MUBI Podcast: Encuentros
- Épisodes
- 81
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- hebdomadaire
- Dernier épisode
- 11 Nov 2026
À propos du podcast
Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.
La primera temporada de Encuentros se compone de diálogos informales en episodios de aproximadamente 1 hora de duración. Conversaciones profundas entre colegas, en un espacio donde se habla con total libertad.
Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine.
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Épisodes 81
Ver donde nadie ve: Federico Luis + Mario Bellatin
En este episodio, se habla de la relación entre imaginación y realidad: el límite entre las imágenes y la verdad. Federico Luis es un director argentino, autor de casi una decena de cortos de documental y …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la relación entre imaginación y realidad: el límite entre las imágenes y la verdad.
Federico Luis es un director argentino, autor de casi una decena de cortos de documental y ficción. En 2019 presentó La siesta en la Competencia Oficial de Cortometrajes del Festival de Cannes, apartado al que regresó recientemente y en el que obtuvo la Palma de Oro por su documental Para los contrincantes, rodado en México.
En 2024, estrenó en la Semana de la Crítica su ópera prima, Simón de la montaña, ganadora del Gran Premio y con ella recorrió otros festivales como San Sebastián, La Habana, El Cairo y Biarritz. Con su filmografía, compuesta por obras que de diversos modos enrarecen, distorsionan y amplían la realidad, Luis ha conseguido evidenciar que la libertad de la fantasía puede otorgar a las situaciones más comunes un halo de misterio.
Por otro lado, Mario Bellatin es un reconocido y prolífico escritor mexicano de ascendencia peruana, cuya práctica artística ha excedido el campo literario y también se ha puesto en marcha a través de colaboraciones cinematográficas y teatrales, performances e incluso como parte del equipo curador de la exposición quinquenal de arte contemporáneo, documenta, en el año 2012.
Bellatin es autor de más de cuarenta libros que conforman un proyecto literario caracterizado por la experimentación formal, la fragmentación del tiempo y el juego entre realidad y ficción.
Entre otros, ha obtenido el Premio de Narrativa José María Arguedas, el Premio Médicis a la Mejor Novela Extranjera en Francia y el Premio Iberoamericano de Letras José Donoso. Recientemente, su mítica obra Salón de belleza, publicada en 1994, fue llevada al cine por la actriz mexicana Nathalia Acevedo y se estrenó en Giornate degli Autori en Venecia.
Federico y Mario se reúnen aquí para hablar de sus primeros encuentros intuitivos con el cine, y de cómo las condiciones materiales y tecnológicas de un arte influyen en la forma de las obras que puede producir.
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Una forma propia: Valentina Maurel + Simón Mesa Soto
En este episodio, se habla de la tradición cinematográfica como un refugio contra la orfandad artística.Valentina Maurel es una guionista y directora de Costa Rica. Tras completar sus estudios en Bélgica, su …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la tradición cinematográfica como un refugio contra la orfandad artística.
Valentina Maurel es una guionista y directora de Costa Rica. Tras completar sus estudios en Bélgica, su cortometraje de grado Paul est là obtuvo el Primer Premio de la Cinéfondation de Cannes en 2017. Su primer largometraje, Tengo sueños eléctricos, fue ampliamente celebrado por la crítica y reconocido en la competencia internacional de Locarno con los premios a Mejor Directora, Mejor Actor y Mejor Actriz, así como laureado en los festivales de San Sebastián, Ghent, Mar del Plata, Thessaloniki, India y Guadalajara en 2022.
En su cine, Maurel ha retratado, con desafiante honestidad, las tribulaciones de jóvenes mujeres que deben lidiar con un deseo indomesticado y en constante conflicto con sus padres en medio de la convulsa vida urbana en San José. Su segundo largometraje, Siempre soy tu animal materno, se estrenó recientemente en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y fue reconocido con el Premio a Mejor Actriz para su reparto femenino.
Por otro lado, Simón Mesa Soto es un guionista y director colombiano. Tras obtener la Palma de Oro por su cortometraje Leidi en 2014, todas sus películas se han presentado en el Festival de Cannes. Su ópera prima, Amparo, obtuvo el Premio de la Fundación Louis Roederer a Actriz Revelación de la Semana de la Crítica en 2021, y en 2025 consiguió el Premio Especial del Jurado de la sección Una cierta mirada por la comedia Un poeta, su segundo largometraje.
Su cine, que inicialmente desarrollaba esquemas formales y narrativos austeros, recientemente ha explorado un estilo mordaz, musical y dinámico, a través del cual sigue ocupándose de temas como la maternidad y la paternidad en Medellín. Tras un exitoso paso por las salas colombianas y festivales de cine en San Sebastián, Toronto, Munich y Montréal, la productora Saïd Ben Saïd prepara un remake en inglés de Un poeta dirigido por el estadounidense Nathan Silver.
Valentina y Simón se reúnen aquí para hablar de las particulares condiciones en que es posible ser artista en Latinoamérica y de la necesidad de establecer un diálogo con un público cada vez más amplio a través de sus películas.
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Ir al fuego: Fernando Bascuñán + Jerónimo Quevedo
En este episodio, se habla de la ambición y la intuición como signos de la vitalidad del cine contemporáneo.Jerónimo Quevedo es productor argentino y fundador de UN PUMA, empresa con la que ha producido más de …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la ambición y la intuición como signos de la vitalidad del cine contemporáneo.
Jerónimo Quevedo es productor argentino y fundador de UN PUMA, empresa con la que ha producido más de veinte títulos entre cortos, medios y largos de ficción, documental y cine experimental. Ha trabajado con reconocidos y nóveles directores de Latinoamérica y Europa como Martín Rejtman, Teddy Williams, Affonso Uchoa, Konstantina Kotzamani, Ico Costa y Thomas Woodroffe.
Su filmografía se ha caracterizado por llevar a cabo proyectos con grandes riesgos artísticos y una fuerte impronta autoral, consiguiendo renovar los caminos del cine latinoamericano con obras como El auge del humano, de Teddy Williams; Esquí, de Manque La Banca, y Adiós entusiasmo, de Vladimir Durán. Sus películas se han presentado y han sido reconocidas en escenarios como Cannes, Locarno, San Sebastián, Berlín y Venecia. Actualmente, también hace parte del equipo organizador de la acción política Fuera de Campo: Encuentro de cine argentino, inaugurada en 2024 en Mar del Plata.
Por otro lado, Fernando Bascuñán es un productor de Chile, fundador de PLANTA, compañía con la que recientemente estrenó en la Quincena de Cineastas de Cannes La libertad doble, de Lisandro Alonso, y La perra, de Dominga Sotomayor. Este mismo año también obtuvo la Palma de Oro por el cortometraje documental Para los contrincantes, dirigido por Federico Luis.
Su trabajo se ha centrado en el desarrollo de coproducciones multilaterales de gran envergadura entre Latinoamérica y Europa, que han permitido una gran proyección internacional del cine de autor hecho en el continente. Entre otros trabajos, también ha producido Simón de la montaña, de Federico Luis, ganador del Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes en 2024; La práctica, de Martín Rejtman, y Los colonos, de Felipe Gálvez, Premio FIPRESCI de la sección Una cierta mirada de Cannes en 2023. Entre 2020 y 2025 fue director ejecutivo del Festival Internacional de Documentales de Santiago-FIDOCS.
Jerónimo y Fernando se reúnen aquí para hablar de proyectos comunes en los que han trabajado con autores de referencia en Latinoamérica, así como de la responsabilidad de multiplicar los espacios de exhibición para el cine que les interesa producir.
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Trailer | Temporada 11
Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y …
Notes de l’épisode
Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.
Conversaciones profundas entre colegas, en un espacio donde se habla con total libertad.
Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine.
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No poner el cine antes que la vida: Clarisa Navas + Mercedes Gaviria
En este episodio, se habla del tiempo que necesita un vínculo para construirse en el cine y de la escucha como un acto de generosidad y responsabilidad. Clarisa Navas es una directora y guionista argentina de …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del tiempo que necesita un vínculo para construirse en el cine y de la escucha como un acto de generosidad y responsabilidad.
Clarisa Navas es una directora y guionista argentina de la ciudad de Corrientes. Tras dirigir algunas series documentales para televisión, obtuvo reconocimiento internacional por sus dos largometrajes de ficción: Hoy partido a las 3 y Las Mil y una, películas seleccionadas en festivales como BAFICI, Biarritz, Berlinale, Jeonju, Valdivia, La Habana y San Sebastián, donde obtuvo el Premio Sebastiane Latino, que reconoce las mejores películas LGTBIQ de Latinoamérica.
Su filmografía ha estado atravesada por una mirada de clase y de género, así como procesos de creación colectiva que conciben el cine como una expresión y una experiencia popular. En 2025, su documental El príncipe de Nanawa se estrenó en la Competencia Internacional de Visions du Réel, donde obtuvo el Gran Premio de la sección. Allí, Navas retrata el vínculo que construye con su protagonista a lo largo de una década, al tiempo que expone las condiciones sociales que configuran su vida y la de su familia en la frontera de Argentina con Paraguay.
Por otro lado, Mercedes Gaviria es una diseñadora de sonido y directora colombiana, residente en Buenos Aires. Como sonidista ha colaborado en películas experimentales, documentales y de ficción de importantes directores de Latinoamérica como Nicolás Pereda, Albertina Carri, Matías Piñeiro, Luis Ospina, Jerónimo Atehortúa y Carolina Moscoso. En 2020, estrenó en la sección Burning Lights de Visions du Réel su ópera prima, Como el cielo después de llover, documental en el que revisa de manera crítica y emotiva una tradición familiar y cinematográfica como una manera de encontrar la suya propia. Con este trabajo también recibió reconocimientos en los festivales de Gijón, Mar del Plata y Cali.
Clarisa y Mercedes se reúnen aquí para hablar del cine como una experiencia intermitente, que, muchas veces, hace difícil discernir entre las películas y la vida misma.
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Elogio de lo inútil: Inés Bortagaray + Katya Adaui
En este episodio, se habla del pensamiento cinematográfico que puede comprender la escritura.Inés Bortagaray es una escritora y guionista uruguaya con una trayectoria de casi dos décadas en el cine. Ha …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del pensamiento cinematográfico que puede comprender la escritura.
Inés Bortagaray es una escritora y guionista uruguaya con una trayectoria de casi dos décadas en el cine. Ha colaborado con importantes directores de Latinoamérica como Ana Katz, Karim Aïnouz, Maite Alberdi y Dominga Sotomayor. En su obra se ha interesado por explorar vínculos afectivos intensos, personajes femeninos complejos y la riqueza narrativa de eventos mínimos. En 2016, obtuvo el Premio al Mejor Guion Internacional en Sundance por el largometraje Mi amiga del parque, de Ana Katz. En los últimos años, ha adaptado para cine obras literarias, que han conseguido gran reconocimiento en festivales: La vida invisible de Eurídice Gusmão, de Martha Batalha, ganadora del premio Una cierta mirada de Cannes en 2019; El lugar de la otra, inspirada en Las homicidas, de Alia Trabucco Zerán, que compitió en el Festival de San Sebastián en 2024, y La perra, de Pilar Quintana, recientemente estrenada en la Quincena de Cineastas de Cannes 2026.
Por otro lado, Katya Adaui es una escritora peruana, autora de libros de cuentos y novelas como Aquí hay icebergs, Quiénes somos ahora, Un nombre para tu isla y Nunca sabré lo que entiendo. Su literatura se ha caracterizado por enrarecer los espacios domésticos, cuestionar la institución de la familia, crear atmósferas palpablemente incómodas y hacer uso de un lenguaje austero, pero preciso y visceral. En 2023, recibió el Premio Nacional de Literatura de Perú por su libro de cuentos Geografía de la oscuridad, una de las obras mejor valoradas por la crítica en España y Latinoamérica en 2021.
Inés y Katya se reúnen aquí para hablar del lugar del cine en su despertar literario y de la reescritura como una etapa reveladora en sus procesos creativos.
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Variación y dispersión: Teresa Sánchez + María Villar
En este episodio, se habla de la actuación como una fantasía que posibilita que cualquier cosa pueda suceder en escena. Teresa Sánchez es una actriz mexicana con una trayectoria de más de cuarenta años, y hoy …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la actuación como una fantasía que posibilita que cualquier cosa pueda suceder en escena.
Teresa Sánchez es una actriz mexicana con una trayectoria de más de cuarenta años, y hoy es una de las figuras más reconocidas del cine latinoamericano e independiente, gracias, especialmente, a su colaboración con Nicolás Pereda. Juntos han colaborado en una decena de películas, como Los mejores temas, Minotauro, Fauna, Lázaro de noche y más recientemente Lo demás es ruido, estrenada en el Forum de la Berlinale 2026 y premiada en el Festival de Cartagena con el Premio a la Mejor Película Iberoamericana y el Premio a la Mejor Actriz, y en el BAFICI como Mejor Película de la Competencia Vanguardia y Género.
Sánchez se ha caracterizado por una interpretación sobria y naturalista, que la han hecho participar de entrañables relatos íntimos como Dos estaciones, de Juan Pablo González, y por el cual consiguió el Premio a Mejor Actriz del Festival de Sundance en 2023. También ha colaborado con directores como Lila Avilés, Kim Torres y Fernando Eimbcke, cuya película Moscas hizo parte de la Competencia Oficial de la Berlinale en 2026 y obtuvo el Premio del Jurado Ecuménico.
Por otro lado, María Villar es una actriz de Argentina que se ha destacado en el cine independiente de su país, por su estrecha colaboración con Matías Piñeiro y su trabajo con El Pampero Cine. Ha protagonizado películas como Viola, La princesa de Francia, Hermia & Helena e Isabella, presentadas en los festivales de Berlín, Locarno y BAFICI. En varias de ellas, su trabajo parte de un diálogo con distintas obras de William Shakespeare y una lúdica exploración de la palabra y la actuación. También ha colaborado con directores como Alejo Moguillansky, Matías Szulanski y Mariano Llinás. En 2025, debutó como directora con el cortometraje de ficción El día interrumpido, premiado en la Competencia Internacional del BAFICI.
Teresa y María se reúnen aquí para hablar de dos largas relaciones de colaboración en el cine, y de la dispersión y la confianza como la base esencial para su oficio actoral.
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Una forma de amar: Alonso Ruizpalacios + Gabriela Cabezón Cámara
En este episodio se habla de la tradición literaria y cinematográfica como fuente de inspiración y diálogos posibles.Alonso Ruizpalacios es un director y guionista mexicano, cuya carrera comenzó en el teatro …
Notes de l’épisode
En este episodio se habla de la tradición literaria y cinematográfica como fuente de inspiración y diálogos posibles.
Alonso Ruizpalacios es un director y guionista mexicano, cuya carrera comenzó en el teatro. En 2014, su ópera prima Güeros obtuvo el premio a Mejor Ópera Prima en la Berlinale, lo que lo posicionó como uno de los autores más prometedores de su generación. Sus siguientes películas, Museo y Una película de policías, hicieron parte de la competencia oficial de la Berlinale y consiguieron el Oso de Plata al Mejor Guion y el Oso de Plata a la mejor contribución artística, respectivamente. Reconocido por combinar una experimentación formal e ingeniosas narrativas con una crítica social, Ruizpalacios es hoy una de las voces más importantes del cine latinoamericano. Su más reciente largometraje, La cocina, protagonizado por Raúl Briones y Rooney Mara, compitió en la Berlinale 2024 y luego fue seleccionado en los festivales de cine de Londres, SEMINCI y Morelia.
Por otro lado, Gabriela Cabezón Cámara es una escritora y periodista argentina, reconocida por una voz politizada que ha explorado la historia de su país desde perspectivas no convencionales. Con su novela Las aventuras de la China Iron alcanzó un gran reconocimiento internacional al ser finalista del Premio Booker Internacional en 2020. También es autora de las novelas La Virgen Cabeza y Romance de la Negra Rubia. En su más reciente trabajo, Las niñas del naranjel, habla de la violencia de la conquista y las voces silenciadas en la colonia a través de un lenguaje barroco, poético y experimental. Por esta obra recibió en 2024 el Premio Sor Juana Inés de la Cruz, uno de los reconocimientos más importantes para la literatura escrita por mujeres en español.
Alonso y Gabriela se reúnen aquí para hablar de la musicalidad de las formas y las palabras, así como de sus imbricados procesos de investigación y creación de sus obras.
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Una familia elegida: David Pablos + Diego Céspedes
En este episodio, se habla del trabajo con actores como la construcción de una nueva familia y un escenario lúdico de experimentación y goce.David Pablos es un reconocido director y guionista mexicano que, a lo …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del trabajo con actores como la construcción de una nueva familia y un escenario lúdico de experimentación y goce.
David Pablos es un reconocido director y guionista mexicano que, a lo largo de casi veinte años, ha explorado los campos de la ficción y el documental. La paternidad, los vínculos filiales y la historia de México han atravesado en buena medida su filmografía. En 2013, su ópera prima La vida después hizo parte de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, y doce años más tarde su quinto largometraje, En el camino, obtuvo el León a Mejor Película de esta misma sección. Con una cinematografía estilizada y escenas sexuales explícitas, Pablos retrata la ternura y los vínculos románticos que pueden emerger entre los hombres en contextos hostiles y de violencia.
Por otro lado, Diego Céspedes es un director y guionista de Chile. Sus primeros cortometrajes El verano del león eléctrico y Las criaturas se derriten bajo el sol se estrenaron en el Festival de Cannes, y lo consolidaron rápidamente como una de las voces más prometedoras del cine de su país. A través de narraciones realistas que integran elementos fantásticos y donde predominan los puntos de vista de personajes infantiles para abordar temas complejos, como la transfobia y la epidemia del sida, Céspedes ha creado un estilo propio y comprometido políticamente. En 2025, su ópera prima, La misteriosa mirada del flamenco, obtuvo el Premio Una cierta mirada del Festival de Cannes, el Premio Sebastiane Latino del Festival de San Sebastián y una nominación a los Premios Goya, entre muchos otros reconocimientos.
David y Diego se reúnen aquí para hablar de la resistencia que aún existe en la industria cinematográfica de Latinoamérica para las historias LGTBIQ+, y de sus vínculos personales con sus más recientes películas.
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No importan las películas perfectas: Marisa Fernández Armenteros + Benjamín Domenech
En este episodio, se habla de la producción de cine como un aprendizaje continuo en el que se requiere intuición, arrojo y curiosidad. Marisa Fernández Armenteros es una productora española con más de veinte …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la producción de cine como un aprendizaje continuo en el que se requiere intuición, arrojo y curiosidad.
Marisa Fernández Armenteros es una productora española con más de veinte años de experiencia. Inició su carrera en The Mediapro Studio, donde produjo títulos memorables como El buen patrón, de Fernando León de Aranoa; Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen, y El botón de nácar, de Patricio Guzmán. Antes de lanzar su propia productora, Fernández Armenteros coprodujo el galardonado documental El agente topo, de la directora chilena Maite Alberdi, nominado al Óscar a Mejor Documental en 2021. Tras fundar Buenapinta en 2022, Fernández Armenteros ha cultivado una estrecha colaboración con dos de las más importantes directoras del cine español contemporáneo: Isabel Coixet y Alauda Ruiz de Azúa. Con ellas ha trabajado en las películas Cinco lobitos, Un amor, Tres adioses y Los domingos, presentadas en los festivales de San Sebastián, Toronto y Berlín, y esta última ganadora del Goya a Mejor Película y otras cuatro estatuillas en 2026.
Por otro lado, Benjamín Domenech es un reconocido productor de cine de Argentina. Es uno de los fundadores de Rei Cine, empresa que a lo largo de quince años ha sido una pieza fundamental para el cine independiente de su país. Desde hace diez años colabora con la cineasta Lucrecia Martel en proyectos de largometraje y cortometraje de ficción y documental. Zama, Terminal Norte, Camarera de piso y más recientemente Nuestra tierra, se han presentado en los festivales de Venecia, Berlín, San Sebastián, Londres y Nueva York. Asimismo, ha colaborado con otros directores de Latinoamérica como Felipe Gálvez, Luis Ortega, Laura Amelia Guzmán, Israel Cárdenas, Anita Rocha da Silveira, Benjamín Naishtat y Marcela Said.
Marisa y Benjamín se reúnen aquí para hablar de la crisis como un estado permanente del cine independiente, y que, sin embargo, encuentra en esa economía de recursos una libertad editorial genuina.
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Trailer | Temporada 10
Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y …
Notes de l’épisode
Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.
Conversaciones profundas entre colegas, en un espacio donde se habla con total libertad.
Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine.
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Un lugar donde instalarse: Milagros Mumenthaler + Jonás Trueba
En este episodio, se habla del tiempo que requieren las películas para decantarse y encontrar su forma adecuada.Milagros Mumenthaler es una directora y guionista argentina cuya vida ha transcurrido desde muy …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del tiempo que requieren las películas para decantarse y encontrar su forma adecuada.
Milagros Mumenthaler es una directora y guionista argentina cuya vida ha transcurrido desde muy joven entre Ginebra y Buenos Aires. Su ópera prima, Abrir puertas y ventanas, se estrenó en 2011 en el Festival de Locarno, donde obtuvo el Leopardo de Oro a Mejor Película, el Premio a la Mejor Actriz y el Premio de la Crítica FIPRESCI, catapultándola así como una de las voces más interesantes del cine argentino más reciente.
En 2016 regresó a Locarno con su segundo largometraje La idea de un lago. En 2025 estrenó Las corrientes, seleccionado en los festivales de Toronto, Nueva York y la Competencia Oficial de San Sebastián, donde obtuvo el premio Otra mirada RTVE. Sus ficciones se han caracterizado por un tono intimista e inquietantes atmósferas emocionales.
Por otro lado, Jonás Trueba es un director español que ha cosechado en 15 años una filmografía de ocho largometrajes. Mediante el trabajo con un crew y un reparto más o menos constantes, ha creado un cálido universo de personajes y escenarios en los que las relaciones humanas, la literatura, la filosofía y el cine mismo ocupan un lugar central.
Ha dirigido películas como Todas las canciones hablan de mí, La reconquista, La virgen de agosto, el documental Quién lo impide y más recientemente Volveréis, obras seleccionadas en festivales como San Sebastián, Gijón, Karlovy Vary y la Quincena de Cineastas de Cannes, donde obtuvo el Premio a la Mejor Película Europea.
Milagros y Jonás se reúnen aquí para hablar de la posibilidad de rebelarse contra los antagonismos y los conflictos como imperativos de la ficción.
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Un lenguaje contemporáneo: Valeria Hofmann + Gala Hernández López
En este episodio, se habla de la manera en que el cine puede representar las dinámicas digitales y señalar las violencias que en ocasiones estas reproducen.Valeria Hofmann es una directora y guionista de Chile …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la manera en que el cine puede representar las dinámicas digitales y señalar las violencias que en ocasiones estas reproducen.
Valeria Hofmann es una directora y guionista de Chile. Su trayectoria comienza como miembro del colectivo documental Mapa Fílmico de un País-MAFI, con el cual realizó los largometrajes Propaganda, Dios y Oasis, presentados en Visions du Réel y la Berlinale.
En 2017 se une como guionista al proyecto Volver a casa, de Catalina Alarcón, cuyo componente de realidad virtual se estrenó en la competencia inmersiva del IDFA. En 2023 estrena como directora su cortometraje Alien0089 en el Festival de Sundance, donde obtiene el Premio Especial del Jurado de la sección Midnight. Desde entonces, este trabajo, en el que explora la violencia y el hostigamiento en la comunidad gamer, ha conseguido importantes reconocimientos en festivales como Clermont-Ferrand, Montréal, Guanajuato y Praga.
Por otro lado, Gala Hernández López es una artista, investigadora y directora de cine de España. A través de cortometrajes, performances y publicaciones ha examinado los imaginarios y las narrativas que circulan en las comunidades virtuales, así como las ficciones compartidas que el entorno digital ha inspirado en nuestro inconsciente colectivo. Entre 2022 y 2025 realizó una trilogía de obras experimentales y documentales alrededor de las subjetividades masculinas inmersas y permeadas por las ideas de la comunidad incel y las criptomonedas. "La mecánica de los fluidos", "For here am i sitting in a tin can far above the world" y "+10K" han sido seleccionados en escenarios como la Quincena de Cineastas de Cannes, la Berlinale, DOk Leipzig, IDFA y Clermont-Ferrand.
Valeria y Gala se reúnen aquí para hablar de sus trabajos como ensayos en los que el cine dialoga con la contemporaneidad tecnológica y las posibilidades expresivas del lenguaje y los medios virtuales.
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Esconder nuestros dioses: Iván Fund + Fernanda Valadez
En este episodio, se habla de la urgencia y la alegría como motivaciones esenciales para hacer cine.Iván Fund es un cineasta argentino cuya obra abarca cerca de diez largometrajes como director, pero también …
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En este episodio, se habla de la urgencia y la alegría como motivaciones esenciales para hacer cine.
Iván Fund es un cineasta argentino cuya obra abarca cerca de diez largometrajes como director, pero también otros más como montajista y director de fotografía. En sus ficciones más recientes se ha propuesto explorar dramas con tintes fantásticos a partir de esquemas narrativos y de producción acotados, en los que los vínculos familiares y la infancia ocupan un lugar central. Codirigió con Santiago Loza el largometraje Los labios, estrenado en 2010 en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes y ganador del Premio a la Mejor Actriz. Recientemente, obtuvo el Premio del Jurado de la Competencia Oficial de la Berlinale con El mensaje, película seleccionada en los festivales de San Sebastián, Jeonju y Beijing.
Por otro lado, Fernanda Valadez es una cineasta mexicana con experiencia en la dirección y producción de ficciones y documentales. Es reconocida internacionalmente por su exitosa ópera prima, Sin señas particulares, galardonada en el festival de Sundance con el Premio del Público y Mejor Guion, así como el Premio Horizontes Latinoas de San Sebastián. Asimismo, con esta película consiguió nueve estatuillas en los Premios Ariel 2021. Su más reciente largometraje, Sujo, codirigido con Astrid Rondero, obtuvo el Gran Premio del Jurado de Sundance, se presentó en los festivales de Berlín y San Sebastián, y obtuvo el Ariel a Mejor Película en 2025. Su obra se ha caracterizado por un fuerte compromiso político que la ha llevado a hablar con gran realismo de la violencia en su país, sin dejar de ofrecer un horizonte de esperanza para los personajes y las comunidades que retrata.
Iván y Fernanda se reúnen aquí para hablar de la importancia de conservar en cualquier esquema de producción la capacidad necesaria para observar atentamente la vida y hacer que esta pueda emerger en sus películas.
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Deseos cruzados: Isabel Coixet + Ariana Harwicz
En este episodio, se habla de la literatura y el cine como maneras de fagocitar la vida y poner en escena la realidad. Isabel Coixet es una directora y guionista española, la más prolífica de su país …
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En este episodio, se habla de la literatura y el cine como maneras de fagocitar la vida y poner en escena la realidad.
Isabel Coixet es una directora y guionista española, la más prolífica de su país actualmente. Su filmografía, desarrollada a lo largo de tres décadas y compuesta por casi una treintena de títulos, ha comprendido desde el comienzo distintos géneros cinematográficos, guiones propios y adaptaciones de numerosas novelas, así como lenguas y geografías muy diversas. Con frecuencia, complejos personajes femeninos ocupan el centro de sus historias y algunos han sido interpretados por reconocidas actrices como Patricia Clarkson, Juliette Binoche, Laia Costa y Alba Rohrwacher. Coixet ha rodado en países como Italia, Francia, Estados Unidos, Japón, Irlanda del Norte, Noruega y Bulgaria. Sus películas se han presentado en los festivales de Cannes, Berlín, Toronto, San Sebastián y Tokio, entre muchos otros, y hoy es la directora más galardonada en la historia de los Premios Goya. Su más reciente largometraje, Three Goodbyes, se estrenó en el Festival de Toronto.
Por otro lado, Ariana Harwicz es una escritora argentina radicada en Francia hace dos décadas. Desde allí ha desarrollado una obra literaria que comenzó con la exitosa recepción de su primera novela Mátate amor, por la cual ha recibido grandes reconocimientos y nominaciones internacionales como el Premio Konex de Argentina en 2024, el Internationaler Literaturpreis de Alemania en 2019 y ser finalista del Man Booker International en 2018. Es autora de dos libros de ensayos y cinco novelas, tres de las cuales fueron reunidas por Anagrama en un mismo libro con el título Trilogía de la pasión. En ellas sobresalen protagonistas impredecibles, muchas veces insatisfechas con las normas sociales y de temperamento volátil, así como un lenguaje poético y visceral con el que ha abordado temas como la depresión postparto, la pedofilia y el incesto. Recientemente, su primera novela fue adaptada al cine por la directora escocesa Lynne Ramsay: Die, My Love es protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert Pattinson y se estrenó en la Competencia Oficial del Festival de Cannes 2025.
Isabel y Ariana se reúnen aquí para cuestionar las formas en que públicamente se vincula a un autor con su obra y para hablar de la necesidad de sustraerse de la vida para crear.
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Esculpir la memoria: Paula Gaitán + Ximena Cuevas
En este episodio, se habla de un cine lleno de gestos y memorias personales: una relación plástica y experimental con la imagen y el sonido. Paula Gaitán es poeta, artista visual, fotógrafa y cineasta. Nació en …
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En este episodio, se habla de un cine lleno de gestos y memorias personales: una relación plástica y experimental con la imagen y el sonido.
Paula Gaitán es poeta, artista visual, fotógrafa y cineasta. Nació en París, pero su vida y su obra se han desarrollado principalmente entre Colombia y Brasil, país donde reside desde hace casi cincuenta años. Fue directora de arte de La edad de la Tierra, última película dirigida por Glauber Rocha antes de su muerte en 1981. En 1987 dirigió su primer largometraje, Uaka, y desde entonces como autora ha cultivado una filmografía que transita entre el documental, la ficción y el ensayo, y que hoy comprende más de una decena de títulos. Sus películas se han presentado en los festivales de Viena, Berlín, Tribeca, Lisboa y Curitiba, y en los últimos años el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, la Cinemateca de Bogotá, la Doc Alliance y el FICUNAM han organizado amplias retrospectivas de su trabajo.
Por otro lado, Ximena Cuevas es una artista y montajista mexicana, pionera y principal referente del videoarte en su país. Parte de su videografía forma parte de las colecciones permanentes del MoMA de Nueva York y el Centro Pompidou de París. En su obra —de carácter performático, contestatario y profundamente personal— ha explorado las relaciones entre la ficción y la realidad, así como el consumo de imágenes mediáticas, televisivas y cinematográficas. Colaboró inicialmente con directores como Arturo Ripstein y John Houston, y más recientemente ha sido montajista de películas como Bellas de noche, de María José Cuevas, y Esto no es Berlín, de Hari Sama, estrenadas en los festivales de Toronto y Sundance, respectivamente.
Paula y Ximena se reúnen aquí para hablar de sus herencias artísticas y de sus procesos creativos como una aproximación física y personal al material con que trabajan.
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Silencio y caos: Lisandro Alonso + Luis Ortega
En este episodio, se habla de dos posibilidades poéticas en la creación cinematográfica contemporánea: una mirada contemplativa y otra explosiva. Lisandro Alonso es una de las figuras más relevantes del llamado …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de dos posibilidades poéticas en la creación cinematográfica contemporánea: una mirada contemplativa y otra explosiva.
Lisandro Alonso es una de las figuras más relevantes del llamado Nuevo Cine Argentino. Con una impronta naturalista que echa mano de recursos del lenguaje documental, su filmografía ha retratado de manera intimista paisajes rurales y urbanos, así como personajes con una presencia inquietante envueltos en atmósferas llenas de misterio.
Todos sus largometrajes han sido seleccionados en diferentes apartados del Festival de Cannes. Su ópera prima, La libertad, se presentó en Una cierta mirada en 2001, y a esta misma sección regresó en 2014 con su quinto largometraje, Jauja, protagonizado por Viggo Mortensen y con el cual obtuvo el premio principal de esta competencia. En la Quincena de Cineastas presentó Los muertos, Fantasma y Liverpool, y más recientemente estrenó Eureka en la sección Cannes Premieres, un tríptico con tintes fantásticos en torno a distintas representaciones de las comunidades indígenas en el cine
Por otro lado, Luis Ortega también es un director y guionista de Argentina, cuya filmografía se ha caracterizado por un decidido interés en retratar personajes al margen de las normas sociales y un estilo indócil, que lo han llevado a crear ficciones con imágenes y situaciones pesadillescas, fantásticas, absurdas y surrealistas. A la edad de 19 años dirigió su ópera prima Caja negra y desde entonces ha sido un prolífico director que ha presentado sus películas en escenarios como la Semana de la Crítica de Cannes, Locarno, Toronto y San Sebastián. En los últimos años, presentó con gran éxito El ángel como parte de la sección Una cierta mirada de Cannes y El jockey como parte de la Competencia Oficial de Venecia. Recientemente, estrenó el mediometraje Siempre es de noche, en la sección Tabakalera del Festival de San Sebastián.
Lisandro y Luis se reúnen aquí para hablar del ruido que hoy perturba sus propios procesos creativos, pero también de las motivaciones que aún los siguen inspirando.
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Trailer | Temporada 9
Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y …
Notes de l’épisode
Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.
Conversaciones profundas entre colegas, en un espacio donde se habla con total libertad.
Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine.
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Especial Cannes 2025. Oliver Laxe: Sirât
En este episodio, se habla del cine como un ritual. Oliver Laxe es un director, guionista y actor español, nacido en París. En 2011, su ópera prima Todos vosotros sois capitanes se estrenó en la Quincena de …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del cine como un ritual.
Oliver Laxe es un director, guionista y actor español, nacido en París. En 2011, su ópera prima Todos vosotros sois capitanes se estrenó en la Quincena de Realizadores y desde entonces todos sus trabajos han sido estrenados y premiados en Cannes: Mimosas obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica, Lo que arde ganó el Premio del Jurado de la sección Una cierta mirada y, en la más reciente edición del festival, consiguió el Premio del Jurado de la competencia oficial por su cuarto largometraje, Sirāt.
En su filmografía, rodada entre Galicia y Marruecos, ha explorado un carácter metafísico y espiritual del cine que invoca con frecuencia un vínculo sensible y profundo entre sus personajes y los elementos de la naturaleza que los rodean.
En entrevista con la programadora italiana Eva Sangiorgi, Oliver habla de las experiencias musicales y vitales que inspiraron Sirāt, así como de su proceso de escritura con el guionista argentino Santiago Fillol.
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El cine es un lenguaje universal: Rui Poças + Rachel Daisy Ellis
En este episodio, se habla del puente que representan para Latinoamérica y Europa las cinematografías de Brasil y Portugal.Rui Poças es un director de fotografía portugués reconocido internacionalmente por su …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del puente que representan para Latinoamérica y Europa las cinematografías de Brasil y Portugal.
Rui Poças es un director de fotografía portugués reconocido internacionalmente por su larga y estrecha colaboración con dos figuras esenciales del cine contemporáneo de su país: Miguel Gomes y João Pedro Rodrigues. Después de trabajar en sus óperas primas, La cara que mereces y El fantasma, Poças ha fotografiado películas como Aquel querido mes de agosto, Tabú, El ornitólogo, Fogo-fátuo y más recientemente Grand Tour, ganadora del Premio a Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2024.
Asimismo, ha colaborado en obras recientes de importantes autores de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos como Zama, de Lucrecia Martel; As boãs maneiras, de Juliana Rojas y Marco Dutra; Frankie, de Ira Sachs, y O corno, de Jaione Camborda.
Por otro lado, Rachel Daisy Ellis es una productora que nació en Inglaterra y migró a Brasil en 2004. Desde hace diez años ha cultivado una estrecha relación como productora y guionista con el director Gabriel Mascaro, con quien ha realizado los largometrajes Vientos de agosto, Boi neon y Divino amor, estrenados en festivales como Locarno, Venecia, Sundance, Toronto y Rotterdam. En los últimos años también ha coproducido otras importantes obras del cine latinoamericano como Noches de fuego, de Tatiana Huezo; Pornomelancolía, de Manuel Abramovich, y Rojo, de Benjamín Naishtat. En 2025 estrenó en la Berlinale O último azul, de Gabriel Mascaro, una fábula de ciencia ficción con la que obtuvieron el Gran Premio del Jurado y el Premio del Jurado Ecuménico de la Competencia Oficial.
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El cine no es dinero: Paz Fábrega + Julio Hernández Cordón
En este episodio, se habla de las películas pequeñas como un espacio de libertad autoral y espontaneidad. Paz Fábrega es una directora y guionista de Costa Rica. Su reconocimiento internacional comenzó con su …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de las películas pequeñas como un espacio de libertad autoral y espontaneidad.
Paz Fábrega es una directora y guionista de Costa Rica. Su reconocimiento internacional comenzó con su ópera prima Agua fría de mar, estrenada en 2010 en Rotterdam, con la que obtuvo el Tiger Award de la competencia oficial. Su filmografía se ha caracterizado por retratar los dilemas morales de personajes femeninos que se enfrentan con temas como la maternidad, la sexualidad y el amor fuera de cualquier convención. También dirigió los largometrajes Viaje y Aurora, ficciones seleccionadas en los festivales de Tribeca, San Sebastián, Karlovy Vary y Mar del Plata.
Por otro lado, Julio Hernández Cordón es un director que nació en Estados Unidos y creció entre Guatemala, Costa Rica y México. A lo largo de más de quince años ha desarrollado en estos tres países una filmografía ecléctica compuesta por casi una decena de largometrajes y algunos cortometrajes. En sus trabajos ha explorado, a través del realismo y la fantasía, temas como la juventud, la violencia y la paternidad. Su ópera prima, Gasolina, obtuvo el premio Horizontes Latinos del festival de San Sebastián en 2008, y desde entonces ha presentado sus películas en escenarios como Locarno, Toronto, Rotterdam, FIDMarseille y la Quincena de Cineastas de Cannes. Algunas de sus películas son Las marimbas del infierno, Te prometo anarquía, Cómprame un revólver y El día es largo y oscuro.
Paz y Julio se reúnen aquí para hablar de los procesos creativos de sus óperas primas y del particular vínculo de solidaridad y entendimiento que han buscado cultivar con los actores no profesionales de cada una de sus películas.
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Un terror cíclico | Laura Casabé + María Fernanda Ampuero
En este episodio, se habla del cine de terror como la expresión de profundos traumas sociales y una forma de liberación.Laura Casabé es una directora argentina cuyas películas han representado un importante …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del cine de terror como la expresión de profundos traumas sociales y una forma de liberación.
Laura Casabé es una directora argentina cuyas películas han representado un importante hito para el cine de terror de su país. Ha dirigido los largometrajes La valija de Benavidez y Los que vuelven, presentados en escenarios como Rotterdam, SITGES, Guadalajara y Mar del Plata. En ellos ha creado universos en los que la violencia y el misterio son esenciales para la formulación de una crítica social. En 2025 estrenó su cuarto largometraje, La virgen de la tosquera. Con esta adaptación cinematográfica de algunos cuentos de la reconocida autora Mariana Enríquez, fue seleccionada en el festival de Sundance y obtuvo el Premio a Mejor Película de la Competencia Argentina de la más reciente edición del BAFICI.
Por otro lado, María Fernanda Ampuero es una escritora y periodista de Ecuador. Su primer libro de cuentos, Pelea de gallos, la situó en 2018 como una de las voces más interesantes de la literatura latinoamericana contemporánea. A través de una narrativa visceral y rabiosa, Ampuero ha explorado temas como la violencia de género, la xenofobia y los conflictos familiares. También ha publicado los libros de crónicas Lo que aprendí en la peluquería y Permiso de residencia, y más recientemente los libros de cuentos y ensayos Sacrificios humanos y Visceral.
Laura y María Fernanda se reúnen aquí para hablar de una larga tradición cinematográfica y literaria de terror de la que hoy se han apropiado las artistas latinoamericanas para hablar de sus experiencias más cotidianas.
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Una mirada recíproca: Ana Vaz + Jessica Sarah Rinland
En este episodio, se habla del cine como una práctica en la que el ser humano ha reproducido una forma problemática de relacionarse con el mundo. Ana Vaz es una académica, artista, cineasta y curadora de …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del cine como una práctica en la que el ser humano ha reproducido una forma problemática de relacionarse con el mundo.
Ana Vaz es una académica, artista, cineasta y curadora de Brasil. Ha dirigido una decena de cortometrajes y un largometraje, que han sido exhibidos en festivales, cinematecas y centros de arte de ciudades como Berlín, Rotterdam, Tokio, Toronto, Londres, San Sebastián y São Paulo, entre otras. Vaz es fundadora del colectivo COYOTE, un grupo interdisciplinar que trabaja entre la ecología y la ciencia política a través de formatos conceptuales y experimentales. Su obra da cuenta de las consecuencias ecológicas, políticas y sociales que han provocado las diferentes formas del colonialismo en diversos territorios, poblaciones y formas de vida no humana. Su ópera prima, Es noche en América, obtuvo una Mención Especial en la sección Cineastas del Presente del Festival de Locarno.
Por su parte, Jessica Sarah Rinland es una artista, cineasta y directora de fotografía argentina-británica. De su trabajo se han organizado retrospectivas en el Anthology Film Archives, Open City Documentary Film Festival, Curtocircuito y el Flaherty Film Seminar. A través de una mirada fragmentaria y el uso de celuloide, la filmografía de Rinland ha explorado las relaciones del cine con la ciencia, la historia y la conservación. Sus dos largometrajes, A imagen y semejanza y Monólogo colectivo, se estrenaron en la sección Cineastas del presente del Festival de Locarno y luego fueron exhibidos en escenarios como Rotterdam, San Sebastián, FICUNAM, Jeonju, DOKLeipzig, Mar del Plata y el MoMA.
Ana y Jessica se reúnen aquí para hablar de las ideas políticas y ecológicas que han guiado la filmación de sus más recientes películas y de la separación artificial entre cultura y naturaleza.
Este episodio de MUBI Encuentros fue realizado con público en el marco del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias-FICCI 2025, edición en la que se ofrecieron retrospectivas de estas dos cineastas. La grabación tuvo lugar en el Patio Central del Centro de Formación de la Cooperación Española en Cartagena, Colombia.
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El cine es un juego serio | Tatiana Mazú González + Juanjo Pereira
En este episodio se habla del cine político como un espacio que permite la exploración formal. Tatiana Mazú González es una directora, montajista y directora de arte argentina. En su filmografía ha conjugado la …
Notes de l’épisode
En este episodio se habla del cine político como un espacio que permite la exploración formal.
Tatiana Mazú González es una directora, montajista y directora de arte argentina. En su filmografía ha conjugado la denuncia social y la militancia política con estrategias propias del cine experimental, desmarcándose así de categorías cinematográficas tradicionales. Entre otros trabajos, ha dirigido los largometrajes Río Turbio y Todo documento de civilización, con los que obtuvo en 2020 y 2024 el premio Georges de Beauegard de la Competencia Internacional del FIDMarseille, además de ser presentados y reconocidos en festivales como Valdivia, FICUNAM, DOCLisboa y Mar del Plata.
Por otro lado, Juanjo Pereira es un cineasta, investigador y programador de Paraguay interesado en el trabajo con archivos. Desde 2021 es director artístico y cofundador del Festival Internacional de Cine Contemporáneo de Asunción. En 2025, su ópera prima, Bajo las banderas, el sol, fue estrenada en el Panorama de la Berlinale, donde obtuvo el premio de la crítica FIPRESCI, y con ella también consiguió el premio a Mejor Película de la Competencia Internacional del BAFICI.
Tatiana y Juanjo se reúnen aquí para hablar de sus propios procesos creativos, en los que el uso de material de archivo y el diseño sonoro han sido componentes estructurales.
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La utopía de la periferia | Diana Bustamante Escobar + Julio Chavezmontes
En este episodio, se habla de la urgente necesidad de crear espacios para la exhibición de cine latinoamericano dentro del mismo continente.Diana Bustamante Escobar es una productora, programadora y directora …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la urgente necesidad de crear espacios para la exhibición de cine latinoamericano dentro del mismo continente.
Diana Bustamante Escobar es una productora, programadora y directora colombiana que ha producido algunas de las películas más relevantes de su país y de Latinoamérica en las últimas décadas. Entre 2014 y 2018, fue directora artística del Festival de Cartagena-FICCI, donde privilegió un cine de autor con arriesgadas apuestas que han renovado las ideas sobre el cine latinoamericano. A lo largo de quince años, ha producido películas como El vuelco del cangrejo, de Óscar Ruiz Navia, premio FIPRESCI de la Berlinale; La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo, ganadora de la Cámara de Oro del Festival de Cannes, y Memoria, del tailandés Apichatpong Weerasethakul, con la que obtuvo el Premio del Jurado de Cannes en 2021. En 2022, debutó como directora con el documental de archivo Nuestra película, presentado en la MIDBo, el DOCNYC, Zinebi y BAFICI, entre otros.
Por su parte, Julio Chavezmontes es un productor, guionista y distribuidor mexicano que, además de colaborar con importantes directores de su país, en los últimos años ha trabajado con grandes figuras del cine de autor a nivel global como Abel Ferrara, Leos Carax, Mia Hansen-Løve, Apichatpong Weerasethakul y Ruben Östlund, con quien ganó la Palma de Oro por su película El triángulo de la tristeza. En México ha producido obras de ficción y documental como Nuestro tiempo, de Carlos Reygadas; Tiempo compartido, de Sebastián Hofmann, y Malintzin 17, de Mara y Eugenio Polgovsky, estrenadas en los festivales de Venecia, Sundance y Rotterdam. También ha colaborado con emblemáticos directores de Latinoamérica como Paz Encina y Luis Ortega.
Diana y Julio se reúnen aquí para hablar de su labor como productores y de su interés en reclamar para el cine latinoamericano la capacidad de imaginar películas que se alejen del realismo habitual.
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Un espacio propio | Natalia Beristáin + Alice Braga
En este episodio, se habla del entrañable vínculo creativo entre directores y actores.Natalia Beristáin es una reconocida directora mexicana de cine y televisión con más de veinte años de trayectoria. También …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla del entrañable vínculo creativo entre directores y actores.
Natalia Beristáin es una reconocida directora mexicana de cine y televisión con más de veinte años de trayectoria. También ha trabajado como directora de casting en más de veinticinco producciones, entre ellas: El violín, de Francisco Vargas, 600 millas, de Gabriel Ripstein, Abel, de Diego Luna, y La jaula de oro, de Diego Quemada-Diez. En 2012, presentó en Rotterdam su ópera prima No quiero dormir sola, ganadora del Premio a Mejor Largometraje Mexicano en Morelia. También dirigió las películas Los adioses y Ruido, esta última estrenada en el Festival de San Sebastián en 2023. En su filmografía, sostenida por grandes actuaciones y personajes sensibles, ha retratado a artistas inmersas en contextos sociales y políticos que desafían su relación con el cine, la literatura y el arte.
Por otro lado, Alice Braga es una de las actrices brasileñas más reconocidas internacionalmente. Debutó en 2002 como una de las protagonistas de Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles, una obra que se ha convertido en uno de los principales referentes de la nueva ola de cine latinoamericano del siglo XXI. Su papel en la película de ciencia ficción Soy leyenda, de Francis Lawrence, le abrió las puertas a la industria norteamericana. Desde entonces ha participado en películas y series dirigidas por directores como Luca Gudagnino, Robert Rodríguez y James Gunn. También ha colaborado con directores de Latinoamérica como Walter Salles, Pablo Frendrik y Felipe Braga.
Natalia y Alice se reúnen aquí para hablar de cómo reconocieron su vocación artística y su pasión por la actuación.
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Las fisuras de la imagen | Alejandra Moffat + Juan Cárdenas
En este episodio, se habla de algunos de los problemas estéticos más importantes del cine y del arte contemporáneo.Alejandra Moffat es una guionista y escritora chilena. Ha sido coguionista de importantes …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de algunos de los problemas estéticos más importantes del cine y del arte contemporáneo.
Alejandra Moffat es una guionista y escritora chilena. Ha sido coguionista de importantes películas recientes de su país como: 1976, de Manuela Martelli; La casa lobo y Los hiperbóreos, de Joaquín Cociña y Cristóbal León, y Cuando las nubes esconden la sombra, de José Luis Torres Leiva–películas presentadas en escenarios como la Quincena de Cineastas de Cannes, la Berlinale, Jeonju y San Sebastián. Ha participado en la escritura de proyectos de cine experimental, documental y animación, en los cuales el guion se desarrolla de manera paralela a la producción. En 2022, publicó su primera novela, Mambo.
Por otro lado, Juan Cárdenas es un escritor colombiano, autor de siete novelas y dos libros de relatos como Los estratos, Zumbido, Ornamento y Elástico de sombra. En 2018, fue seleccionado como parte de Bogotá 39, del Hay Festival, y en 2019 obtuvo el Premio de Narrativa José María Arguedas por su novela El diablo de las provincias. En su obra, caracterizada por mezclar registros lingüísticos diversos, narrativa y ensayo, ha revisado de forma crítica y aguda cierta tradición artística, literaria y política de su país, para ofrecer una lectura punzante del presente. Ha traducido obras de William Faulkner, Nathaniel Hawthorne, Eça de Queirós y Machado de Assis. Su más reciente novela es Peregrino transparente.
Alejandra y Juan se reúnen aquí para hablar de su interés en el cine y de las políticas que hoy rigen el mercado cinematográfico y literario.
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Cuerpos expuestos | Gustavo Vinagre + Anahí Berneri
En este episodio, se habla de la representación del cuerpo y la sexualidad en el cine.Gustavo Vinagre es un director brasileño que en 15 años de carrera ha dirigido una veintena de cortometrajes y largometrajes …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la representación del cuerpo y la sexualidad en el cine.
Gustavo Vinagre es un director brasileño que en 15 años de carrera ha dirigido una veintena de cortometrajes y largometrajes con estilos muy distintos. Es uno de los más importantes exponentes contemporáneos del cine LGTBI de Brasil. Desde la ficción y el documental ha retratado personajes cuir con quienes ha construido obras en contra de la estigmatización del VIH, las personas trans y la homosexualidad. En 2023, su sexto largometraje, Tres tigres tristes, obtuvo el Teddy Award de la Berlinale a Mejor Largometraje de Ficción. Sus películas se han presentado en escenarios como Rotterdam, IDFA y Cinéma du Réel.
Por otro lado, Anahí Berneri es una directora argentina con veinte años de trayectoria en cine y televisión. En 2005, su ópera prima Un año sin amor se estrenó en el Panorama de la Berlinale y obtuvo el Teddy Award a Mejor Largometraje de Ficción. A esta misma sección del festival regresó con su segundo largometraje Por tu culpa. En su filmografía reciente ha retratado con gran realismo personajes femeninos que cuestionan temas como la maternidad, la abolición del trabajo sexual y la violencia de género. Ha hecho parte de la competencia oficial de San Sebastián en tres ocasiones y fue la primera directora latinoamericana en ganar la Concha de Plata a Mejor Dirección por su largometraje Alanís.
Gustavo y Anahí se reúnen aquí para hablar de su relación con la escritura y el montaje y la construcción de sus personajes.
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Editar es (re)escribir | Soledad Salfate + Alejandra Márquez Abella
En este episodio, se habla de la relación entre escritura y montaje.Soledad Salfate es una montajista chilena con 25 años de carrera y más de treinta películas editadas. Inicialmente, trabajó con Alicia …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la relación entre escritura y montaje.
Soledad Salfate es una montajista chilena con 25 años de carrera y más de treinta películas editadas. Inicialmente, trabajó con Alicia Scherson y Rodrigo Sepúlveda, y se convirtió en una frecuente colaboradora de Sebastián Lelio, de quien editó Navidad, Gloria y Una mujer fantástica, ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera. Además de trabajar con otros reconocidos directores de su país como Fernando Guzzoni, Cristián Jiménez y Alejandro Fernández Almendras, su experiencia también comprende obras de Panamá, Costa Rica, México y Colombia como: Plaza Catedral, de Abner Benaim; Delirio, de Alexandra Latishev; Pedro Páramo, de Rodrigo Prieto, y Horizonte, de César Augusto Acevedo, estas dos últimas estrenadas en el Festival de Toronto.
Por otro lado, Alejandra Márquez Abella es una directora mexicana con quince años de experiencia en cine y televisión. En 2015 presentó en Toronto su ópera prima Semana Santa, y tres años después allí mismo estrenó Las niñas bien, por la que obtuvo el Premio a Mejor Película Iberoamericana en Málaga y catorce nominaciones a los Premios Ariel. A través de su filmografía, que parte del naturalismo y ha adoptado un carácter cada vez más expresionista, ha cuestionado la superficialidad de la élite mexicana, el lugar de las mujeres en una sociedad machista y el concepto de familia. En 2023, estrenó en el Panorama de la Berlinale su tercer largometraje El norte sobre el vacío, ganador del Premio a Mejor Película Mexicana en el Festival de Morelia y en los Premios Ariel.
Soledad y Alejandra se reúnen aquí para hablar de su interés por evidenciar el artificio en sus obras y de la importancia del sonido en el proceso de edición.
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La quietud | José Luis Torres Leiva + María Aparicio
En este episodio, se habla de la relación del cine con la memoria. José Luis Torres Leiva es un director chileno con más de dos décadas de trayectoria y una de las voces más prolíficas y singulares de su país …
Notes de l’épisode
En este episodio, se habla de la relación del cine con la memoria.
José Luis Torres Leiva es un director chileno con más de dos décadas de trayectoria y una de las voces más prolíficas y singulares de su país. Entre cortometrajes, largometrajes, documentales, ficciones y trabajos híbridos, es autor de casi una veintena de obras que abordan, de forma emotiva, asuntos como el duelo, la soledad y la vida rural.
Su filmografía, de carácter melancólico y casi siempre protagonizada por personajes femeninos, ha hecho parte de las principales competencias de festivales como San Sebastián, Rotterdam y Venecia. Recientemente, estrenó en Jeonju Cuando las nubes esconden la sombra, protagonizada por María Alché.
Por otro lado, María Aparicio es una directora argentina, que en menos de diez años ha ocupado un lugar significativo en el cine de su país. Sus películas, ubicadas en contextos precisos como Córdoba o La Patagonia, son el vehículo para reflexionar sobre la palabra, el cine mismo y la vida diaria.
Ha dirigido Las calles, Sobre las nubes y Las cosas indefinidas, exhibidas y premiadas en festivales como BAFICI, Mar del Plata, Marsella, FICUNAM y Gijón.
José Luis y María se reúnen aquí para hablar de las emociones que puede provocar el cine y de la decisión de trabajar bajo pequeños esquemas de producción.
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Voici les 40 derniers épisodes sur 81. Les épisodes plus anciens se trouvent dans le flux du podcast.
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