbeiten. Und gerade für die Demokratische Republik Kongo.“

12. Armin Rohde über Harry Potter: „Hagrid ist der Inbegriff des beschützenden väterlichen Freundes“

    10 de noviembre de 20267 minA continuación

    Armin Rohde spricht im neuen deutschen „Harry Potter“-Hörbuch den Halbriesen Hagrid. Im Gespräch erzählt er, was ihn an der Figur fasziniert – und warum das Studio kein Zauberort ist.

13. Essen verbindet – Ein Blick in die Töpfe der jüdischen Festtagsküche

    10 de noviembre de 20264 minA continuación

    Es ist wie daheim. Alle, die sich für diesen Abend angemeldet haben, sitzen dicht an dicht rund um einen einzigen langen Tisch im Restaurant der Israelitischen Religionsgemeinschaft Stuttgart. Die Blicke sind …

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    Es ist wie daheim. Alle, die sich für diesen Abend angemeldet haben, sitzen dicht an dicht rund um einen einzigen langen Tisch im Restaurant der Israelitischen Religionsgemeinschaft Stuttgart. Die Blicke sind erwartungsvoll auf Binah Rosenkranz gerichtet, die versucht eine Challa aufzuschneiden. Doch der leckere Hefezopf zeigt sich komplett uneinsichtig. „Sie ist noch ganz weich und lässt sich ganz schwer schneiden“, erklärt Rosenkranz. Sie ist Referentin für Jugend- und Erwachsenenbildung bei der Israelitischen Religionsgemeinschaft Württemberg und kümmert sich unter anderem um das Familienreferat „comjewnitiy“. Challa und Matze – Speisen zum Pessach-Fest Trotz aller Gegenwehr: der Hefezopf, der traditionell am Wochenfeiertag Schabbat gegessen wird, muss sich am Ende geschlagen geben. Und während die Gäste noch am fluffigen Gebäck zupfen, schlägt Binah Rosenkranz bereits das nächste Feiertagskapitel auf. Pessach sei, so Rosenkranz, das erste Fest gewesen, bevor es den Ruhetag Schabbath gab. „Das Pessach-Fest erinnert uns an den Auszug aus Ägypten sowie die Befreiung aus der Sklaverei.“ Fragen zwischen Alltagssorgen und Glaubensgrundsätzen Vielleicht seit zehn Jahren schon mache sie diese Veranstaltung im Rahmen der Jüdischen Kulturwochen, meint Rosenkranz später. Das Interesse sei seither ungebrochen stark, die Abende in der Regel ausverkauft. Die Besucherinnen und Besucher nutzten dabei die Chance, sich mit ihr auch über andere Themen jenseits der jüdischen Festessen auszutauschen. „In der aktuellen Situation ist häufig die Frage, wie der Antisemitismus hier in Stuttgart aussieht und wie es uns jüdischen Leuten damit geht“, erklärt die Bildungsreferentin. „Aber oft kommen auch andere Fragen, etwa warum Juden Jesus nicht anerkennen. Dann von islamischer Seite: Ob wir auch einen Fastenmonat haben wie den Ramadan. Also es sind ganz unterschiedliche Fragen.“ Biblische Geschichten und ihre Festtagsgerichte An diesem Abend lauscht das Publikum fasziniert Binah Rosenkranz' Erzählungen, die in eine Zeit lange vor Christi Geburt zurückführen, als Moses mutig mit dem Pharao über einen Abzug der Israeliten verhandelt, als die sieben Plagen über die Ägypter herfallen und sich der Prophet mit den Seinen nach einer wilden Verfolgungsjagd in die Wüste rettet. Die biblischen Geschichten, mit denen Binah Rosenkranz ihre Festtagsgerichte würzt, klingen wie Abenteuer. Dabei sind es Geschichten von Zerstörung, Verfolgung und Leid, die sich letztlich auch in den traditionellen Speisen widerspiegeln. Gerichte, die von Leid und Neubeginn erzählen Ein Teller macht die Runde, der normalerweise am Seder-Abend, am Abend vor Pessach, zur Erinnerung an die Zeit in Ägypten gereicht wird. Darauf ein Hühnchenknochen, ein Ei, Frühlingsgemüse und bittere Kräuter. „Bittere Kräuter symbolisieren eine bittere Zeit – eine schwere Zeit, weil sie Sklaven waren“, erklärt Binah Rosenkranz. „Und dann essen wir noch Charosset, da freuen sich alle drauf. Das sieht aus wie Lehm und soll daran erinnern, dass man mit Lehm die Gebäude bauen musste. Aber in Wirklichkeit ist das natürlich kein Lehm, sondern geriebene Nüsse mit Apfel vermischt, mit Gewürzen und ein bisschen Wein drin.“ „Ich denke, das ist für die Region wichtig und steht auch unserer Gesellschaft gut an, dass wir über unsere eigenen kleinen Tellerränder hinausschauen und uns stärker begegnen, weil wir anders gar nicht so viel Zukunft haben, wie wir es uns alle wünschen.“

    Quelle: Besucherin der Jüdischen Kulturwochen

    Kulinarisches Programm mit informativer Aufklärung Matzeknödelsuppe, Süßkartoffel-Auflauf, Gefilte Fisch – nach und nach komplettiert sich das mehrgängige Menü. Standard für das jüdische Festessen, das bei aller Tragik manch biblischer Ereignisse und, trotz antisemitischer Anfeindungen auch gerade wieder in aktueller Zeit, das Leben feiert – und die Gemeinschaft. Miteinander essen verbindet. Davon ist Binah Rosenkranz ganz grundsätzlich überzeugt, die mit ihrem kulinarischen Programm auch Aufklärung verbindet: „Fremdenfeindlichkeit entsteht immer dann, wenn die Leute keine Ahnung haben. Und wenn sie über etwas Bescheid wissen, dann baut es eben Vorurteile ab“, erklärt Binah Rosenkranz. In diesem Sinne sind die Jüdischen Kulturwochen Stuttgart einfach unverzichtbar.

14. „Alice“ von Marlen Mairhofer: Eine grausame Reise in die Erwachsenenwelt | Buchkritik

    10 de noviembre de 20264 minA continuación

    Wenn man „Alice im Wunderland“ liest, kann man kaum glauben, dass dieser Text schon 1865 im englischen Original erschien. Mit unübertroffener Fantastik und tiefgründigem Nonsens erzählt der Brite Lewis Carroll …

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    Wenn man „Alice im Wunderland“ liest, kann man kaum glauben, dass dieser Text schon 1865 im englischen Original erschien. Mit unübertroffener Fantastik und tiefgründigem Nonsens erzählt der Brite Lewis Carroll darin von den Verwirrungen eines Mädchens: Alice. Dieses Mädchen ist auch die Protagonistin von Marlen Mairhofers Debütroman „Alice“. Körperlicher uns seelischer Umbruch Mairhofers Alice fällt allerdings nicht in ein „rabbit hole“ und gelangt dadurch in ein Wunderland, sondern „wächst und wächst“, aus dem Mutterleib zu einer Frau heran. Im Mittelpunkt steht das Erwachsenwerden: Wie bei Carroll geht Alices körperliche Veränderung mit der Suche nach Identität und Orientierung einher. Mairhofer verwandelt dieses Grundmotiv jedoch in eine schmerzliche Geschichte des körperlichen und seelischen Umbruchs. Die Erzählung springt mal mehr und mal weniger wild aus der vorherrschenden kindlichen Perspektive hin zur pubertären, erwachsenen oder kleinkindlichen. Atemlose Sprachkunst vom Feinsten Die einzelnen Kapitel sind meistens episodische Momentaufnahmen und manchmal atemlose Sprachkunst vom Feinsten: „Alice sagt, schau. Alice sagt, schau, Mama, Mama, schau. Mama, Papa, schau, schau, Mama, und sagt es hundertmal, tausendmal, auch, als alle längst schauen, und noch, nachdem sie es aufgegeben haben, weil Alice nicht aufhört, schau zu sagen, bis sie ganz rot ist und verschwitzt und ihre Haare an der Stirn kleben. Sie sagt es noch, als sie kaum mehr Luft bekommt vom vielen Schausagen, sie sagt es, bis das Seitenstechen sie in die Knie zwingt, bis sie nur noch zappeln kann auf dem Trampolin, im Liegen schon, solange es nur nicht ganz stillsteht um sie herum, solange da noch ein Zittern ist, und wenn sie es schließlich, atemlos geworden, nicht mehr sagen kann, denkt sie noch, schau.“ Sprachformen, die Erfahrung sprachlich nachbilden Der Roman arbeitet konsequent mit Sprachformen, die Erfahrung nicht erklären, sondern sprachlich nachbilden. Die 40 kurzen Kapitel tragen alle eine Überschrift, die aus dem Subjekt Alice und meist einem Verb, manchmal noch einem Objekt besteht: „Alice fällt“; „Alice gräbt ein Loch“; „Alice weint“; „Alice sieht ein Kaninchen“ – und so weiter. Wie alt Alice zum jeweiligen Erzählzeitpunkt ist, muss man beim Lesen erraten. Das gelingt auch deshalb, weil man die Welt fast ausnahmslos durch Alices Wahrnehmung erlebt. Falls man vergessen hätte, wie es ist, ein Kind zu sein, wird man durch diese Perspektive dahin zurückversetzt: In die Kindheit, in die Pubertät, und nicht zuletzt – durch eine Spiegelung – in die erwachsene Gegenwart. Mairhofer erinnert uns daran, wie grausam die Kindheit auch ist und wie anstrengend, ihr zu entwachsen. Tiefliegende Konflikte Anders als in Carrolls Wunderland, das das Viktorianische Zeitalter als verschwommenen historischen Hintergrund hat, spielt Mairhofers Alice in einer Welt, die Züge der österreichischen 1990er Jahre trägt. Die kleinen Fragen lauten da: Warum bekommt Alice keinen Lolli in der Form eines Fußes? Oder: Wie bekommt Alice das Einführen eines Tampons so hin, wie es auf dem Faltblatt steht? Doch diese scheinbar banalen körperlichen Hürden sind nur die Vorboten tieferliegender Konflikte. Über physische Grenzerfahrungen verhandelt der Roman die wirklich großen Fragen – etwa, warum das Gefühl, angeschaut zu werden, körperliches Unbehagen, aber auch aufkeimende Lust auslösen kann. Offene Fragen, die sich beim Lesen dieses rätselhaften Textes zwangsläufig stellen. Bildgewaltiges Märchen Dieser Roman ist nichts weniger als eine Erweckung. Eine lebendige Erinnerung daran, wie schmerzhaft Mädchen erwachsen werden. Ein bildgewaltiges Märchen, das zeigt, dass Kinder auch böse und masochistisch sind. Und das Ganze ist nicht nur mit Wucht geschrieben, sondern auch genial, teilweise lyrisch komponiert – als wäre Mairhofer bei Ingeborg Bachmann und Marlen Haushofer, über die sie promoviert hat, in die Schule gegangen. Das Wagnis, Weltliteratur eigenwillig fortzuschreiben, ist Mairhofer mit „Alice“ voll und ganz gelungen.

15. Spionage-Affäre Jensen Huang: Warum chinesische Geheimdienste eine Bedrohung sind

    10 de noviembre de 20266 minA continuación

    Von chinesischen Geheimdiensten gehe eine große Bedrohung aus, weiß Wolfgang Krieger, der das Buch „Geschichte der Geheimdienste“ geschrieben hat. China arbeite nicht nur mit spezifisch ausgebildeten Agenten …

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    Von chinesischen Geheimdiensten gehe eine große Bedrohung aus, weiß Wolfgang Krieger, der das Buch „Geschichte der Geheimdienste“ geschrieben hat. China arbeite nicht nur mit spezifisch ausgebildeten Agenten, „sondern auch mit Leuten, die einfach angeworben werden ohne eine spezifische Ausbildung – und das könnte hier der Fall sein mit Alice Huang. Denn das chinesische Geheimdienstgesetz von 2017 sieht einen sogenannten „Whole of Society Approach“ vor. Das heißt, man arbeitet nicht nur mit spezifisch ausgebildetem Personal und Technik, sondern alle chinesischen Firmen, alle chinesischen Bürger sind verpflichtet, der chinesischen Spionage zuzuarbeiten und entsprechende Geheimnisse zu bewahren“, sagt Krieger.

16. „Wild Horse Nine“: Tragikomischer Agententhriller und berührende Bromance von Martin McDonagh

    10 de noviembre de 20263 minA continuación

    Zwei ungleiche CIA-Agenten auf den Osterinseln Für einen CIA-Agenten hat Chris eine erstaunlich freimütige Art. Zusammen mit seinem langjährigen Kollegen Lee ist Chris 1973 in Chile stationiert. Dort …

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    Zwei ungleiche CIA-Agenten auf den Osterinseln Für einen CIA-Agenten hat Chris eine erstaunlich freimütige Art. Zusammen mit seinem langjährigen Kollegen Lee ist Chris 1973 in Chile stationiert. Dort unterstützt der US-Geheimdienst den Putsch gegen Präsident Salvador Allende. Der gilt zwar als Hoffnungsträger für das Land, ist den USA aber zu links. Kurz vor dem Putsch reisen die beiden Männer auf die Osterinseln, um die kolossalen Steinskulpturen zu besichtigen, die seit über tausend Jahren über die Insel wachen. Es ist der letzte Wunsch des todkranken Chris. Lee begleitet ihn. Als Freund, aber auch im Auftrag des Chefs. Er soll den Älteren unter Kontrolle halten, vor allem dessen Drang, ungefiltert Staatsgeheimnisse auszuplaudern. Was nur sehr bedingt gelingen wird. Agententhriller und berührende Tragikomödie in einem Es ist unmöglich, „Wild Horse Nine“ auf einen Nenner zu bringen. Die Handlung nimmt manche bizarre Abbiegung. Der Ton reicht von tiefmelancholisch über zynisch bis schreiend komisch. Elemente eines Agententhrillers vor realem historischem Hintergrund verbindet Drehbuchautor und Regisseur Martin McDonagh mit einer berührenden Tragikomödie über eine Männer-Freundschaft. Gespielt wird dieses seltsame Paar von John Malkovich in einer oscarreifen Leistung als unberechenbarer CIA-Veteran Chris und Sam Rockwell als seinem schwer genervten, aber loyalen Freund. In einigen nachdenklichen Momenten diskutieren sie über Schuld, von der sie in ihrer Karriere reichlich auf sich geladen haben. Mit dem gleichen philosophischen Ernst verlieren sie sich aber auch in Gaga-Diskussionen über den Zusammenhang von Demokratie, Schwulendichte und gutem Käse oder über die Etikette des Tötens. Immer mit perfektem Timing und trockenem Humor. Abgründig, und doch tröstlich Martin McDonagh hat schon einige brillante Filme vorgelegt, zuletzt „Three Billboards outside Ebbing Missouri“ und „The Banshees of Inisherin“. „Wild Horse Nine“ ist mindestens genauso gut. Zwar macht dieser abgründige Film wenig Hoffnung, dass sich die Welt mit ihrem ewigen Kreislauf der Gewalt je zum Besseren ändern wird. Gleichzeitig verströmt das Setting in der grünen Weite der Osterinseln aber auch etwas poetisch Tröstendes. Unter den Augen der uralten Monumental-Skulpturen wirken sogar die Intrigen einer Supermacht vergänglich. Und Werte wie Freundschaft und Solidarität als das, was die Zeiten überdauert. Trailer „Wild Horse Nine“. Ab dem 12. November im Kino

17. Aktionstag für den Erhalt der Mainzer Kunsthalle

    9 de noviembre de 20263 minA continuación

    Damit wollen sie sich für den Erhalt der Kunsthalle einsetzen, denn die Finanzierung durch die Stadtwerke läuft Ende des Jahres aus. Die Kunsthalle ist der einzige Ausstellungsort für moderne Kunst in Mainz.

18. Mit Glück und Entschlossenheit: Wie eine junge Frau Stalins Terror entkommt

    9 de noviembre de 20264 minA continuación

    Der Schwarze Rabe kommt immer nachts. Dann steigen die sowjetischen Geheimpolizisten aus und hämmern an Türen. Jeder, der Vieh besitzt und deswegen als Kulake gilt, muss zittern. Im Oktober 1931 klopfen die …

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    Der Schwarze Rabe kommt immer nachts. Dann steigen die sowjetischen Geheimpolizisten aus und hämmern an Türen. Jeder, der Vieh besitzt und deswegen als Kulake gilt, muss zittern. Im Oktober 1931 klopfen die Männer auch bei den Krämers. Sie haben alles beschlagnahmt und rausgeschleppt, aber auch alles. Uns blieb rein gar nichts. Wir hatten keine Betten, keine Kleider, kein Geschirr, also nichts mehr.

    Quelle: Michael Riepl – Ferne Heimat Altmontal

    Ein Paradies mit Verfallsdatum Die Krämers sind Deutsche, aber sie leben schon seit Generationen in der Südukraine und haben es zu bescheidenem Wohlstand gebracht. Für die Kinder ist das Dorfleben in Altmontal ein Paradies. Hedwig Krämer ist zwölf Jahre alt, als sie miterleben muss, wie ihrer Familie unter Stalin, dem die angeblich zu wohlhabenden Viehbauern ein Dorn im Auge sind, alles genommen wird. Einige Wochen später kommt die schwarze Limousine erneut. Diesmal treiben die Geheimdienstleute die Familie in die Steppe. Alle waren wir dem Hungertod nahe. Die meisten hatten Hungerödeme, die Beine, die Füße, Gesicht und Hände waren geschwollen.

    Quelle: Michael Riepl – Ferne Heimat Altmontal

    Notizen wie Patientenakten Hedwig Krämer hat 1995 begonnen, ihre Erinnerungen an ihr früheres Leben aufzuschreiben. Zehn Jahre hat die pensionierte Ärztin mit eigner Praxis in der Oberpfalz dafür gebraucht. Es sind nüchterne Notizen, formuliert wie medizinische Befunde. Als Michael Riepl Jahre nach dem Tod seiner Großmutter auf die Aufzeichnungen stößt, bereitet er sich im Sommer 2018 gerade darauf vor, für eine Hilfsorganisation nach Kiew zu gehen. In seinem lebendigen Buch verwebt er die Geschichte seiner Großmutter auf bestechende Weise mit eigenen Erfahrungen in der Ukraine. Mein Bild der Region wird nach jedem Küchengespräch differenzierter. Ich fühle mich wie ein Museumsbesucher, der ein Gemälde, das er aus Katalogen gut zu kennen glaubte, zum ersten Mal in Wirklichkeit bestaunt.

    Quelle: Michael Riepl – Ferne Heimat Altmontal

    Farbig und spannend Der Schwerpunkt des Buches liegt auf den Erfahrungen der Großmutter. Auf der Basis ihrer Aufzeichnungen entwirft Michael Riepl mit großem erzählerischem Talent eine ungemein farbige und spannende Geschichte vom Überleben und vom Eigensinn. Hedwig will Ärztin werden. Da sie als „Kulakentochter“ nicht studieren darf, entschließt sie sich zu einer Ausbildung als Hilfsärztin. Nach dem Examen wird sie in ein abgelegenes Dorf geschickt. Es gab keine Schwestern und keine Ärzte, Hedwig würde die Station allein betreiben müssen. Sie sah sich um. In den Schränken fand sie ein paar rostige Skalpelle, etwas Jod und einige angebrochene Medikamentendosen.

    Quelle: Michael Riepl – Ferne Heimat Altmontal

    Hitlers Angriff verändert alles Hedwig macht das Beste aus der Lage. Sie operiert, heilt, hilft – und erntet grenzenlose Dankbarkeit. Doch Hitlers Angriff verändert alles. Hedwig, die mittlerweile in einem Krankenhaus arbeitet, gilt jetzt in den Augen vieler als Faschistin. Nur der Einmarsch der Wehrmacht rettet sie vor der Deportation. Fortan muss sie der Besatzungsmacht als Übersetzerin dienen. Ein Leutnant rät ihr: „Sie müssen raus hier, Fräulein Krämer. In Deutschland könnten Sie studieren.“ Genau das will Hedwig. Sie gibt sich als Ukrainerin aus und meldet sich für den Arbeitseinsatz in Deutschland. Erst am Morgen der Abreise weiht sie ihre Mutter ein. „Sie glaubte es mir nicht und dachte, ich mache einen Witz. Als sie dann sah, dass ich meine Koffer packte, wurde sie ernst und fing an zu weinen. Mir wurde schwer ums Herz.“

    Quelle: Michael Riepl – Ferne Heimat Altmontal

    Ankommen im Schatten der Vergangenheit Michael Riepl macht Hedwig Krämer nicht zur Heldin. Er zeigt, mit welcher Entschlossenheit, mit wie viel Glück und Geschick sie ihren Weg inmitten von Gewalt und Willkür ging – und dabei auch andere zurückließ. Nur eine Schwester überlebte Krieg und Lager. Im letzten und vierten Teil seines Buches erzählt der Autor knapp auch von den Jahren in Deutschland – von der Arbeit in einer Rüstungsfabrik, dem Medizinstudium in Würzburg, dem Aufbau einer eigenen Praxis. „Sie hatte immer nur ankommen wollen“, schreibt Michael Riepl über seine Großmutter, die zugleich ihre Vergangenheit nie losließ. Mit seinem grandiosen Buch hat er ihr Leben im fernen Altmontal dem Vergessen entrissen.

19. Vikingur Olafsson und sein Tonmeister: Dieses Duo mischt den Klassikbetrieb auf

    9 de noviembre de 20265 minA continuación

    Vikingur Olafsson ist ein hochseriöser Pianist. Und erfolgreich wie ein Popstar. Auf Spotify kann ihm niemand das Wasser reichen. Schuld daran ist auch sein Tonmeister. Wir haben mit ihm gesprochen.

20. Lady Macbeth von Mzensk" in der Staatsoper Stuttgart

    9 de noviembre de 20268 minA continuación

    Aus Liebe zur Mörderin geworden Schostakowitschs 1934 in Leningrad uraufgeführte Oper erzählt die Geschichte von Katerina Ismailova. Die freiheitsliebende Frau ist gefangen in den patriarchalen Zwängen einer …

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    Aus Liebe zur Mörderin geworden Schostakowitschs 1934 in Leningrad uraufgeführte Oper erzählt die Geschichte von Katerina Ismailova. Die freiheitsliebende Frau ist gefangen in den patriarchalen Zwängen einer Kaufmannsehe. Für ihre große Liebe wird Katerina zur Mörderin: Sie vergiftet ihren Schwiegervater und ermordet ihren Ehemann, um mit dem Arbeiter Sergej zusammen sein zu können. Als die Leiche ihres Mannes entdeckt wird, landet Katerina im Straflager. Spiegel der Sehnsüchte Zum Einstand des neuen Generalmusikdirektors Nicholas Carter bringt die Staatsoper Stuttgart das Werk in einer Neuinszenierung von Ulrike Schwab auf die Bühne. Schwab erzählt die Handlung aus Katerinas Perspektive. Mithilfe von Videoprojektionen und Spiegeln taucht das Publikum in Katerinas Seele ein: in ihre Sehnsüchte, Hoffnungen und inneren Konflikte. Diese „Lady Macbeth“ ist weniger Täterin als Opfer. Das zeigt sich auch im Bühnenbild: Die zu Beginn düstere Szenerie wandelt sich in eine helle, bunte und märchenhafte Kulisse. Katerinas und Sergejs Hochzeit mit überdimensional großen Äpfeln erinnert an Schneewittchen, doch das magische Bild zerbricht. Auch ein Straflager als konkreter Ort existiert nicht; Katerina steckt vielmehr in ihrem eigenen, inneren Gefängnis fest. Nuanciert auf allen Ebenen Diese Zerrissenheit ist auch in der Musik hörbar: mal laut und brutal, dann wieder lyrisch und zerbrechlich. Um die harsche Brachialität zu unterstreichen, setzt Dirigent Nicholas Carter eine zusätzliche Blechblaskapelle ein, die mal aus der Loge erklingt, mal auf der Bühne zu sehen ist. Trotzdem gelingt Nicholas Carter ein sehr nuanciertes Klangbild. Auch die Sängerinnen und Sänger in Stuttgart überzeugen. Insbesondere Hauptdarstellerin Rosie Aldridge trägt die zweieinhalbstündige Aufführung mit ihrer facettenreichen Darbietung: von hochdramatischen Ausbrüchen bis zu den lyrischen Momenten. Musikalisches Psychodrama Die Inszenierung gerate stellenweise zwar etwas überladen, findet SWR Opernkritiker Bernd Künzig, eröffne aber eine interessante Perspektive auf das Stück: Statt die Gewalt in den Vordergrund zu rücken, konzentriere sich Ulrike Schwab auf die inneren Spannungen der Titelfigur. So entstehe ein besonderes musikalisches Psychodrama.

21. Vom Stasi-Gefängnis zum Pulitzerpreis: Andree Kaisers Weg in die Freiheit

    9 de noviembre de 202610 minA continuación

    Die Erinnerung ans Stasi-Gefängnis sitzt tief Andree Kaiser blättert in dem Buch, in dem er seine Lebensgeschichte aufgeschrieben hat. Gleich auf den ersten Seiten: Fotos vom berüchtigten Stasi-Gefängnis …

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    Die Erinnerung ans Stasi-Gefängnis sitzt tief Andree Kaiser blättert in dem Buch, in dem er seine Lebensgeschichte aufgeschrieben hat. Gleich auf den ersten Seiten: Fotos vom berüchtigten Stasi-Gefängnis Hohenschönhausen. Dort war er inhaftiert als 18-Jähriger. Er zeigt auf eines der Bilder: Mehrere Lichtschalter neben einer Gefängniszelle – eine Foltermaßnahme, immer wieder wurden die Häftlinge in der Nacht aus dem Schlaf gerissen. Die Erinnerung sitzt tief: „Wenn man den Schalter betätigt, um eine Neonlichtleuchte zum Strahlen zu bringen, dann gibt’s ja dieses klackernde Geräusch und das kann ich irgendwie nicht so richtig ertragen“, sagt Andree Kaiser heute. Viele Jahre später war er zurückgekehrt nach Hohenschönhausen, diesmal als freier Mann, als Zeitzeuge – und als erfolgreicher Fotograf. Denn Andree Kaiser ist im Westen Fotograf geworden – ein Lebenstraum. Perspektivwechsel durch die Kamera Auf einem der Bilder ist seine ehemalige Gefängniszelle zu sehen, aufgenommen von außen, durch die Schließklappe hindurch. Andree Kaiser wirkt sichtlich berührt von der Macht des Perspektivwechsels: „Meine Sicht der Dinge, als ich inhaftiert war, war natürlich eine andere. Also die Perspektiven, die ich jetzt hatte, dass ich den Wachturm von außen fotografieren konnte, oder die Zellentrakte. Ich kannte das ja meistens nur von innen. Und die Wege, die man gegangen ist, die waren meistens kurz – und der Blickwinkel war sehr beschränkt.“ Wut auf die DDR Drei Jahre saß er im Gefängnis. Sein Vergehen: Republikflucht. Die tragischerweise gescheitert war. 1982 hatte der damals 18-jährige Andree genug vom sozialistischen Arbeiter- und Bauernstaat. Zu diesem Zeitpunkt lag bereits ein schmerzhafter Prozess der inneren Abkehr vom System hinter ihm, der schon in der Kindheit begonnen hatte. Das entscheidende Schlüsselerlebnis, mit dem die sehnsüchtigen Gedanken an Flucht dann schließlich zum fixen Plan wurden, war der Tod seiner Großmutter. Als sie in West-Berlin einen Herzinfarkt erlitt, durfte sein Vater die sterbende Mutter nicht mehr sehen – schlichtweg, weil er keine Genehmigung für die Ausreise nach West-Berlin erhielt. Die Großmutter verstarb und wurde schließlich in Berlin-Weißensee beigesetzt, ohne dass die Familie sich vorher von ihr verabschieden konnte. Und das war schon für mich so ein wichtiger Punkt, wo ich wütend war, einfach wütend auf den Staat, auf das System, diesen menschenverachtenden Akt, dass man als Sohn seine Mutter nicht im Tod begleiten darf.

    Quelle: Fotograf Andree Kaiser über die DDR

    Drei Jahre Gefängnis und danach in die BRD „Nur raus hier!“, sagten sich Andree und sein bester Freund Thomas. Von Dresden aus überqueren sie illegal die Grenze nach Tschechien, weiter geht es in den Süden nach Bratislava. Dort schaffen sie noch den ersten Zaun in Richtung Österreich. Beim Versuch über den zweiten zu klettern, gehen plötzlich grelle Scheinwerfer an. „Der Moment, als die uns da gestellt haben: Das war so eine Mischung aus totaler Angst, Schock, Starre und gleichzeitig auch vielleicht ein Stück Erleichterung: lieber so, als dass sie vielleicht noch auf uns geschossen hätten. Denn das ist ja öfter passiert, dass die einfach schießen“, sagt Andree Kaiser in der Rückschau. Stattdessen: Drei Jahre Gefängnis und schließlich eine zweite Chance auf Freiheit. Nach seiner Entlassung aus der Haft wird Andree Kaiser freigekauft von der Bundesrepublik. Er geht zunächst nach Westberlin, verkehrt in radikal-linken Studentenkreisen im Kreuzberg der 1980er-Jahre. Für ihn, der die volle Härte des real existierenden Sozialismus abbekommen hatte, war das eine teils irritierende Erfahrung. Andree Kaiser nutzt seine kostbare Freiheit Für Andree Kaiser wird bald deutlich: Es muss nach vorne gehen. Er will seine kostbare Freiheit nutzen. Er wird Fotograf für den SPIEGEL und die Nachrichtenagentur Reuters. Als Tellerwäscher verdient er sich seine Kamera-Ausrüstung. In der Nacht, in der schließlich überraschend die Mauer fällt, ist er einer von wenigen Fotografen vor Ort, er steht direkt auf der Bornholmer Brücke. Wieder einmal der Blick von „außen“: Er ist berührt, doch fühlt keinen Schmerz um sein „verlorenes“ Land. Die DDR sei nie seine Heimat gewesen. Am nächsten Tag gehen seine Fotos um die Welt: Die Schicksalsnacht, die auf Schabowskis ikonisch-gestammelte Sätze folgt, markiert das Ende des DDR-Regimes. Doch viel bedeutsamer für sein persönliches Leben in dieser intensiven Phase nach dem Mauerfall ist seine Begegnung mit Roy Gutman – einer Ikone des US-amerikanischen Journalismus, der als Korrespondent aus Berlin berichtet. Andree und Roy bleiben beruflich in Kontakt. Mit Roy Gutman dokumentiert er Gräuel in Jugoslawien An seiner Seite reist Andree Kaiser wenige Jahre später als Fotograf ins damalige Jugoslawien. Der Zusammenbruch des Kommunismus hatte den Vielvölkerstaat in einen brutalen nationalistischen Machtkampf gestürzt. Andree Kaiser will genau hinschauen, überall dort, wo Menschenrechte verletzt werden – nicht zuletzt getrieben von seinen persönlichen Erlebnissen mit einer Unrechtsdiktatur. Seine innere Mission wird ihm später den höchsten aller Journalistenpreise einbringen. Im richtigen Moment schießt Andree Kaiser zwei Fotos: Eines von Häftlingen in einem Konzentrationslager im bosnischen Banja Luka. Ein zweites von Frauen, befreit aus einem serbischen Vergewaltigungslager. Sie hatten sich in einer Turnhalle versammelt: „Sehr, sehr mutige Frauen, die mit uns damals gesprochen haben. Am letzten Tag gab es die Frage: Wie kann man das fotografieren? Und sind sie überhaupt bereit, sich auch fotografieren zu lassen? Und dann gab es eine große Gruppe von Frauen, die gesagt haben: Wir sind bereit! Und als sie sich gemeinsam in der Turnhalle aufstellten, auch mit ihren Müttern teilweise, gab es einen sehr emotionalen Ausbruch (...) In dem Augenblick, wo ich das Bild gemacht habe, fielen sich alle in die Arme“, sagt Kaiser. Pulitzer-Preis für Kaiser und Gutman Das Foto wird im Hauptquartier der Vereinten Nationen in New York aufgehängt, landet auf der Titelseite von Newsday. 1993 wird es – als Teil einer journalistischen Gesamtleistung zusammen mit den Recherchen von Roy Gutman – mit dem renommierten Pulitzer-Preis ausgezeichnet. Roy Gutmann prägt den Begriff der „Ethnischen Säuberung“, die medialen Enthüllungen der Gräueltaten erzeugen großen Druck auf die Weltgemeinschaft, nicht mehr länger wegzuschauen und dienten später in der Aufarbeitung als wichtige Beweise für den Internationalen Strafgerichtshof. Ein später Triumph gegen das Joch der Diktatur. Und so schloss sich, gut zehn Jahre nach seiner versuchten Flucht, auch für Andree Kaiser persönlich ein Kreis. Ein Gemüseladen als Ort der Begegnung Und heute? Im Hier und Jetzt? Andree Kaiser muss wieder nach vorne in seinen Gemüseladen, er muss seine Angestellte unterstützen. Mit dem Laden leiste er heute einen anderen, einen sanften Beitrag zur Erhaltung der Demokratie, sagt er noch, während er sich bereits hinter die Kasse stellt. Damals habe er das tiefe Bedürfnis gehabt, einen Ort der Begegnung zu schaffen, gegen die Vereinsamung, nicht zuletzt aber auch als Anti-These zu einer Zeit, in der man ihn isoliert hatte, „entmenschlicht“, in der die Wärter ihn statt mit dem Namen mit einer Nummer ansprachen. „So Orte, wo man sich begegnet, wo man sein kann, die gibt es immer weniger. Du hast die Supermärkte, du wirst durchgepiepst, es wird immer mehr automatisiert. Das heißt, Orte, Begegnungsstätten, wo man Leute trifft, so einen Ort haben wir geschaffen und ich bin extrem glücklich, diesen Ort zu haben, wo ich regelmäßig hin kann.“

22. Auch Exzess ist Stress

    8 de noviembre de 20264 minA continuación

    Kürzlich hat sich Stefanie Sargnagel unter die „Hautevolee“ beim Wiener Opernball gemischt und einen brillanten Text darüber verfasst, der Reportage und Satire mischt und die Realität ins Surreale …

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    Kürzlich hat sich Stefanie Sargnagel unter die „Hautevolee“ beim Wiener Opernball gemischt und einen brillanten Text darüber verfasst, der Reportage und Satire mischt und die Realität ins Surreale hinüberspielt. Weil es so schön war, folgt nun ein Band mit Sargnagels Exkursion zum Münchner Oktoberfest, das sie bereits im Jahr 2019 vierzehn Tage lang dirndlgeschnürt besucht hat – teilnehmende Beobachtung der hartgesottenen Art. Aber auch wenn die Rezeptur ähnlich ist, gibt es doch entscheidende Unterschiede. Während der Opernball gesellschaftliche Ambition und Abgrenzung nach unten vermittelt, geht es beim Oktoberfest um das Gegenteil: die kollektive Ausschweifung. Eine auf das Feine pfeifende, das Derbe zelebrierende, auch dem Bier und dem Beisl erklärtermaßen zugeneigte Autorin wie Stefanie Sargnagel muss sich hier nicht wie beim Opernball in eine fremde Welt einschleichen, um deren Rituale aufs satirische Korn zu nehmen; sie passt ganz gut ins Festzelt. Bayern und Österreicher Zudem sei ihr die besondere Mischung aus „Nationalstolz, Alkoholmissbrauch und Übergriffen“ bekannt aus Österreich. Ihre vom Wein geschwächten Landsleute könnten allerdings mit den biergestärkten Bayern nicht mithalten, wie sie ironisch anmerkt: „Die Bayern sind wie Turbo-Österreicher, optimistisch blicken sie in die Zukunft, ohne Selbstmitleid und slawische Schwermut. Es sind die drallsten deutschsprachigen Stämme vereint zu einem Pfropfen, der jeden geistigen Fluss luftdicht verschließt und einen vor krankmachender Grübelei bewahrt.“ Sofern das Oktoberfest aus Saufexzessen besteht, bleiben Sargnagels Ausführungen begrenzt witzig: Die Säfte fließen in die Körper und aus ihnen hinaus, in Hektolitern, Megalitern und Gigalitern, es wird gereihert und uriniert, es mangelt nicht an benebelten Hirnen und erschlaffenden Körpern. Aber so schaurig die Details, so herzerhebend das Ganze: Ein bärtiger Schotte gibt mir grundlos High Five und ich denke mir, der Rausch holt nur das Allerschönste aus den Menschen. Sie wollen sich alle nur verbinden.

    Quelle: Stefanie Sargnagel – Oktoberfest

    Schröpflappen und Stopselhut Wirklich gut wird der Text dort, wo Sargnagel das Oktoberfest und seine Rituale mit dem Blick einer Ethnologin inspiziert und das Heimattümmelnde zum Exotischen wird, etwa beim großen Trachten-Zug, wo von wunderlichen Details wie Schröpflappen, Stopselhut und Zitterfingel die Rede ist. Sowie von den feinen „Spitzen aus geklöppeltem Ziegenschamhaar auf den Schultern der wabischen Blunzenstrickerin“. Und noch von manch anderen phantasmagorischen Accessoires: „Die Knöpfe sind geschnitzt aus den Fingerknochen vom Urgroßvater, die Ornamente hat man aufwendig mit den Schneidezähnen einer unehelich geborenen Magd eingearbeitet. Die Jagdszene am Hasenledergürtel wurde in monatelanger Handarbeit vom geheimen Halbbruder im Kartoffelkeller gestickt.“ So geht das Erlebte ins Ausgedachte und das Gemütliche ins Grässliche über. Das gilt auch für die jungen Polizisten auf dem Festgelände, die die Autorin jubelnd ihre Knüppel schwingen und mit Inbrunst Ausländer verhaften lässt. Sie ähneln der Jugend-Gang aus dem Film „A Clockwork Orange“. Und dann noch nach Bayreuth Als Zugabe gibt es in diesem Band noch eine kürzere Reportage über die Festspiele von Bayreuth. Der „grüne Hügel“ erscheint als Wallfahrtsort für Hochkultur-Senioren mit und ohne Gehhilfen, und im Laufe einer Ring-Woche erleidet auch die geplagte Autorin eine Metamorphose zur Rentnerin mit grauem Haar und Stoppeln am Kinn. Als taufrischer Wiedergänger erweist sich dagegen der „Führer“. Den kleinen Nachstellungen dieses fatalsten aller Wagnerianer kann sich die Autorin kaum erwehren. Viel Klischee und Klamauk also – und dennoch liest man auch diesen Text mit Vergnügen, denn die Originalität liegt im bildkräftigen, vollsaftigen, schmissig-herzlichen Sargnagel-Ton, mittlerweile ein österreichisches Qualitätsprodukt wie einst die Schimpf-Suada Thomas Bernhards.

23. Wenn Reality-TV zu weit geht: Bringt ein dänischer Skandal nun ein Umdenken?

    6 de noviembre de 20265 minA continuación

    Monatelang wird einem dänischen Comedian vorgegaukelt, sein großer Traum gehe in Erfüllung: Er drehe endlich seinen eigenen Spielfilm – mit Produktionsfirma, Drehreisen und rund 150 Mitwirkenden. Doch am Ende …

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    Monatelang wird einem dänischen Comedian vorgegaukelt, sein großer Traum gehe in Erfüllung: Er drehe endlich seinen eigenen Spielfilm – mit Produktionsfirma, Drehreisen und rund 150 Mitwirkenden. Doch am Ende stellt sich heraus: Alles war ein inszenierter Streich des Senders TV 2, gefilmt mit versteckter Kamera. Der Titel: „Alle lieben Rasmus“. Die Ausstrahlung sorgt für Empörung und löst eine Debatte über die ethischen Grenzen des Reality-TV aus. Ein Streich, der zum Skandal wird Der Skandinavien-Korrespondent Arne Bartram schildert im Gespräch mit SWR-Moderatorin Kathrin Hondl den Moment der Enthüllung: „Er ist wirklich total verwirrt und kann das im ersten Moment gar nicht fassen.“ Wallbridge fragt sich: „Wer hat dann das alles bezahlt? “ Schließlich beginne er „ein hysterisches Lachen“. Ausgestrahlt wurde die Szene beim dänischen Sender TV 2. Zunächst habe der Sender noch erklärt, es handle sich nur um einen Spaß. Doch mit wachsender Kritik nahm der Sender die Show schließlich aus dem Programm und entschuldigte sich. Eine Logik, die auf öffentlichen Widerstand trifft Der Fall Wallbridge könnte mehr sein als ein weiterer Reality-TV-Skandal. Lange schien im Unterhaltungsfernsehen vor allem eines zu zählen: Aufmerksamkeit. Je extremer die Inszenierung, desto größer die Reichweite. Doch die Reaktionen aus Dänemark zeigen, dass diese Logik zunehmend auf Widerstand stößt. Und in Deutschland? Einen vergleichbaren Fall gab es zuletzt nicht. Doch auch hier geraten große TV-Formate immer wieder in die Kritik. Besonders „Germany’s Next Topmodel“ steht seit Jahren wegen des Umgangs mit seinen Kandidatinnen in der Diskussion. Kritisiert werden unter anderem die Isolation und Abschottung der Teilnehmerinnen während der Dreharbeiten. „Sie sind den Kameras ausgeliefert“, sagt die Medienwissenschaftlerin Maya Götz in einem Beitrag von STRG_F. Die Kandidatinnen würden dabei „als Charaktere identifiziert“ – etwa als Mauerblümchen, Zicke oder Provokateurin. Kritik auch von ehemaligem Juror Auch Peyman Amin, einer der früheren Juroren des Formats, übt inzwischen Kritik. Ein „Zickenkrieg“ sei gezielt provoziert worden, etwa indem man die Kandidatinnen von der Außenwelt isoliert habe. Auch mehrere ehemalige Teilnehmerinnen berichten bei STRG_F von inszenierten Konflikten und Manipulation. Der Produktionssender ProSieben weist solche Vorwürfe zurück. Wie weit die Folgen solcher Formate reichen können, zeigt das Beispiel von Lijana Kaggwa. Die Teilnehmerin der 15. Staffel berichtet von massivem Cybermobbing und Morddrohungen nach ihren TV-Auftritten. Zeitweise habe sie sogar unter Polizeischutz gestanden. Heute spricht sie öffentlich über ihre Erfahrungen und warnt andere junge Frauen vor der Teilnahme. „Hinterfragt, warum ihr da hingehen möchtet“, rät Kaggwa bei STRG_F. Jan Böhmermann drehte 2016 den Spieß um Doch wie sich der Spieß umdrehen lässt und eine ganze TV-Show selbst hinters Licht geführt wird, zeigte Satiriker Jan Böhmermann 2016. Für seine Sendung „Neo Magazin Royale“ schleuste er einen Schauspieler als vermeintlichen Kandidaten in die RTL-Kuppelshow „Schwiegertochter gesucht“ ein und machte öffentlich, wie hinter den Kameras gearbeitet wird. Mit versteckter Kamera dokumentierte sein Team, wie die Produktionsfirma den Mann gezielt als unbeholfenen Außenseiter inszenierte. Immer mehr Reality-Formate in Deutschland An der Beliebtheit des Genres hat das wenig geändert. Seit 2016 sind zahlreiche weitere Reality-Formate hinzugekommen: „Love Island“, „Das Sommerhaus der Stars“, „Temptation Island“, „Prince Charming“, „Are You The One?“ oder „Promis unter Palmen“, um nur ein paar zu nennen. Das Spektrum reicht von Dating- und Treuetests bis zu psychologischen Spielen. Wie viel Demütigung darf Unterhaltung? Der Fall Rasmus Wallbridge in Dänemark mag eine neue Dimension der Grenzüberschreitung markieren. Doch die Frage dahinter ist nicht neu: Wie viel Demütigung darf Unterhaltung vertragen? Die Empörung zeigt, dass öffentlicher Widerstand durchaus etwas bewirken kann und dass auch Sender und Produktionsfirmen sich der Kritik stellen müssen.

24. Freilichtbühnen und Klimawandel: Wie Extremwetter Festivals im Südwesten gefährden

    6 de noviembre de 20265 minA continuación

    Hitzewellen und Gewitter führen 2026 zu Spielausfällen: Der Klimawandel wird zum Risiko für Freilichtbühnen. Wie sich Festspiele im Südwesten gegen Extremwetter wappnen – und was dabei auf dem Spiel steht.

25. Der große Leberwurstaufstand: Was wäre, wenn sich Wurstbrote gegen uns auflehnen?

    6 de noviembre de 20264 minA continuación

    „Schubberstücke“: Herausfordernde Kunstwerke Der Bochumer Künstler Matthias Schamp hat jahrzehntelange Erfahrung mit der Gestaltung verschiedenster Kunstformen, von Bildern bis zu Hörspielen. Doch mit einer …

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    „Schubberstücke“: Herausfordernde Kunstwerke Der Bochumer Künstler Matthias Schamp hat jahrzehntelange Erfahrung mit der Gestaltung verschiedenster Kunstformen, von Bildern bis zu Hörspielen. Doch mit einer sehr speziellen skulpturalen Werkgruppe tut er sich ein wenig schwer – mit den „Schubberstücken“. „Das ist als Künstler eine Herausforderung, eigentlich ein Kunstwerk zu machen, das, na ja, ein bisschen scheiße aussieht, wenn man so will“, sagt er und lacht. „Es soll jetzt nicht für die Augen sein, sondern für den Rücken.“ „Schubbern“ ist norddeutscher Slang für intensives Kratzen oder Scheuern. Matthias Schamp stieß darauf in einem Buch über Spuren, die Tiere hinterlassen, wenn sie sich reiben, etwa an Felsen und Baumstämmen – den sogenannten Schubberstücken. Ich versuche so etwas wie optische Ungeheuerlichkeit zu erzeugen

    Quelle: Matthias Schamp

    Solch genussvolle physische Begegnung mit Objekten möchte der Künstler auch einem menschlichen Publikum bieten, und montiert seine Skulpturen daher stabil und abriebfest an der Wand: „Schubberstücke sind Kunstwerke, die man mit dem Rücken wahrnimmt. Das heißt, man lehnt sich dagegen und reibt sich daran. Sie sind natürlich dann doch auch fürs Auge, aber ich versuche so etwas wie optische Ungeheuerlichkeit zu erzeugen.“ Das gelingt bravourös. Die Reibung, die Schamps Schubberstücke erzeugen, ist auch eine ästhetische, denn seine Objekt-Montagen aus Gebrauchswaren wie Schuhen, Gürteln, Bürsten, Quasten, Kordeln und Dekokrams würden mühelos jede Bad-Taste-Challenge gewinnen. Schlachtplatte des guten Geschmacks Eine Schlachtplatte des guten Geschmacks ist auch die Werkgruppe „Rahmengemäße Bildhandlung“. In Ein-Euro-Shops und im Netz ergattert Matthias Schamp bizarre Bilderrahmen und füllt diese mit formal passenden Fotografien – etwa einem Selbstporträt als nackter Mann, gehüllt in eine Pelle aus schweinchenrosa Plastik: „Es sieht ein bisschen wie ein Sadomaso-Utensil aus, ist aber tatsächlich eine fleischfarbene Trockenhaube, die ich da über dem Gesicht habe. Insgesamt wirkt das schon etwas gruselig.“ Formloser Schrecken regiert auch in der Werkgruppe, die der Böblinger Ausstellung den Titel verleiht: Der große Leberwurstaufstand. Es geht um den Einbruch des Schrecklichen in unser aller Vesper-Alltag: Was wäre, fragt Schamp mit Grausen, wenn sich der Aufstrich der Wurstbrote gegen uns erhöbe? Die Antwort sind amorphe Gestalten mit Gurkenstücken als Augen und Zungen. „Es war eine ziemliche Matscherei aus verschiedenen Wurstsorten, also eine plastische, im Grunde eine bildhauerische Arbeit.“ Das gilt auch für ein fast ikonisches Objekt von den Party-Büffets der Wirtschaftswunder-Jahre: den Mett-Igel. Diesen Hackfleischklops mit Augen aus Zwiebelringen und Stacheln aus Mandelsplittern hat Matthias Schamp in Keramik nachgeformt – eine Inkarnation des heute kaum noch vorstellbaren Fett-Fetischs der Nachkriegszeit. Verhältnis von Menschen und Nutztieren läuft nicht auf Kuscheln hinaus „Gesellschaften, die Hunger erlebt haben, entwickeln andere Ideologien, andere Denkmuster: Plötzlich geht es los, man kann sich Fleisch leisten, spricht von ‚guter Butter‘, dieser Fetthunger reicht bis ins Design der 50er-Jahre, in denen jeder Kühlschrank, jedes Auto ein wenig aufgepumpt wirkte – und dazwischen dann eben auch der Mettigel.“ Dank solcher Hintergedanken zu Kulturgeschichte und Konsumverhalten ist Matthias Schamps Arbeit weit mehr als Klamauk – ihm ist bewusst: das Verhältnis von Menschen und Nutztieren läuft nicht auf Kuscheln hinaus, sondern auf Schlachten und Verzehren. „Ich möchte nicht, dass die Ausstellung nur lieblich-lustig ist – es ist ja ein ernsthaftes Thema. Etwas kann albern und ernsthaft zugleich sein, intelligent und gleichzeitig hammerblöd. Man wird in dieser Ausstellung sicher an vielen Stellen lachen können, aber dieses Lachen soll einem manchmal auch im Hals stecken bleiben.“

26. Filmkritik „Minotaurus“: Russischer Alltag in Zeiten des Ukrainekriegs

    6 de noviembre de 20264 minA continuación

    Bilder eines großen Sees, einer schicken Designervilla am Uferrand; flache Landschaft, diffuses Licht – man erkennt sofort, dass dies irgendwo weit im Nordosten liegt. Regisseur Andrei Swjaginzew hat in …

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    Bilder eines großen Sees, einer schicken Designervilla am Uferrand; flache Landschaft, diffuses Licht – man erkennt sofort, dass dies irgendwo weit im Nordosten liegt. Regisseur Andrei Swjaginzew hat in Lettland gedreht, wo alles postsowjetisch genug aussieht, denn in Russland hätte er diesen Film nicht machen können. Aber „Minotaur“ ist durch und durch von Russland bestimmt. Gleb ist der Bewohner des Hauses, der Herr im Zentrum reicher, gutbürgerlicher Verhältnisse, eines Familienidylls – Vater, Mutter, Kind –, das im Laufe dieses Films nicht unbedingt zerstört wird, aber seziert und in seinen Bestandteilen offengelegt. Das Berufliche und Politische ist von dieser privaten Geschichte nicht zu trennen. Selten hat der Satz, dass das Private das Politische sei, mehr gestimmt, als hier. Abgründig und zynisch: Mitarbeiter für den Krieg abbestellen Gleb ist ein leitender Manager. Eines Tages wird er vom Bürgermeister zu einem Treffen mit anderen Managern geladen. Es geht darum, dass jedes Unternehmen ein bestimmtes Kontingent seiner Mitarbeiter an die ukrainische Front abstellen muss. Es gebe keine Ausreden, macht der Bürgermeister klar: „Wir sind mitten in einer militärischen Spezialoperation. Wir müssen 150 Wehrpflichtige stellen.“ Wer sich weigert, wird abgeholt. Es ist ungemein spannend, im Folgenden zu sehen, wie Gleb und seinesgleichen ihre Aufgabe erfüllen. Was macht man als Unternehmer, wenn man Menschen auswählen muss, aber erstens die guten Mitarbeiter nicht verlieren will, und zweitens weiß, dass ein Teil dieser vertrauten, vielleicht befreundeten Menschen aus dem Fleischwolf des Krieges nicht wiederkehren wird? Wenn man ihnen das nicht antun will? Man rekrutiert neue Menschen, die man nur einstellt, um sie danach gleich in den Krieg abzustellen. Das ist abgründig und zynisch – aber gleichzeitig ist es auch sehr humanistisch: Eine patriarchale Fürsorge für die eigenen Mitarbeiter. Jeder dürfte sich solche Chefs wünschen, die einen so vor der Front bewahren. Denn was soll Gleb sonst machen? Alles dies ist in seiner ganzen Abgründigkeit und Doppelbödigkeit Gleb durchaus bewusst. Dmitriy Mazurov: Porträt einer klassischen Männerwelt Der Schauspieler Dmitriy Mazurov spielt ihn bullig, gedrungen, muskulös, immer unter Druck und manchmal voller Anspannung, als wäre er kurz vorm Zerplatzen – ein Panther auf dem Sprung, wie eine zeitgemäße Ausgabe von Lino Ventura. "Minotaur" ist mit dieser Figur, wie mit den Freunden und Kollegen Glebs auch das Portrait einer sehr klassischen Männerwelt. Glebs Ehe ist ausgeleiert, dass seine Frau fremdgeht, ahnt man sehr schnell. Und Gleb spürt es auch. Doch als es Gewissheit wird, ist er erschüttert, gedemütigt und zerfressen vor Eifersucht. Swjaginzew zeigt Geschlechterverhältnisse – allerdings andere, als jene, an die wir uns gewöhnt haben: Die Frauen sind klassische „Housewives“, gut aussehend und gestylt und wohl auch ein bisschen verzweifelt. Die Männer schaffen das Geld ran, klüngeln und saufen, und die Söhne werden selbstverständlich dazu erzogen, auch solche Männer zu werden. Ukraine-Krieg als Hintergrund Sehr deutlich wird der Ukraine-Krieg als Hintergrund von alldem gezeigt. Allerdings aus einer anderen Perspektive, als die, die wir Deutschen aus unseren Nachrichten kennen: Swjaginzew zeigt ihn im Alltag der Menschen, als einen Krieg der Gesellschaft, in der er sich im Einzelnen abbildet. In öffentlichen Reden, und in den privaten Gesprächen, die offener sind. Noch mehr aber in der Art, wie um ihn herumgeredet wird. Wie er das Denken und das Handeln der Menschen durchdringt. Und auf den riesigen Werbebannern, die überall statt für Autos und Mobilfunkverträge in bunten Lettern für den Krieg werben, die verführen und überreden, und versuchen, die jungen Männer zu kaufen: Hohe Rubelbeträge winken denen, die sich als Soldaten freiwillig für die ukrainische Front verpflichten. Swjaginzew macht innere Zustände sichtbar: Doppelmoral der Individuen, Vertuschen von Verbrechen, Verbindungen zwischen Unternehmern, Bürgermeistern und Polizei, die bürgerliche Moral, zu der die Lüge ebenso gehört, wie die Genugtuung: Heuchelei, Privilegien und der ständige Wunsch, auch die Notwendigkeit, den äußeren Schein zu bewahren. Niemand fragt, was gerecht oder ungerecht ist Die Figuren dieses Films handeln weder aus patriotischem Idealismus noch aus tiefer politischer Überzeugung. Sie tun, was sie müssen, auch wider ihre Überzeugungen. Niemand fragt, was gerecht oder ungerecht ist; einzig die Bewahrung der eigenen Verhältnisse zählt. So ist dies ein Film über die Universalität und das Wesen des Verrats. Dazu gehört auch, dass Verrat verbindet – wenn man nicht darüber spricht. Swjaginzews Diagnose ist so trist wie seltsam tröstlich: Man kommt davon. Das Leben geht weiter. In Grautönen, ohne Schuld und Sühne, ohne Paradies und Hölle. Es gibt keine strafenden Götter. Die Hölle, die ist hier. Und das Paradies. „Minotaurus“ ist ab dem 5. November 2026 im Kino zu sehen

27. Die ARD Hörspieltage 2026 im ZKM Karlsruhe

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    „Stell dir vor, du bist eine Ameise!“ – Kein Problem, Augen zu, den Stimmen und Sounds lauschen und das Kino im Kopf startet. So funktioniert Hörspiel, scheinbar einfach, aber große Kunst. Mit dem Hörspiel …

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    „Stell dir vor, du bist eine Ameise!“ – Kein Problem, Augen zu, den Stimmen und Sounds lauschen und das Kino im Kopf startet. So funktioniert Hörspiel, scheinbar einfach, aber große Kunst. Mit dem Hörspiel „Hologrammatica“ reisen wir mühelos ins Jahr 2088, wo die Menschen wie kleine Ameisen versuchen, sich gegen einen übermächtigen Feind zu wehren, in dem Fall die KI, die ihnen längst über den Kopf gewachsen ist. Unter diesen Umständen ist es für den Serienhelden Sink und seine KI-Assistentin kein leichter Auftrag, eine verschwundene Computerexpertin aufzuspüren. Mit der Science-Fiction-Serie nach dem Roman von Tom Hillenbrand startet die Präsentation von sechs Neuproduktionen bei den diesjährigen ARD Hörspieltagen. Sie zeigen, wie vielfältig das Genre Hörspiel sein kann. Viele starke Frauenfiguren Auffallend ist in diesem Jahr, dass es in den Stücken viele starke Frauenfiguren gibt. Allen voran Moshizuki, die erste Ninja-Kämpferin, deren Legende in einer achtteiligen Serie erzählt wird. Lisa aus der Serie „Save the Beer Stübchen“, die die alte Hamburger Kiezkneipe ihrer Großtante übernimmt. Oder die junge Nonne Agathe aus „Die Hexe von Pendach“, eine achtteilige, historisch recherchierte Hörspielserie mit Mystery-Elementen. Seit einigen Jahren werden immer öfter Hörspiele als mehrteilige Serien produziert, erklärt Hanna Georgi, Hörspieldramaturgin beim WDR: „Hörspielserien sind eine Welt zum Eintauchen. Das ist für Fans von Hörspielen und für Leute, die jetzt neu gewonnene Zuhörerinnen sind, erst mal eine Chance, sich vertraut zu machen, sich da reinzugeben. Das spricht auch die Hör- oder Sehgewohnheiten an, die wir aus langen Formen wie im Streamingbereich kennen.“ ARD Hörspieltage: Branchentreff und Festival für Fans Die ARD-Hörspieltage in Karlsruhe sind das größte Publikums-Festival für Hörspiel und Klangkunst im deutschsprachigen Raum. Vier Tage lang gibt es Live-Hörspiele, Diskussionen, Konzerte und natürlich werden die neusten Hörspielproduktionen von ARD, Deutschlandradio, dem Schweizer und dem Österreichischen Rundfunk vorgestellt. Die Hörspieltage sind damit ein Branchentreff für Macherinnen und Macher – aber eben auch ein großes Festival für alle Hörspielfans. Motto des umfangreichen Rahmenprogramms ist das Thema Humor: „Nothing Serious“. Unter diesem Feed versammelt die gemeinsame Audio- und Streamingplattform ARD Sounds alle Hörspiele, die mal mit lautem Lachen, mal mit leisem Augenzwinkern daherkommen. Doch wer lacht worüber – und wie gut funktioniert Humor im Hörspiel, wo es keine visuelle Ebene gibt? Eine echte Herausforderung, sagt die Leiterin der ARD Hörspieltage Mareike Maage vom SWR: „Das kennt man ja auch von den digitalen Medien: jetzt fügt man irgendwie ein Smiley dazu. Ich glaube, dass es extrem schwer ist, ohne dieses Visuelle. Aber genau darin liegt ja auch die Herausforderung und das Besondere, wenn es dann gelingt.“ Kinderhörspiele als Abschluss der ARD Hörspieltage Der letzte Tag des viertägigen Festivals, der Sonntag, ist traditionell dem Kinderhörspiel gewidmet, mit vielen Mitmachaktionen und den besten Neuproduktionen. Und Eltern aufgepasst: Auch Kinderhörspiele können große Karrieren initiieren, wie Lars Eidinger bei seinem letzten Besuch auf den ARD Hörspieltagen verraten hat. Kurioserweise ist das erste, woran ich mich erinnere, dass wir in der vierten Klasse Bibi-Blocksberg-Hörspielkassetten nachgespielt haben. Also eigentlich ist Bibi Blocksberg mehr oder weniger dafür verantwortlich, dass ich überhaupt Schauspieler geworden bin.

    Quelle: Lars Eidinger

28. 75 Jahre Internationalen Filmfestival Mannheim Heidelberg: Ein Festival schreibt Filmgeschichte

    5 de noviembre de 20268 minA continuación

    75 Jahre Filmgeschichte, rund 80 Filme aus 50 Ländern und jede Menge neue Entdeckungen: Das Internationale Filmfestival Mannheim-Heidelberg (IFFMH) feiert Geburtstag. Seit seiner Gründung hat es sich einen …

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    75 Jahre Filmgeschichte, rund 80 Filme aus 50 Ländern und jede Menge neue Entdeckungen: Das Internationale Filmfestival Mannheim-Heidelberg (IFFMH) feiert Geburtstag. Seit seiner Gründung hat es sich einen Namen als Sprungbrett für junge Filmtalente gemacht. Auch zum Jubiläum gibt es bis zum 15. November wieder großes Kino abseits des Mainstreams. Der Eröffnungsfilm des Festivals Den Auftakt macht „My Notes on Mars“, ein Film, der Science-Fiction mit einer Liebesgeschichte verbindet. „Im Kern ist es aber ein Liebesfilm, der sich Gedanken über die Zukunft der Menschheit macht, aber auch über die Zukunft eines Liebespaares“, erklärt Festivalleiter Sascha Keilholz im Gespräch mit SWR Kultur. Dass das Festival nicht nur Filme zeigt, sondern auch immer wieder neue Talente entdeckt, gehört seit jeher zu seinem Selbstverständnis. Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders und Lars von Trier gehören zu den großen Namen, deren Karrieren das Filmfestival früh begleitet hat. Stars von morgen Die Konkurrenz unter den Filmfestivals sei inzwischen allerdings groß, erklärt Keilholz: „Wir waren das siebte Festival weltweit, inzwischen gibt es über 10.000, allein über 400 in Deutschland.“ Trotzdem fühle sich das IFFMH der Nachwuchsförderung verpflichtet. Der Wettbewerb konzentriere sich weiterhin auf erste und zweite Filme und stelle damit gezielt junge Talente vor. Auch der gesellschaftliche Auftrag, mit dem das Festival in der Nachkriegszeit gegründet wurde, wirkt bis heute nach. Damals sei es darum gegangen, durch Kultur zur Demokratisierung der Gesellschaft beizutragen. Kulturvermittlung als Kern Den pädagogischen Impetus von damals habe das Festival heute zwar nicht mehr. „Aber der Gedanke von gesellschaftlicher Teilhabe ist natürlich nach wie vor vorhanden“, betont Keilholz. Im Kern verstehe man sich bis heute als Kulturvermittler. Neben dem Nachwuchs rückt das Festival zum Jubiläum auch eine etablierte Schauspielerin ins Rampenlicht: Die dänische Schauspielerin Trine Dyrholm ist in diesem Jahr Ehrengast. Drei zentrale Filme aus ihrer Karriere sind noch einmal auf der großen Leinwand zu sehen: „Der Tanz“ (2008), „Die Kommune“ (2016) und „Königin“ (2019). Festivalleiter Sascha Keilholz beschreibt Dyrholm als „unglaublich wandlungsfähige, intensive, faszinierende Charakterschauspielerin“. Sie sei immer wieder Risiken eingegangen und habe mit ihrer Arbeit auch die Karrieren anderer Filmschaffender vorangetrieben.

29. Neues Album des Stuttgarter Singer-Songwriters Tiemo Hauer: Wenn Verschwinden zur Überlebensstrategie wird

    5 de noviembre de 202615 minA continuación

    Der Stuttgarter Songwriter Tiemo Hauer hat ein düsteres Album geschrieben. „Die Kunst des Verschwindens“ heißt sein neues Werk, das am Freitag erscheint. Schon der Titel klingt nach Rückzug, nach dem Wunsch …

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    Der Stuttgarter Songwriter Tiemo Hauer hat ein düsteres Album geschrieben. „Die Kunst des Verschwindens“ heißt sein neues Werk, das am Freitag erscheint. Schon der Titel klingt nach Rückzug, nach dem Wunsch, möglichst wenig von sich preiszugeben. Tatsächlich verarbeitet Hauer auf den Songs eine schwierige Lebensphase. „Wie sich ja ahnen lässt, ging's mir in der Zeit wirklich nicht so gut“, sagt er im Gespräch mit SWR Kultur. Es habe in den vergangenen Jahren viele Umbrüche gegeben, die sich auch auf seine mentale Gesundheit niedergeschlagen hätten. Seine negativen Gefühle in Musik zu verpacken, sei für ihn schon immer ein Ventil gewesen. „Wenn es mir nicht gut geht, fällt es mir sehr schwer, darüber zu sprechen, aber es fällt mir sehr leicht, das aufzuschreiben und das irgendwie in Musik zu packen.“ Sarkasmus als Selbstschutz Besonders deutlich wird das im Song „Du bist gefickt“. Der Titel ist drastisch, der Text sarkastisch. Hauer richtet ihn komplett an sich selbst. „Ist, glaube ich, fast der positivste Song auf dem Album, dadurch, dass er so viel Sarkasmus enthält“, sagt er. Darin suhle er sich bewusst im Selbstmitleid – manchmal tue man das eben, wenn es einem nicht gut gehe. Auch die Zeile „Du hast in 34 Jahren so viel falsch gemacht, ich weiß gar nicht, wo ich anfangen soll“ ist nicht als durchgehendes Lebensgefühl zu verstehen. Aber Hauer kennt solche Zweifel. Er frage sich manchmal, ob er andere Wege hätte einschlagen sollen: ob er zu wenig gemacht, mit den falschen Leuten gearbeitet oder bestimmte künstlerische Entscheidungen anders hätte treffen sollen. Seine ersten Songs schrieb er mit 16 Jahren. Heute, 20 Jahre später, höre er manche davon mit anderen Ohren. „Da guckt man natürlich 20 Jahre später anders drauf“, sagt er. Damals habe er eine „naive Arroganz“ gehabt und gedacht: Mir gehört die Welt. Heute würde er manche dieser Songs nicht mehr so veröffentlichen. Sich verstecken, um nichts falsch zu machen Der Albumtitel geht auf eine Dokumentation zurück, die Hauer gesehen hat. Besonders fasziniert habe ihn das Prinzip der Mimikry: Tiere passen sich ihrer Umgebung an oder ahmen gefährliche Arten nach, um sich zu schützen. Darin habe er viele Parallelen zu seiner eigenen Gemütslage entdeckt. „Ich weiß nicht so genau, wer ich bin, ich weiß nicht so genau, was ich will und deswegen verstecke ich mich oder spiele in gewissen Momenten auch einfach eine Rolle.“ Das Verschwinden hat für ihn auch eine ganz persönliche Seite. „Wahrscheinlich hauptsächlich Vermeidung von Konflikten bei mir.“ Wenn er Angst habe, etwas nicht richtig machen zu können, verstecke er sich lieber, statt einen Fehler zu riskieren. „Das ist keine gute Eigenschaft, aber die habe ich leider manchmal.“ Die Musik helfe ihm, solche Gefühle zunächst einmal loszuwerden. Ob sie langfristig bei der Bewältigung einer Krise hilft, weiß er nicht. Mit zeitlichem Abstand entdeckt er in seinen eigenen Songs aber manchmal Erkenntnisse, die ihm beim Schreiben noch gar nicht bewusst waren. „Ich habe es schon aufgeschrieben, was ich jetzt erkannt habe, aber ich habe es noch nicht verstanden.“ Ein Album, das aus vielen Entwürfen gewachsen ist „Die Kunst des Verschwindens“ ist nicht als Album geplant gewesen. Hauer hat über mehrere Jahre hinweg viele Songs und musikalische Entwürfe geschrieben. Erst nach und nach sei das Gefühl entstanden, dass daraus etwas Ganzes werde. Auch die kleinen Instrumentalstücke auf dem Album stammen aus dieser Zeit. Manche Entwürfe hätten einfach schon genau das Gefühl vermittelt, das er ausdrücken wollte. Mit Text habe er sie nicht künstlich ergänzen wollen. Dass das Album so stark nach innen blickt, sei ebenfalls nicht von Anfang an eine bewusste Entscheidung gewesen. Gesellschaftliche und politische Themen interessierten ihn durchaus. Aber er habe nicht noch krampfhaft einen Song ergänzen wollen, der nach außen schaut. Bei solchen Liedern sei er besonders selbstkritisch und achte sehr genau darauf, die richtigen Worte zu finden. Auf diesem Album sei deshalb vor allem „mein eigenes Gehirn und mein eigenes Herz“ zu hören. Allein im Studio – und doch nicht ganz allein Einen Großteil der Musik hat Hauer selbst eingespielt, aufgenommen und abgemischt. Das könne einsam sein, sagt er. Für dieses Album habe es diese Einsamkeit aber auch gebraucht. An einzelnen Stellen holte er sich Unterstützung von anderen Musikern. So etwa bei „Nicht gut für mich“: Den Song habe er lange mit sich herumgetragen und eigentlich schon fast aufgegeben. Zwei Freunde hätten ihn im Studio gehört und ihn ermutigt, ihn doch zu veröffentlichen. Gemeinsam hätten sie noch an der Musik gearbeitet – zwei Stunden, dann sei der Song dort gewesen, wo er hin sollte. Auch an die Zusammenarbeit mit einer großen Plattenfirma denkt Hauer zurück. Bei den Aufnahmen zu seinem ersten Album habe ein PR-Manager des Labels im Studio gesessen und sich über einen gerade erfolgreichen Hit gefreut, während Hauer von der Aufnahme seiner Streicher tief bewegt gewesen sei. Da habe er gemerkt, dass sie offenbar ganz unterschiedliche Vorstellungen von Musik hätten. Als das Label eine Frist verpasste, innerhalb derer es über eine weitere Zusammenarbeit hätte entscheiden müssen, konnte Hauer aus dem Vertrag aussteigen. Heute arbeitet er mit einem kleinen Schweizer Indie-Label zusammen. Die Zusammenarbeit sei eng und freundschaftlich. Zwischen Akzeptanz und Hoffnung Trotz aller düsteren Töne endet das Album nicht in völliger Resignation. Im Song „Ungefähr zwei Leben“ heißt es: „Ich weiß, dass es nicht so bleibt.“ Hauer spricht offen darüber, dass er depressive Episoden erlebt. In solchen Momenten wisse er zwar, dass es wieder besser werde. Das helfe ihm aber nicht unbedingt, wenn es ihm gerade schlecht gehe. Trotzdem müsse er sich immer wieder vor Augen führen: „Es bleibt nicht so, mir wird es nicht durchgehend schlecht gehen.“ Auch der letzte Song heißt „Okay“. Es gehe darin um Akzeptanz, aber eben auch um Hoffnung. Dass Hauer seine sehr persönlichen Lieder nun mit anderen teilt, ist für ihn ein zwiespältiger Moment. Einerseits sei es schön, wieder direktes Feedback zu bekommen und zu merken, dass Menschen seine Musik hören wollen und sich von ihr berühren lassen. Andererseits könne ein negativer Kommentar für ihn hundert positive überschatten. Und auch wenn der Albumtitel vom Verschwinden erzählt: Hauer möchte wieder auf die Bühne. Eine Tour ist bislang nicht geplant, aber er wolle alles dafür tun, im kommenden Jahr wieder live spielen zu können. Die Kunst des Verschwindens führt ihn damit auch zurück in die Öffentlichkeit.

30. Neuer Dengler-Krimi von Wolfgang Schorlau: „Das kalte Werk“

    5 de noviembre de 20265 minA continuación

    In Wolfgang Schorlaus neuem Dengler-Krimi „Das kalte Werk“ steht ein Tech-Milliardär im Zentrum, der überzeugt ist: Demokratie ist ineffizient. Eliten sollten die Zukunft planen. Schorlau zeichnet das Bild …

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    In Wolfgang Schorlaus neuem Dengler-Krimi „Das kalte Werk“ steht ein Tech-Milliardär im Zentrum, der überzeugt ist: Demokratie ist ineffizient. Eliten sollten die Zukunft planen. Schorlau zeichnet das Bild eines real existierenden Werks in Ostdeutschland, einer Autofabrik. Schorlau sagt darüber selbst in SWR Kultur: Bei der Recherche sei er sehr erstaunt darüber gewesen, wie unbarmherzig es dort sei und wie die Leute dort zwangsläufig krank gemacht würden. Statt klassischem Krimi mit schneller Leiche liefert Schorlau einen hochpolitischen Roman über Macht, Monopole und den Angriff auf die Demokratie – mit dem Ziel, dass Leserinnen und Leser danach nicht beruhigt, sondern wacher auf die Realität schauen. Denn auch wenn das Buch zugeklappt sei: „Die Zustände sind ja immer noch da. Und ich würde mich freuen, wenn man auf diese Zustände vielleicht mit einem etwas schärferen Blick draufschaut als vorher.“

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