Treffpunkt Klassik
NouveauIm Herzen sind sie Musiker: Der Landeslehrkräftechor Rheinland-Pfalz
- Épisodes
- 189
- Parution
- quotidienne
- Dernier épisode
- 13 Nov 2026
À propos du podcast
Tout tourne autour de la musique classique : dans le Treffpunkt Klassik de SWR2, nous discutons avec des artistes, rendons compte de concerts et de festivals dans la zone de diffusion, commentons l’actualité de la vie musicale et présentons de nouvelles œuvres. Sur l’ARD Audiothek : https://www.ardaudiothek.de/sendung/swr2-treffpunkt-klassik/8758432/
Épisodes 189
Im Herzen sind sie Musiker: Der Landeslehrkräftechor Rheinland-Pfalz
Blind Date im Chor Markus Detterbeck ist Leiter des Landeslehrkräftechors und weiß: Für ihr Konzert bleibt nicht viel Zeit zum Proben. Teilweise kennen sich die Sängerinnen und Sänger noch gar nicht und müssen …
Notes de l’épisode
Blind Date im Chor Markus Detterbeck ist Leiter des Landeslehrkräftechors und weiß: Für ihr Konzert bleibt nicht viel Zeit zum Proben. Teilweise kennen sich die Sängerinnen und Sänger noch gar nicht und müssen 24 Stunden später schon zusammen auf der Bühne stehen. Normalerweise arbeitet man mit dem Chor ein halbes Jahr oder drei Monate intensiv an einem Programm. Das ist natürlich auch eine besondere Herausforderung für mich.Quelle: Markus Detterbeck, Leiter des Landeslehrkräftechors
Musik ist ihr Leben Sechs Stunden haben sie insgesamt, pro Lied vielleicht 15 oder 20 Minuten Probenzeit. Dazu kommt noch eine Bigband. Mit der werden sie erst kurz vor dem Konzert nur eine kurze Verständigungsprobe haben. Lehrerinnen und Lehrer bilden das Ensemble mit dem bürokratischen Namen „Landeslehrkräftechor“. Ein Projekt, das die Landesmusikakademie in Neuwied-Engers vor rund zwei Jahren ins Leben gerufen hat. Zweimal im Jahr kommen verschiedene Lehrkräfte aus ganz Rheinland-Pfalz zusammen. Viele von ihnen haben Musik studiert, einige von ihnen hätten auch Berufsmusiker werden können. Für die meisten ist Musik weit mehr als nur ein Unterrichtsfach. Ich kann für mich sagen, Musik ist mein Leben. Diese Liebe zu lehren ist toll. Aber diese Liebe auch selbst zu leben, ist wirklich etwas ganz Großes.Quelle: Karolin Grefig, Grundschullehrerin
Proben statt Pauken Doch zwischen der eigenen musikalischen Leidenschaft und dem Schulalltag liegen manchmal Welten. Denn bei all dem, was Musiklehrer den ganzen Tag tun, bleibt das Musizieren häufig auf der Strecke. In der Landesmusikakademie in Neuwied-Engers ist das anders. So ist die Stimmung, trotz der knappen Probenzeit, ziemlich ausgelassen. Es mache Spaß, weil alle motiviert seien, so die Musiklehrerin und ausgebildete Konzertgitarristin Sarah Neuroth. Gerade proben sie ein französisches Lied aus dem 16. Jahrhundert: „Il est bel et bon“ von Pierre Passereau, was übersetzt „Er ist schön und gut“ bedeutet. Zwei Frauen unterhalten sich über ihre Ehemänner und eine schwärmt davon, wie gut ihr Mann sei. Er füttere die Hühner, mache den Abwasch und er schlage sie noch nicht einmal. Es ist einfach wahnsinnig schön, dass die Musikalität, die ich in mir spüre, ein Sprachrohr kriegen kann, weil die Menschen das mitspüren. Und mein Feuer, das in mir brennt, sich bei ihnen entzündet.Quelle: Markus Detterbeck, Chorleiter
Musik mit Mehrwert Dieses Feuer sollen die Lehrerinnen und Lehrer anschließend an ihre Schülerinnen und Schüler weitergeben. Denn hinter all dem musikalischen Vergnügen steckt ein pädagogischer Plan. Der Chor ist offiziell eine Lehrerfortbildung. Wer von seiner Schulleitung dafür vom Unterricht freigestellt wird, kann hier nicht nur selbst auf hohem Niveau musizieren, sondern soll auch etwas für den eigenen Unterricht mitnehmen.Mehr Energie als ganz Berlin: Die Komponistin Fanny Hensel
Fanny Hensel war als Frau und Angehörige einer jüdischen Familie in Berlin in ihrem künstlerischen Schaffen stark eingeschränkt. Umso mehr lohnt es sich, ihre Werke und ihr Leben heute neu zu entdecken – genau …
Notes de l’épisode
Fanny Hensel war als Frau und Angehörige einer jüdischen Familie in Berlin in ihrem künstlerischen Schaffen stark eingeschränkt. Umso mehr lohnt es sich, ihre Werke und ihr Leben heute neu zu entdecken – genau das macht Hannah Lotte Lund. Sie forscht am Zentrum für Antisemitismusforschung der Technischen Universität Berlin und ist im Vorstand der Mendelssohn-Gesellschaft. Mit ihr hat SWR Kultur über das Leben und Wirken von Fanny Hensel gesprochen.So zeigt das Album „Wunderkammer“ Telemanns Vielfalt im Barock
Georg Philipp Telemann war zu Lebzeiten ein international gefeierter Komponist des Barock, wird heute aber oft hinter Johann Sebastian Bach zurückgestellt. Statt eigene Stücke mehrfach zu überarbeiten, verband …
Notes de l’épisode
Georg Philipp Telemann war zu Lebzeiten ein international gefeierter Komponist des Barock, wird heute aber oft hinter Johann Sebastian Bach zurückgestellt. Statt eigene Stücke mehrfach zu überarbeiten, verband er Eindrücke aus verschiedenen Ländern: französische Eleganz, gesangliche italienische Art und osteuropäische Tänze. Der Blockflötist Max Volbers und das Ensemble Il Pomo d’Oro wollen mit dem Album „Wunderkammer“ die unbekannteren Seiten Telemanns zeigen.„Glaube, Liebe, Hoffnung“: Pēteris Vasks erhält den Mainzer Robert Schumann-Preis für Dichtung und Musik
„Seine Musik spricht eine universelle Sprache“, heißt es in der Begründung der Akademie der Wissenschaften und der Literatur Mainz, die am 11. November dem lettischen Komponisten Pēteris Vasks für sein …
Notes de l’épisode
„Seine Musik spricht eine universelle Sprache“, heißt es in der Begründung der Akademie der Wissenschaften und der Literatur Mainz, die am 11. November dem lettischen Komponisten Pēteris Vasks für sein Lebenswerk den Robert Schumann-Preis für Dichtung und Musik 2026 verleiht. Vasks selbst formuliert es im Gespräch mit SWR Kultur schlichter: „Jede Note meiner Musik spricht von meiner Liebe zu den Menschen.“Sexsymbol unter den Sängern: Warum haben Tenöre eine erotische Wirkung?
Das hohe C als Höhepunkt Mit Kraft und Ausdauer bohrt sich der Tenor in die Herzen seiner Fans. Sie wollen ihn am Bühneneingang sehen, schwärmen ihm in den sozialen Medien hinterher. Verehrerinnen des …
Notes de l’épisode
Das hohe C als Höhepunkt Mit Kraft und Ausdauer bohrt sich der Tenor in die Herzen seiner Fans. Sie wollen ihn am Bühneneingang sehen, schwärmen ihm in den sozialen Medien hinterher. Verehrerinnen des französischen Tenors Victor Capoul sind in den 1880er-Jahren so vernarrt in ihren Star, dass sie sogar das Wasser, in dem er sich die Hände gewaschen hat, in Riechfläschchen abfüllen. Ein Teil der Antwort steckt in diesem Ton: im hohen C. Darauf warten Opernfans wie Fußballfans auf einen Elfmeter. Sie fiebern mit: Schafft der Tenor den Spitzenton? Die Mischung aus Stimmmuskelprotzerei und Risiko macht den erotischen Reiz des Tenors aus. Sex sells – auch in der Oper Siegmund aus Richard Wagners „Walküre“ ist Held, Kämpfer und Liebhaber. Genau dieser Tenor-Prototyp macht im 19. Jahrhundert Karriere. Vorher konnten Kastraten oder Frauen in Männerrollen die begehrten Helden spielen. Der Aufstieg des Tenors hat auch viel mit Sex zu tun.Quelle: John Rosselli, Opernhistoriker
Sexappeal nach Maß Das Publikum hört aber nicht nur, es schaut auch zu. Auf der Opernbühne gehören Stimme und Körper zusammen. Im Kino kann man beides trennen. Mario Lanza wird mit seiner Tenorstimme und seinem Aussehen zum Hollywoodstar. Nur in einem Film wird ausgerechnet sein Körper zum Problem. Er liegt über dem Idealgewicht, findet das Filmstudio. Lanzas Gesang bleibt im Film, aber vor der Kamera bewegt der schlankere Edmund Purdom die Lippen dazu. Das ist die Kehrseite des Sexsymbols: Wer begehrt wird, wird auch vermessen. Und Körpernormen entscheiden mit darüber, wer ins Bild des begehrenswerten Mannes passt. Mehr als nur die Stimme Erotisch wird der Tenor also durch trainierte Stimmmuskeln, Rollen, in denen er umschwärmt werden kann und durch seinen Körper: Erotik sitzt beim Tenor nicht nur in der Kehle.Jüdische Exil-Musiker*innen im faschistischen Italien
Musik im Internierungslager 1939 schickten Kurt Sonnenfelds Eltern den Österreicher mit 18 Jahren nach Italien. Dort sollte er, in Sicherheit vor den Nazis, seine musikalischen Studien vertiefen. 1941 wurde …
Notes de l’épisode
Musik im Internierungslager 1939 schickten Kurt Sonnenfelds Eltern den Österreicher mit 18 Jahren nach Italien. Dort sollte er, in Sicherheit vor den Nazis, seine musikalischen Studien vertiefen. 1941 wurde Sonnenfeld in Folge der Rassengesetze verhaftet und in einem Lager im kalabresischen Ferramonti festgesetzt. Hier traf der junge Mann viele nach Italien exilierte jüdische und antifaschistische Musiker, Sänger, Instrumentalisten und Dirigenten, die wie er, nach Italiens Eintritt in den 2. Weltkrieg interniert worden waren. Darunter der deutsche Pianist Siebert Steinfeld, der polnische Komponist Isco Thaler und viele andere. Ein musikalisches Internierungslager. Hier hatten die Gefangenen doch die Möglichkeit, allein und miteinander zu musizieren. Sogar ein Klavier wurde ihnen zur Verfügung gestellt. Giuseppe Fagnocchi erforscht dieses Internierungslager. Er lehrt an der Musikhochschule in Rovigo, eines der wichtigsten italienischen Zentren für die Erforschung der Geschichte exilierter Musiker. Dort gab es Musikabende. Dazu wurden sogar Programmhefte gedruckt. Es existierten drei Chöre, darunter ein jüdischer. Überlebende wie Sonnenfeld berichteten, dass die Musik der einzige Lichtblick für die Lagerinsassen war.Quelle: Giuseppe Fagnocchi, forscht an der Musikhochschule Rovigo zu exilierten Musikern in Italien
Exilanten bisher kaum erforscht Während die Fluchtrouten deutschsprachiger, antifaschistischer und jüdischer Musiker bestens erforscht sind, werden die Biografien musikalischer Exilanten im faschistischen Italien erst seit einiger Zeit intensiv erforscht. Der italienische und an der Universität Hamburg forschende Musikhistoriker Sebastiano Gubian gilt als einer der Experten zu diesem Thema. Während die Geschichten zu deutschsprachigen Musikern gut erforscht seien, fehlten Exilforschungen. Bisher seien nur die großen Namen darin beachtet worden, Exilanten in Italien gehören nicht dazu. Diese Lücke soll nun geschlossen werden. Avantgarde in Italien Das seit 1922 faschistische Italien als Zufluchtsort vor den Nazis? Was heute wie ein eklatanter Widerspruch klingt, war in den 1930er Jahren für viele im Dritten Reich verfolgte Musiker eine Zwischen- und Endstation. In den ersten anderthalb Jahrzehnten der Herrschaft Mussolinis zeigte sich die Diktatur erstaunlich offen für die musikalische Avantgarde. Es entstand nicht nur das Festival für zeitgenössische Musik in Venedig, die heutige Musik-Biennale, sondern auch der Maggio Musicale Fiorentino, der sich verstärkt zeitgenössischem Musikschaffen widmete. Die bekanntesten Musiker jener Epoche waren in Italien Ottorino Resphighi, Pietro Mascagni, Alfredo Casella und Gian Francesco Malipiero. Avantgarde war hier – im Gegensatz zu Nazideutschland – angesagt. Von dieser Atmosphäre hofften auch jene musikalischen Exilanten zu profitieren, die vor den Nazis nach Italien flohen. Die Hoffnung kollabiert Rund 100 Musiker gingen laut Gubian zwischen 1933 und 1938 nach Italien ins Exil und blieben dort. Tausende weitere nutzten Italien als Zwischenstation. Für jüdische und politisch verfolgte Musiker aus dem deutschsprachigen Raum wurde Italien also zum Land der Hoffnung. Man hoffte auf die vermeintliche Milde des italienischen Totalitarismus. Diese trügerische Sicherheit kollabierte im Herbst 1938. Mussolini erließ die Rassengesetze. Jüdische Kulturschaffende flogen aus Orchestern, Konservatorien, aus den Programmen von Rundfunk und Opernhäusern. Neben Kurt Sonnenfeld auch der Komponist Karl Albert Deutsch. Deutsch wurde später nach Auschwitz deportiert und dort ermordet. Der Musiksammler Paul Hirsch, die Pianistin und Musikpädagogin Anny von Star, der Dirigent Karl Adler, der Cellist Wolfgang Michael und viele andere, deren Namen heute weitgehend vergessen sind, mussten fortan um ihr Überleben kämpfen. Das Exil dieser Musiker im faschistischen Italien ist eine Erzählung von der Hoffnung auf Rettung in einem totalitären Staat, von künstlerischer Nischenfreiheit und dem brutalen Erwachen, als die politische Realität die Kunst einholte. Die Erinnerung an jene Künstlerinnen und Künstler zwischen den Diktaturen des 20. Jahrhunderts wird jetzt endlich dem Vergessen entrissen.Mehr Zeit für Us-Time: Musizieren Sie in Chören und Musikvereinen!
SWR Kultur-Glossist René Sydow hat die Ego-Trips seiner Mitmenschen und all den Trubel um die gerade angesagte Me-Time satt. Er plädiert für mehr Gemeinschaft und Gemeinsinn. Und wo könnte man den nicht besser …
Notes de l’épisode
SWR Kultur-Glossist René Sydow hat die Ego-Trips seiner Mitmenschen und all den Trubel um die gerade angesagte Me-Time satt. Er plädiert für mehr Gemeinschaft und Gemeinsinn. Und wo könnte man den nicht besser ausleben als in der Musik!Mélina Burlaud über die Existenz von Musik in NS-Lagern
Ein Ort des Überlebens Das Camp de Gurs in der gleichnamigen französischen Ortschaft nördlich der Pyrenäen war kein Vernichtungslager, sondern ein Internierungslager. Die Lebensbedingungen waren trotzdem fatal …
Notes de l’épisode
Ein Ort des Überlebens Das Camp de Gurs in der gleichnamigen französischen Ortschaft nördlich der Pyrenäen war kein Vernichtungslager, sondern ein Internierungslager. Die Lebensbedingungen waren trotzdem fatal: Die Inhaftierten litten unter Hunger, Kälte und Krankheiten, viele verstarben. Flüchtlinge aus dem Spanischen Bürgerkrieg, Österreicher und Deutsche, die in Frankreich und den Benelux-Staaten Zuflucht suchten, wurden inhaftiert. Darüber hinaus wurden rund 7.500 Jüdinnen und Juden aus Baden, der Pfalz und dem Saarland gefangen gehalten. Orchester, Chöre und Kabarett Seit 2017 beschäftigt sich die deutsch-französische Musikerin Mélina Burlaud mit der Musikgeschichte im Lager Gurs. Eine Liste von über 160 Musikerinnen und Musikern hat sie bereits zusammengestellt und zahlreiche Zeugnisse des kulturellen Lebens wiederentdeckt – darunter 30 in Gurs entstandene Kompositionen sowie Programmhefte von Werken, die bei Kabarett- oder Kammermusikabenden dargeboten wurden. Musikerinnen und Musiker schlossen sich zu Orchestern zusammen. Diese waren oft ungewöhnlich besetzt: Da nicht immer alle Instrumentalgruppen vertreten waren, wurden Partituren umgeschrieben und für die verfügbaren Instrumente arrangiert. Auch das Singen war wesentlicher Bestandteil des musikalischen Alltags in Gefangenschaft. Während der Inhaftierung von Geflüchteten und Kämpfern des Spanischen Bürgerkriegs von 1939 bis 1940 standen insbesondere baskische Volkslieder auf dem Programm. Danach prägten deutsche Lieder das Leben in Gurs. Bei Liederabenden wurden unter anderem Franz Schuberts Winterreise, op. 89, und die Kindertotenlieder von Gustav Mahler aufgeführt. Gegen das Vergessen Für ihre Recherchen musste Burlaud weit über Frankreich hinaus suchen: Sie forschte in Archiven in Berlin, Wien, Karlsruhe, Freiburg und Straßburg, aber auch in Spanien und dem Baskenland. Manche Spuren führten sie bis nach New York. Erfolg hatte sie meist dort, wo die Künstlerinnen und Künstler geboren wurden oder lebten. Manchmal stieß sie auch durch Nachfahren ehemaliger Internierter auf bisher unbekannte Werke. Vieles ist sehr ergreifend. Ich kann sagen, dass ich manchmal vor Dokumenten stand, wo mir wirklich die Tränen kamen. [...] Ansonsten gibt es auch Momente der Freude, wenn man Noten wiederentdeckt. Wenn man weiß, dass diese Stimmen von den Musikern wieder zum Leben erweckt werden.Quelle: Mélina Burlaud, Pianistin und Organistin
Ziel ihrer Forschungen sei es, dass die Musik aus Gurs nicht in Vergessenheit gerät, erklärt Mélina Burlaud. Gerade jetzt, wo die letzten Zeitzeugen verschwinden, könne Musik als Medium der Erinnerung dienen. Sie übermittle vor allem die Botschaft von Frieden, Toleranz und Menschlichkeit.Daniel Hope über sein Album „Born in Ukraine“ – „Seelische Verwandtschaft“
Eine seelische Verwandtschaft Die ukrainische Musik weckt in Daniel Hope Erinnerungen: Mehrfach besuchte der Geiger das Land, insbesondere die Stadt Odessa, und trat in den Konzertsälen auf. Besonders …
Notes de l’épisode
Eine seelische Verwandtschaft Die ukrainische Musik weckt in Daniel Hope Erinnerungen: Mehrfach besuchte der Geiger das Land, insbesondere die Stadt Odessa, und trat in den Konzertsälen auf. Besonders bewunderte er die Art und Weise, wie Musik dort aufgenommen, geteilt und zelebriert wurde. Nicht zuletzt studierte auch sein Lehrer Zakhar Bron in Odessa und pflegte eine enge Beziehung zur berühmten Musikerfamilie Oistrach. Dadurch empfinde auch Hope eine Art seelische Verwandtschaft zu diesem Land, auch wenn er selbst nicht aus der Ukraine stammt. Dass Städte wie Odessa und weite Teile des Landes noch immer unter Beschuss stehen, sei für den 53-Jährigen herzzerreißend. Hopes Herzensprojekt Es ist Hopes drittes Album, das er ukrainischer Musik widmet. Das liege vor allem daran, dass diese Musik viel zu selten in den Konzertsälen oder auf Tonträgern zu hören sei. Bereits 2022 veröffentlichte er das Album „Silvestrov“ mit Werken des gleichnamigen ukrainischen Komponisten und lernte diesen auch persönlich kennen. Der andauernde Krieg verleihe seinem jetzigen Projekt eine zusätzliche Dringlichkeit. Ein Album kann natürlich keinen Krieg beenden, aber es kann Musik hörbar machen, die Teil einer lebendigen Kultur ist.Quelle: Daniel Hope, Violinist
Zuhören als Zeichen der Verbundenheit Für Hope ist dieses Album eine Einladung zum Zuhören und zugleich ein klares Zeichen der Verbundenheit mit den Menschen in der Ukraine. Während der Aufnahmen stand allein die Musik im Mittelpunkt; die Konflikte in der Ukraine versuchten er und die beteiligten Musikerinnen und Musiker auszublenden. Dabei entstand ein spannender Kontrast: Selbst dort, wo die Musik versöhnlich klingt, schwingt doch eine gewisse Wehmut mit. „Born in Ukraine“ mache Musik aus einem Gebiet und einer Kulturgeschichte hörbar, die sehr eigen, nachdenklich und emotional sei. Zu verdanken sei dies vor allem den drei jungen ukrainischen Pianisten Alina Pronina, Roman Fediurko und Vitalii Kyianytsia, die Hope auf seinem Album begleiten. Sie zeigen musikalisch, wie eng sie mit ihrer Heimat und Kultur verwurzelt sind. Ich glaube, als Musiker, aber vor allem als Mensch, kann man nicht genug zuhören.Quelle: Daniel Hope, Violinist
Die Zusammenarbeit mit den jungen Musikerinnen und Musikern hat Hope besonders inspiriert: Sie habe ihm gezeigt, dass man sich musikalisch auch etwas trauen dürfe. Am wichtigsten sei dabei, sich gegenseitig Gehör zu schenken.Zum 90. Geburtstag der Komponistin Barbara Heller: „Mich interessiert das ganze Hör-Universum“
Musik gegen die Einsamkeit Barbara Heller wächst während des Zweiten Weltkriegs in einem kleinen Dorf im Odenwald auf. Ihre Eltern sind Restauratoren, Musik spielt zunächst keine Rolle. Der Alltag ist geprägt …
Notes de l’épisode
Musik gegen die Einsamkeit Barbara Heller wächst während des Zweiten Weltkriegs in einem kleinen Dorf im Odenwald auf. Ihre Eltern sind Restauratoren, Musik spielt zunächst keine Rolle. Der Alltag ist geprägt von Armut und Abschottung, es ist eine sehr einsame Kindheit. Dadurch wird für Barbara Heller das Klavier zum wichtigsten Gegenüber. Ich war sehr einsam in meiner Kindheit, durch den Krieg auch. Da habe ich mich mit dem Klavier befreundet. Das hat mir einfach Spaß gemacht. Da drückt man drauf und da klingt etwas.Quelle: Barbara Heller, Komponistin und Pianistin
Der Weg zur professionellen Musikerin Nach dem Krieg holt Barbara Heller die musikalische Ausbildung nach: Mit zwölf Jahren beginnt sie mit Klavierstunden, studiert später Musik in Mannheim und München, ist einige Jahre Klavierdozentin an der Musikhochschule Mannheim. Auf Anraten ihrer Lehrer schlägt sie diesen beruflichen Weg überhaupt erst ein: Sie solle aus der Schule gehen, Pianistin werden. Sie sei so begabt, es brauche Nachwuchs nach dem Krieg. Neuanfang in Darmstadt Auf dem Klavier improvisiert sie auch immer wieder und schreibt Stücke für ihre Schülerinnen und Schüler. Als sie heiratet, endet für sie der Weg als Komponistin. Erst nach der Trennung von ihrem Mann bezeichnet sie sich selbst erstmals als Komponistin. Heller zieht nach Darmstadt, wird Stipendiatin der Internationalen Ferienkurse für Neue Musik, taucht in die Avantgarde ein und beginnt, aus eigenen Improvisationen Kompositionen zu entwickeln. Komponistin und Kämpferin Parallel zu ihrer kompositorischen Arbeit entsteht ein zweites großes Feld: Heller wird zu einer Schlüsselfigur für die Wiederentdeckung von Komponistinnen. Ab Mitte der 1970er Jahre dokumentiert sie Vergessenes, hält Vorträge, ist Gründungsmitglied des internationalen Arbeitskreises „Frau und Musik“, arbeitet im Vorstand und übernimmt 1981 das heute hoch angesehene „Archiv Frau und Musik“ in Frankfurt. Ich sage immer, ich bin eine Feministin. Ich bin Frauen gegenüber solidarisch.Quelle: Barbara Heller, Komponistin
Zwischen Noten und Natur 1989 beendet Barbara Heller ihre Tätigkeit als Konzertpianistin und konzentriert sich ganz auf das Komponieren. Es entstehen weitere Klavier- und Kammermusikwerke, Streichquartette und Lieder sowie Filmmusiken, Tonbandkompositionen und Klanginstallationen. Heute pendelt sie zwischen Darmstadt und ihrem Heimatdorf im Odenwald und sucht bewusst die Abgeschiedenheit der Natur.Herbert Blomstedt: Immer im Dienste der Musik
Der Auftakt zu einer besonderen Zusammenarbeit Sebastian Manz lernte Herbert Blomstedt 2015 kennen. Der Solo-Klarinettist des SWR Symphonieorchesters sollte auf Vorschlag des Orchestermanagers Carl Nielsens …
Notes de l’épisode
Der Auftakt zu einer besonderen Zusammenarbeit Sebastian Manz lernte Herbert Blomstedt 2015 kennen. Der Solo-Klarinettist des SWR Symphonieorchesters sollte auf Vorschlag des Orchestermanagers Carl Nielsens Klarinettenkonzert op. 57 mit dem Dirigenten aufführen. Blomstedt, der als ausgewiesener Nielsen-Experte gilt, war einverstanden. Als Blomstedt zu singen begann An die erste Begegnung erinnert sich Manz noch genau: Bei einer sogenannten Verständigungsprobe zwischen Dirigenten und Solisten trafen sich die beiden im Dirigentenzimmer. Blomstedt schlug die Noten auf, Manz packte sein Instrument aus. Dann begann der damals 88-Jährige zu dirigieren und zunächst mitzusingen. Gemeinsam spielten sie das Konzert ohne Orchester einmal komplett durch. Manz war ziemlich nervös, obwohl er das anspruchsvolle Werk schon häufiger gespielt hatte. Doch Blomstedt ließ im viel Freiraum bei der Interpretation. Am Ende der Probe schaute der Dirigent zu ihm und sagte ganz unprätentiös: „Das machen Sie aber prima!“ Sein größter Anspruch: die Musik Was den Klarinettisten an Blomstedt besonders beeindruckte, war dessen meisterhafte Balance aus Direktheit und Höflichkeit. Er habe klare Vorstellungen gehabt, ohne sich selbst in den Mittelpunkt zu rücken. Er war uneitel, das hat er immer wieder betont. Er wollte niemandem etwas beweisen. Er war ganz im Element der Musik, der Musik dienend. Das fand ich wahnsinnig beeindruckend.Quelle: Sebastian Manz, Solo-Klarinettist des SWR Symphonieorchesters
Ein Charakter voller Klarheit und Wärme Blomstedts Energie und geistige Frische im hohen Alter bleiben Manz im Gedächtnis. Bei der Aufführung des Nielsen Klarinettenkonzerts sei Manz voller Vorfreude regelrecht auf die Bühne gestürmt und habe dabei völlig vergessen, dass der Dirigent noch hinterherkommen musste. Blomstedt holte ihn problemlos ein und freute sich über den Elan seines Solisten. Als prägendste Erinnerung beschreibt Manz Blomstedts natürliche Autorität und Altersweisheit, verbunden mit einer menschlichen Wärme, durch die man sich in seiner Nähe stets wohlgefühlt habe.„Ich höre beim Schreiben die Musik des Textes“ – Hanns-Josef Ortheil feiert 75. Geburtstag
Eine Kindheit am Klavier Seine musikalische Prägung begann früh: Ortheils Mutter gab ihm Klavierunterricht. Mozart gehörte schon als Kind zu seinen musikalischen Begleitern. Später entdeckte er die Klaviermusik …
Notes de l’épisode
Eine Kindheit am Klavier Seine musikalische Prägung begann früh: Ortheils Mutter gab ihm Klavierunterricht. Mozart gehörte schon als Kind zu seinen musikalischen Begleitern. Später entdeckte er die Klaviermusik des 19. Jahrhunderts für sich. Besonders angetan hatte es ihm Robert Schumanns Album für die Jugend, op. 68, sowie die Kinderszenen, op. 15. Die vergleichsweise einfachen Stücke konnte er schon früh spielen. Bis heute greift er darauf zurück. Scarlatti statt Stille Auch beim Schreiben darf Musik –früher wie heute – nicht fehlen. Ortheil lässt fast immer leise Klaviermusik im Hintergrund laufen. Am liebsten die Klaviersonaten von Domenico Scarlatti. Immerhin gibt es davon 555 – an musikalischem Nachschub dürfte es demnach nicht mangeln. Die Musik füllt den Raum für ihn so aus, als würde nebenan jemand Klavier spielen. Dabei hört Ortheil beim Schreiben eigentlich die Musik des Textes. Sein Gespür für Klangstrukturen ist so ausgeprägt, dass er sie sogar beim Spazierengehen in der Natur wahrnimmt. Schreiben im musikalischen Rhythmus Auch in seinem im Oktober erschienenen Buch „Das Panorama des Schreibens“ spielt Musik eine wichtige Rolle. Ortheil gibt darin Einblicke in seine Arbeitsweise und sein persönliches Archiv. Darin finden sich auch seine sogenannten Chroniken: freie Aufzeichnungen, in denen er festhält, was ihm gerade durch den Kopf geht. Häufig sind diese mit einem Musikstück verbunden. Musik wird so zur Brücke zwischen seinen Texten. Ich wäre eminent einsam, wenn ich die Musik nicht hätte.Quelle: Hanns-Josef Ortheil, Autor
Ein musikalischer Wunschzettel zum 75. Wenn er drei Komponisten zu seinem Geburtstag einladen könnte, wäre die Auswahl klar: Robert Schumann würde am Kopfende des Tisches sitzen, schließlich ist er Ortheils erklärter Lieblingskomponist. Dazu kämen Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven. Auch über den Geburtstag hinaus hat Ortheil musikalisch noch einiges vor: Er möchte mehr Veranstaltungen gestalten, in denen er Musik selbst einspielt, über diese spricht und mit eigenen Texten verbindet.Konstantia Gourzi: Wie „Logos“ Mykene neu hörbar macht
Im Alter von 25 Jahren kam die griechische Komponistin und Dirigentin Konstantia Gourzi nach Deutschland. Sie ist hiergeblieben, heute ist sie Professorin für Ensembleleitung und Neue Musik an der …
Notes de l’épisode
Im Alter von 25 Jahren kam die griechische Komponistin und Dirigentin Konstantia Gourzi nach Deutschland. Sie ist hiergeblieben, heute ist sie Professorin für Ensembleleitung und Neue Musik an der Musikhochschule in München. Nun erscheint beim Label Neos ein Album mit drei Orchesterwerken. Die Aufnahmen stammen zwar von drei unterschiedlichen Orchestern, zeichnen aber gerade deshalb ein so schillerndes Bild der Komponistin.Wie abhängig ist die Kultur von Sponsoren?
Die Meldung machte die Runde in der Kulturlandschaft: Der Ingolstädter Autobauer Audi streicht reihenweise Kulturförderung – nicht nur Sommer- und Weihnachtskonzerte und eine Jazzreihe, sondern auch die …
Notes de l’épisode
Die Meldung machte die Runde in der Kulturlandschaft: Der Ingolstädter Autobauer Audi streicht reihenweise Kulturförderung – nicht nur Sommer- und Weihnachtskonzerte und eine Jazzreihe, sondern auch die Unterstützung für die beachtliche Kammerphilharmonie Ingolstadt und für eine verdienstvolle Jugendchorakademie. Was bedeutet das für die Kultur – und was sagt das aus, nicht nur über die Sponsoren, sondern auch über den Stellenwert der Kultur?Giacomo Puccini: La Rondine
Ihr Komponist ist weltberühmt: Giacomo Puccini. Aber seine Oper „La Rondine – die Schwalbe“ war allerdings bis vor wenigen Jahren ein Fall für den fortgeschrittenen Opernliebhaber. Denn mit La Bohème, Tosca …
Notes de l’épisode
Ihr Komponist ist weltberühmt: Giacomo Puccini. Aber seine Oper „La Rondine – die Schwalbe“ war allerdings bis vor wenigen Jahren ein Fall für den fortgeschrittenen Opernliebhaber. Denn mit La Bohème, Tosca oder Madama Butterfly kann sie nicht mithalten. Inzwischen flattert sie wieder öfter durch die Spielpläne, auch weil „La Rondine“ ein Leckerbissen für Sänger ist. Gespielt wird immer die erste Fassung, dabei hat Puccini an diesem Werk weiterkomponiert, wie an viel anderen auch. Doch es musste erst das bewährte Entdecker-Label Opera Rara kommen, um mit renommierten Sängern die von Puccini als definitiv angesehene „La Rondine“-Fassung von 1921 erstmals einzuspielen.Orgelbau Klais aus Bonn baut Orgel im Markusdom Venedig
Ein vielstimmiges Zusammenspiel Der Auftrag erfordert ein hohes Maß an handwerklichem Können und Fingerspitzengefühl: Im Markusdom in Venedig soll nicht einfach eine neue Orgel entstehen. Geplant ist vielmehr …
Notes de l’épisode
Ein vielstimmiges Zusammenspiel Der Auftrag erfordert ein hohes Maß an handwerklichem Können und Fingerspitzengefühl: Im Markusdom in Venedig soll nicht einfach eine neue Orgel entstehen. Geplant ist vielmehr eine ganze Orgelanlage mit vier Standorten in der Kirche. Hinzu kommt die Rekonstruktion eines historischen Instruments. Um dieses Vorhaben umzusetzen, arbeiten die Orgelbauwerkstätten Klais und Zanin eng zusammen. Auch der Organist des Markusdoms, Alvise Mason, sowie eine Delegation von Organisten aus vier verschiedenen Ländern sind in das Projekt involviert. Das ist ein sehr fruchtbarer, schöner Diskurs, der dann entstehen kann und das macht großen Spaß.Quelle: Philipp Klais, Urenkel des Gründers der Orgelbauwerkstatt Klais
Ein doppeltes Orgelprojekt Zum einen geht es um die Restaurierung und Rekonstruktion einer Orgel aus dem 18. Jahrhundert. Sie stammt aus der berühmten Orgelbaudynastie Callido. Die noch erhaltenen Teile des Instruments sollen dabei unverändert bleiben. Auf der gegenüberliegenden Seite wird die italienische Orgelbaufirma Zanin das fehlende Gegenstück nach historischem Vorbild rekonstruieren. Daneben ist ein kompletter Neubau geplant: eine eigenständige Orgel, die sich auf vier Standorte im Markusdom verteilt. Diese wird unabhängig von der historischen Callido-Orgel funktionieren und auch über eine eigene Stimmtonhöhe und Temperierung verfügen. Im Einklang mit der Architektur Bei der Planung spielt auch die Akustik der Basilika St. Markus eine wichtige Rolle. Die zahlreichen Mosaike sorgen dafür, dass sich der Schall in verschiedene Richtungen verteilt, reflektiert wird und so ein einzigartiger Klang entsteht. Der Markusdom hat, wie ich finde, eine ganz besondere, eigene Akustik. Ich glaube, das wird eine spannende, schöne Aufgabe.Quelle: Philipp Klais, Leitung der Orgalbauwerkstatt Klais
Dabei gehe es vor allem darum, ein Instrument zu schaffen, das sich harmonisch in den Raum einfügt. Auch die italienische Sprache dient dabei als Inspiration für den Klang der Orgel. Es geht nicht um irgendwelche Superlative, sondern darum, einen warmen, weichen, singenden, der italienischen Sprache angenäherten Klang in diesem wunderbaren Raum zu schaffen.Quelle: Philipp Klais, Orgelbauer
Diese Eigenschaften soll auch die neue Orgel zum Ausdruck bringen. Der respektvolle Umgang mit dem historischen Gebäude stehe dabei an erster Stelle. Von Bonn nach Venedig Die neue Orgel wird in der Bonner Werkstatt von Klais gefertigt. Das historische Gegenstück zur Callido-Orgel entsteht dagegen in der italienischen Werkstatt von Francesco Zanin. Anschließend werden die Instrumente nach Venedig transportiert und vor Ort montiert. Bis 2028 soll das außergewöhnliche Projekt abgeschlossen sein. Dann werden die Orgeln erstmals in ihrer neuen Form im Markusdom erklingen.Album-Tipp: Bertrand Chamayous spielt „Lieder ohne Worte“ von Felix Mendelssohn „pianistisch vollendet“
„Der pure Gesang“ Bei Bertrand Chamayou klingt Mendelssohns Lied ohne Worte C-Dur op. 102 Nr. 6 wie ein Hymnus oder ein feierlicher Choral. Doch er spielt es auf dem Klavier, und gestaltet dabei die …
Notes de l’épisode
„Der pure Gesang“ Bei Bertrand Chamayou klingt Mendelssohns Lied ohne Worte C-Dur op. 102 Nr. 6 wie ein Hymnus oder ein feierlicher Choral. Doch er spielt es auf dem Klavier, und gestaltet dabei die Verzweigungen der Stimmen und die Gewichtung der Akkorde ganz aus den Möglichkeiten des Instruments heraus. Seine Interpretation ist der pure Gesang. Chamayou folgt nämlich dem natürlichen Fluss des Atems: Er bringt subtile Steigerungen, die er aber gleich darauf wieder in den dynamischen Halbschatten zurücknimmt. Dieser raffinierte Wechsel von Spannung und Entspannung ist ein Gütesiegel der Aufnahme. Virtuose Geschwindigkeit Natürlich kann Bertrand Chamayou aber auch virtuos auftrumpfen. Wie im populären „Spinnerlied“. Bei ihm besitzt sie ein flottes Tempo, doch Chamayou macht daraus keinen Hummelflug, er berauscht sich nicht daran. Mit hintergründigem Humor lässt er das rastlos rotierende Spinnrad ganz realitätsnah klappern und die Mechanik auch mal leicht stocken. Hier wird nichts nach Art einer Klavieretüde abgespult, aber auch nichts pittoresk verharmlost. Bei Chamayou gewinnt die fortlaufende Bewegung sogar obsessive Züge, sie bekommt etwas Gehetztes und Getriebenes. Wodurch dieses „Spinnerlied“ fast einen Doppelsinn erhält, jedenfalls zu einem Psychogramm gerät. Eine Einladung zum Stöbern Bertrand Chamayou hat die „Lieder ohne Worte“ mit einem Tagebuch verglichen. Oder mit einer Truhe, die alte Familienfotos, Briefe, Erinnerungen aufbewahrt. Und da sind dann die unterschiedlichsten Fundstücke dabei. Er lädt ein, mit ihm zu stöbern und den alten Geheimnissen nachzuspüren: das Unaussprechliche zu hören, ins Innere zu lauschen. Dabei ist Chamayous Mendelssohn nie biedermeierlich oder sentimental. Beim Lied ohne Worte b-Moll op. 30 Nr. 2 verzichtet Bertrand Chamayou auf jedes Klischee: Was genau in dieser Szene geschieht, bleibt offen. Chamayou deutet Möglichkeiten an, überlässt die Entscheidung jedoch unserer Fantasie. Mitdenken statt mitsingen Diese Aufnahme der „Lieder ohne Worte“ lädt nicht zum Mitsingen ein. Sondern zum Mitdenken. Manches wirkt wie ein Nachklang, wie erinnerte Musik. Diese neue Gesamtaufnahme der „Lieder ohne Worte“ lässt Felix Mendelssohn Gerechtigkeit widerfahren. Sie ist berührend, doch frei von Gefühligkeit. Pianistisch vollendet, ohne auf Pranke oder Bravour zu setzen. Und sie zeigt, wie viel es bei diesem Komponisten noch zu entdecken gibt.Vereinfachend: Igor Levits neues Label „No Silence” vermischt Ästhetik und Politik
Label mit politischer Einstellung Starpianist Igor Levit hat ein eigenes Label, das „No Silence“ heißt, gegründet. Man könnte an John Cage und seinen Musiktext „Silence“ denken. Doch der Name meint anderes und …
Notes de l’épisode
Label mit politischer Einstellung Starpianist Igor Levit hat ein eigenes Label, das „No Silence“ heißt, gegründet. Man könnte an John Cage und seinen Musiktext „Silence“ denken. Doch der Name meint anderes und bezieht sich auf den Überfall der Hamas auf Israel und eine darauf reagierende Veranstaltung im Berliner Ensemble „Gegen das Schweigen“. Organisiert wurde sie von Levit und Michel Friedmann mit unter anderen der Holocaust-Überlebenden Margot Friedländer. Damit will das neue CD-Label eine politisch-historische Einstellung herausstellen. Levits Haltung ist natürlich respektabel. Aber ein Platten-Label ist schnöde gesagt ein Instrument des Marktkapitalismus, Musik unter die Leute zu bringen und zu verkaufen. Das sieht auch Levit so, möchte er doch mit seinem Label „besonderen Künstlerinnen und Künstlern die Chance geben, sich am Markt zu etablieren“, wie er sagt. 19,99€ für die Haltung des guten Gewissens Nun machen das andere Label wie Sony Music auch, bei dem Levit Exklusivkünstler ist. Allerdings wird keine außer-, neben- oder übermusikalische Haltung mit dem Labelname transportiert. Wir kaufen mit „No Silence“ also nicht nur die wirklich sehr schönen Interpretationen von Schubert und Liszt des Pianisten Lukas Sternath, Schüler und Freund Levits, sondern auch eine Haltung des guten Gewissens und künstlerischer Moral. Was hat aber Schuberts kreatives Verzweifeln am großen Konzertformat seiner „Wanderer-Fantasie“ und Liszts leidenschaftliche Klanglektüre der Petrarca- und Dante-Dichtungen, mit dem 7. Oktober, mit Anti-Antisemitismus und Widerstand zu tun? Widerstands-Botschaften werden vereinfacht Präzisiert wird das mit einer weiteren CD. Sie heißt umstandslos „Igor Levit Resistance“. Darauf Liszts Klavier-Transkription von Beethovens gegen die napoleonische Diktatur gerichteter „Eroica“, kombiniert mit Arnold Schönbergs jüdisch-antifaschistischer, im amerikanischen Exil entstandener „Ode an Napoleon“. Das klingt zunächst einleuchtend, die beiden Bekenntniskomponisten zu vereinen, und Levit ist da ja nicht der erste. Aber was bei anderen als Dialektik der deutsch-österreichischen Musik und ihrer Verwerfungen gedacht war, wird unter der von Levit geführten „Resistance“-Fahne der CD zur Widerstands-Botschaft vereinfachend vereinheitlicht. Als Widerstandskämpfer hätten sich weder Beethoven noch Schönberg verstanden. Als politische Bewusstmacher schon. Aber es sind eben verschiedene Bewusstseine. Politisierung der Ästhetik „No Silence“ verkauft Musik und deren Interpretation in einer von Igor Levit bestimmten Korrektheit, bei gleichzeitiger Politisierung der Ästhetik und Ästhetisierung der Politik. Dabei ist ihm wichtig zu sagen, was es heißt, als Künstler frei zu sein. Kunstfreiheit meint aber eine radikal ausgelebte Freiheit als künstlerische Utopie jenseits der gesellschafts-politischen Zwänge. Von sich fortschrittlich dünkenden Kräften der politischen Linken und Rechten wurde das als Elfenbeinturm diskreditiert. Gerade Schönberg war lange Zeit ein Bewohner dieses Elfenbeinturms. Was aus der Politisierung der Ästhetik und Ästhetisierung der Politik im nicht so ganz fernen 20. Jahrhundert geworden ist, das können wir uns im historischen Rückblick auf Ost und West anschauen. Das ist auch eine Wahrheit der Kunst, die „No Silence“ aber nicht wirklich im Blick hat. Wer gewinnt? Wer zieht nun den merkantilen Gewinn aus der Label-Strategie von „No Silence“? Doch Sony Music oder Igor Levit, die Künstlerinnen und Künstler des Labels oder Organisationen, die der Haltung des Labels nahestehen? Im Kleingedruckten kann man lesen: „Sony Music Entertainment under License from No Silence Records GmbH & Co. KG“. Die aufklärerisch kritische Frage wird Igor Levit im Marketinginterview auf der Onlineseite von „No Silence“ erst gar nicht gestellt. Und gestellt haben sie auch nicht die meisten Medienberichterstatter der spektakulären Botschaft: Starpianist Igor Levit hat ein eigenes Label gegründet.Der neue Stuttgarter Generalmusikdirektor Nicholas Carter steht vor seiner ersten Opern-Premiere
„Ich bin Australier und bringe vielleicht auch ein bisschen Leichtigkeit und Lockerheit mit ins Theater“, sagt Nicholas Carter. Er ist seit dieser Spielzeit neuer Generalmusikdirektor an der Staatsoper …
Notes de l’épisode
„Ich bin Australier und bringe vielleicht auch ein bisschen Leichtigkeit und Lockerheit mit ins Theater“, sagt Nicholas Carter. Er ist seit dieser Spielzeit neuer Generalmusikdirektor an der Staatsoper Stuttgart. Wie hat er seinen Einstand erlebt, und mit welchen Erwartungen geht er in seine erste Opern-Premiere am 8. November? Da wird er Schostakowitschs „Lady Macbeth“ dirigieren und verspricht „unglaublich bewegende Musik“.Von hell bis göttlich: Das Licht in der Musikgeschichte
Komponistinnen und Komponisten haben in allen Epochen eindrucksvoll bewiesen, dass Licht eine Quelle musikalischer Inspiration sein kann. Jan Ritterstaedt hat einige ausgewählte Licht-Kompositionen …
Notes de l’épisode
Komponistinnen und Komponisten haben in allen Epochen eindrucksvoll bewiesen, dass Licht eine Quelle musikalischer Inspiration sein kann. Jan Ritterstaedt hat einige ausgewählte Licht-Kompositionen herausgesucht und zeigt uns, wie unterschiedlich man diesem Phänomen musikalisch begegnen kann.Junge Menschen für Musik und Geschichte sensibilisieren: Annika Treutler und ihr Verein „respond in music“
Die Pianistin Annika Treutler engagiert sich schon seit langem für die gesellschaftlichen und politischen Fragen rund um die Musik. Der von ihr gegründete Verein „respond in music“ organisiert neuerdings …
Notes de l’épisode
Die Pianistin Annika Treutler engagiert sich schon seit langem für die gesellschaftlichen und politischen Fragen rund um die Musik. Der von ihr gegründete Verein „respond in music“ organisiert neuerdings regelmäßig Schulkonzerte, in denen es Treutler und ihren Musikerkolleg*innen um Austausch mit jungen Menschen und einen tiefergehenden Dialog mit der Geschichte geht. Davon berichtet sie in SWR Kultur.Lars Reichow: Konsum
In seinem Song des Monats Oktober beschäftigt sich Lars Reichow mit den segensreichen Begleiterscheinungen des modernen Dauermarketings. Da stellt sich doch die Frage: Wer braucht noch ein Paradies, wenn es …
Notes de l’épisode
In seinem Song des Monats Oktober beschäftigt sich Lars Reichow mit den segensreichen Begleiterscheinungen des modernen Dauermarketings. Da stellt sich doch die Frage: Wer braucht noch ein Paradies, wenn es überall so schöne Einkaufsparadiese gibt?Mit welchen Tricks jagen uns Komponisten Angst ein?
„Frag die Klassik“ – klingt nach großer Bühne, aber auch nach ganz normalen Fragen, die sich viele nie zu stellen trauen. In unserer Reihe stellen wir diese Fragen. Was tut… was macht… wie geht…? Wir von SWR …
Notes de l’épisode
„Frag die Klassik“ – klingt nach großer Bühne, aber auch nach ganz normalen Fragen, die sich viele nie zu stellen trauen. In unserer Reihe stellen wir diese Fragen. Was tut… was macht… wie geht…? Wir von SWR Kultur klären auf. Und weil Halloween vor der Tür steht, geht es diesmal um die Frage: Mit welchen Tricks jagen uns Komponisten Angst ein?So arbeitet Jeremy Bines als neuer Chordirektor der Stuttgarter Oper
Jeremy Bines ist der neue Chordirektor der Staatsoper Stuttgart. In SWR Kultur beschreibt er seine Aufgabe als Musikalischer Leiter des Chores und erklärt, warum es praktisch ist, bei der Probe nicht selbst am …
Notes de l’épisode
Jeremy Bines ist der neue Chordirektor der Staatsoper Stuttgart. In SWR Kultur beschreibt er seine Aufgabe als Musikalischer Leiter des Chores und erklärt, warum es praktisch ist, bei der Probe nicht selbst am Klavier zu sitzen. Außerdem verrät er, auf welche Produktion er sich in dieser Spielzeit besonders freut.Jon Vickers: Ausnahmekünstler in vielen Rollen
Seine Kraft und Ausdauer waren sein Markenzeichen, aber auch auf Pianissimo-Phrasen verstand sich der kanadische Tenor Jon Vickers. Der Ausnahmekünstler wird vermutlich besonders als Otello in Erinnerung …
Notes de l’épisode
Seine Kraft und Ausdauer waren sein Markenzeichen, aber auch auf Pianissimo-Phrasen verstand sich der kanadische Tenor Jon Vickers. Der Ausnahmekünstler wird vermutlich besonders als Otello in Erinnerung bleiben, den er auch in einem Opernfilm unter der Leitung von Herbert von Karajan gesungen hat. Aber auch als Wagnersänger setzte Vickers, der 1958 bei den Bayreuther Festspielen als Siegmund debütierte und vielfach als Tristan und Parsifal reüssierte, Maßstäbe. Wir gratulieren zum 100. Geburtstag mit einem Porträt von Kirsten Liese.Nicht sonderlich interessant: Esther Abramis neues Album „Amour“
Viel Hall für schwelgerische Melodien „Liebe ist eine Sinfonie der Gefühle, Emotionen und Zustände, die uns permanent transformieren.“ Dieses Zitat stellt die Geigerin Esther Abrami ihrer CD voran. Weiter geht …
Notes de l’épisode
Viel Hall für schwelgerische Melodien „Liebe ist eine Sinfonie der Gefühle, Emotionen und Zustände, die uns permanent transformieren.“ Dieses Zitat stellt die Geigerin Esther Abrami ihrer CD voran. Weiter geht es so: „Wie die Soundtracks unseres Lebens habe ich die Musik komponiert, die in meinem Kopf erklang, wenn mein Herz gerast ist – und auch, wenn es gebrochen war.“ Zu diesem Motto schwingt sich Abramis Geigenton mit viel Hall auf. Versetzt durch schwelgerische Melodien, unter die das City of Prague Philharmonic Orchestra unter Leitung von Irene Delgado-Jiménez repetierende Akkorde tupft. Die Melodien ihrer eigenen Kompositionen bewegen sich bei Abrami in vorhersehbaren Bahnen: Sextsprünge jauchzen, wenn es um Sehnsucht geht, chromatische Rückungen seufzen, wenn ein Tränchen rollt, und die begleitenden Streicher tremolieren ungeduldig in einem Stück namens „Jalousie“ – „Eifersucht“. Gehörige Portion musikalische Plakativität Ist das noch Programmmusik oder schon Kitsch? Die Unterscheidung fällt nicht immer leicht. In diesem Fall aber drängt sich die musikalische Plakativität dann doch ein bisschen zu sehr auf – übergroße Melodien, assoziative Rhythmen, glatte Ästhetik und plakative Dramaturgie. Nicht nur die Produktion ist extrem gefällig abgemischt, Abramis neunteiliger „Liebes“-Zyklus bedient die Sehnsucht nach einer heilen, harmonischen Welt, in der das Ohr von allzu komplexen avantgardistischen Strukturen oder anderweitigen interessanten Ideen abgeschirmt bleibt. Eingekleidet in Kitsch Auf ihrem aktuellen und mittlerweile 4. Album stellt Esther Abrami aber nicht nur ihre eigenen (recht austauschbaren) musikalischen Gedanken zum Riesenthema „Liebe“ aus, sondern sie interpretiert auch Werke etwa von Komponisten wie Georges Bizet, Zdeněk Fibich oder Francis Poulenc. Von letzterem spielt sie zum Beispiel den ersten Satz aus der Bühnenmusik „Lécadia“. Eigentlich lebt das Stück von einer feinen ironischen und melancholischen Balance – die hochschwingenden Melodiebögen, die Dopplungen im Orchester, die raffinierten, etwas schmutzigen Details der Harmonik, kleine zögernde Momente, dazu der banale Dreivierteltakt und das theatrale Pathos der Strophe, all das macht „Les chemins de l’amour“ in der Kombination eigentlich zu einem gebrochenen, todtraurigen Lied. Abrami distanziert sich aber nicht von dem Kitsch, mit dem der Komponist spielt und von dem er sich eindeutig distanziert – die Geigerin kleidet die Musik im Gegenteil in ein ziemlich eindeutiges Gewand. Vibrato en masse Kitsch, das sagt Theaterautor*in Sasha Marianna Salzmann, funktioniert deshalb so gut, weil er genau die emotionalen Knöpfe drückt, auf die die Konsumentinnen und Konsumenten bereits konditioniert sind. Es geht dabei um eine tiefliegende Sehnsucht nach Harmonie, Ordnung und um die Bestätigung einer Welt, „wie sie immer schon gewesen ist.“ Wie diese Sehnsucht klingt, zeigt unter anderem auch die Interpretation der Geigerin von der Chaconne in g-Moll von Tomaso Antonio Vitalis. Auch diese Chaconne mit ihrer strengen Variationsform ist eigentlich ein zerrissenes Werk. Denn die Modulationen sind für die Zeit des Komponisten Vitalis um 1700 recht kühn, die Harmonien reiben sich für die damaligen Gepflogenheiten in durchaus extremer Weise, und traditionell packt die Solistin ihre Stimme im Sinne der musikalischen Tragik mit aggressivem Strich und harter Artikulation. Esther Abrami entscheidet sich hingegen für ein fließendes, weichgezeichnetes Legato mit viel Vibrato. Kann man machen, muss man aber nicht Das ist alles nicht falsch. Esther Abrami kann und darf die Werke spielen, wie sie will. Ihre Interpretation hat die gleiche Legitimität wie andere Interpretationen auch. Eine gute Geigerin ist Abrami sowieso. Das klingt natürlich hübsch und stört auch nicht. Wer sich allerdings eine ästhetisch interessante Ausdeutung der ausgewählten Werke – oder auch nur des Liebes-Themas – verspricht, greift aber vielleicht besser zu anderen Aufnahmen.Diana Damrau öffnet ihren Kleiderschrank für die Opern-Benefizgala am Theater Ulm
Hunderte Möbelstücke, ein Großteil des Fundus und 27.000 Kostüme des Theater Ulms fielen im Frühjahr 2026 nach Brandstiftung den Flammen zum Opfer. Nun findet zum Wiederaufbau des Kostümfundus eine große …
Notes de l’épisode
Hunderte Möbelstücke, ein Großteil des Fundus und 27.000 Kostüme des Theater Ulms fielen im Frühjahr 2026 nach Brandstiftung den Flammen zum Opfer. Nun findet zum Wiederaufbau des Kostümfundus eine große Opernbenefizgala statt. Mit dabei ist auch die Sopranistin Diana Damrau, eines ihrer Abendkleider wird im Vorfeld für diesen guten Zweck versteigert. Wie es dazu kam, erzählt sie im SWR Kultur Musikgespräch.Superhelden der Musik bringen Freiburger KiTa-Kindern die Klassik näher
Mozart, Beethoven und Bach – diese klassischen Komponisten können auch für kleine Kinder schon Superhelden sein. Davon sind jedenfalls Musikvermittlerin Carolina Nees und die Musiker des SWR Symphonieorchesters …
Notes de l’épisode
Mozart, Beethoven und Bach – diese klassischen Komponisten können auch für kleine Kinder schon Superhelden sein. Davon sind jedenfalls Musikvermittlerin Carolina Nees und die Musiker des SWR Symphonieorchesters überzeugt. Bei einem Kitakonzert im SWR Studio Freiburg am vergangenen Freitag hat ein kleines Ensemble vor rund 80 Kindern gespielt.„Tadellose Aufnahme“: Kuss Quartett mit Conrado del Campos Streichquartetten
Fast banal und doch unendlich verdichtete Stimmen Das Streichquartett Nr. 11 von Conrado del Campo entstand in derselben Zeit wie die berühmt-berüchtigte zweite Klaviersonate von Pierre Boulez, ein …
Notes de l’épisode
Fast banal und doch unendlich verdichtete Stimmen Das Streichquartett Nr. 11 von Conrado del Campo entstand in derselben Zeit wie die berühmt-berüchtigte zweite Klaviersonate von Pierre Boulez, ein Schlüsselwerk der Avantgarde. Doch im Jahr 1947 war auch noch anderes möglich. Fast banal klingt das erste Thema des Kopfsatzes dieses E-Dur-Quartetts. Klassischer Sonatensatz, ganz traditionsgemäß vier Sätze. Aber gleichzeitig umwinden und verdichten sich die Stimmen unendlich aus kleinen Zellen, wobei die Grundmotive ständig wiederkehren. Der Komponist Conrado del Campo Den tonalen Boden hat Conrado del Campo nie verlassen, auch nicht die üppige Klangsprache und Harmonik der Wende zum zwanzigsten Jahrhundert. Geboren 1878 in Madrid, war del Campo Geiger am dortigen Teatro Real und Mitglied in mehreren Kammermusik-Ensembles. 1928 versuchte del Campo sich mal an einer Vervollständigung von Schuberts „Unvollendeter“. Aber seine bedeutendste Leistung scheinen vierzehn Streichquartette zu sein. Man hört ihnen nicht nur seine intensive Erfahrung als aktiver Streicher an, sondern auch sein enormes konstruktives Denken. Kuss Quartett spielt alle Quartette del Campos ein Das deutsche Kuss Quartett ist prädestiniert für solche Musik. Seit 35 Jahren steht es für Experimentierfreude und Neugier auf unbekanntes Repertoire, mit starker Beethoven-Kompetenz im Rücken. Das neu erschienene Album mit zwei späten Quartetten von Conrado del Campo, die 1947 und 1948 entstanden, ist bereits das vierte Album einer Reihe. Acht der vierzehn Quartette wurden damit erstmals eingespielt. Alles Live-Mitschnitte von Konzerten der Madrider Fundación Juan March, die diese Werke zugleich auch als Verleger ediert. Produktionstechnisch ein vorzügliches Album Die Aufnahme selbst ist tadellos – abgesehen davon, dass am Ende der Publikumsbeifall sehr rabiat abgeschnitten wird. Das stellt aber auch die einzige Fehlleistung dieses Albums dar. Die Musik auf diesem Album würde jeden klassischen Streichquartett-Abend bereichern. Die Frage ist, wie sehr das Publikum sich auf derart Unbekanntes einlassen mag. Dass Neugier sich lohnt, belegt dieses Album eindrucksvoll.„Wir wollen eine fröhliche Botschaft vermitteln“: Kirchenmusikdirektor Matthias Hanke über evangelische Kirchenmusik
„Martin Luther war die Singförderung sehr wichtig“, sagt Matthias Hanke. Er ist Kirchenmusikdirektor der Evangelischen Landeskirche in Württemberg und spricht in SWR Kultur anlässlich des Reformationstags am …
Notes de l’épisode
„Martin Luther war die Singförderung sehr wichtig“, sagt Matthias Hanke. Er ist Kirchenmusikdirektor der Evangelischen Landeskirche in Württemberg und spricht in SWR Kultur anlässlich des Reformationstags am 31. Oktober über die Bedeutung der Musik in der evangelischen Kirche. Wichtiger denn je sei es heute, auch musikalisch eine große Stilvielfalt von Klassik bis Pop zu pflegen und das gemeinsame Singen als eine Kraft zu begreifen, um Sorgen und Ängste zu überwinden. „Wir wollen eine fröhliche Botschaft vermitteln“, so Hanke.
Voici les 41 derniers épisodes sur 189. Les épisodes plus anciens se trouvent dans le flux du podcast.
De la station de radio
C’est votre podcast ?
Confirmez-le avec une entrée dans votre flux : vous recevez ici un code, vous l’ajoutez comme podcast:txt dans le canal de votre flux, et nous le vérifions. Votre podcast apparaît ensuite comme « vérifié » sur SoundNode.