PuroJazz
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¡Bienvenidos a Puro Jazz! Podcast del programa PuroJazz que dirige y presenta Roberto Barahona para Radio Beethoven de Santiago de Chile El programa Puro Jazz se ha trasladado a Substack.com, una plataforma que nos permitirá ofrecer una experiencia más completa e interactiva. El acceso sigue siendo el mismo: puedes ingresar como siempre a través de purojazz.com, donde encontrarás los nuevos contenidos y enlaces actualizados. En Substack contaremos con herramientas mejoradas para comunicación, suscripción y contacto, lo que facilitará aún más el acceso a las transmisiones, lecturas y novedades de Puro Jazz. Para quienes nos seguían en Facebook o Instagram, esta nueva plataforma permitirá continuar ese valioso intercambio de ideas, experiencias e incluso imágenes en un solo lugar. Y para los que simplemente disfrutan de la música, pueden estar tranquilos: nada cambiará. La esencia y el espíritu de Puro Jazz seguirán siendo los mismos.
Episodes 375
Puro Jazz 13 de noviembre, 2026
DANIEL CARTER / FEDERICO UGHI EXTRA ROOM - Paramus, NJ, November 24, 2012 - It’s got to be better outside, Sweat it out, Taking our time - Daniel Carter (as,ts,sop,fl,tp,p) Federico Ughi (d)El saxofonista y …
Show notes
DANIEL CARTER / FEDERICO UGHI EXTRA ROOM - Paramus, NJ, November 24, 2012 - It’s got to be better outside, Sweat it out, Taking our time - Daniel Carter (as,ts,sop,fl,tp,p) Federico Ughi (d)
El saxofonista y multi-instrumentista Daniel Carter y el baterista italiano Federico Ughi se conocieron en el Pink Pony, un pequeño local del Lower East Side barrio bajo de Manhattan que hace tiempo desapareció. Fue el comienzo de una colaboración que, con los años, se convertiría en una duradera asociaciones.
“Extra Room”, grabado en noviembre de 2012 en Paramus, Nueva Jersey, es el tercer álbum del dúo.
La música refleja una relación construida a través de innumerables ensayos, conciertos y conversaciones. Carter alterna entre distintos saxofones, flauta, trompeta y piano, mientras Ughi responde desde la batería con una gran variedad de recursos.
En “Extra Room” no hay arreglos establecidos ni una estructura que los músicos deban seguir. La música se desarrolla a partir de la escucha mutua, de las ideas que uno propone y de las respuestas del otro. A veces el diálogo es intenso; en otros momentos, sorprendentemente delicado.
MARC RIBOT QUARTET HURRY RED TELEPHONE - c. 2026 - New monster (2,4,5), Faucets of terrible (1,6), Gnat (3,5) - Briggan Krauss (as-1) James Brandon Lewis (ts-2) Brian Settles (ts-3) David Watson (bagpipes-4) Marc Ribot (g) Hilliard Greene (b-5) Sebastian Steinberg (b-6) Chad Taylor (d,perc)
Durante más de cuatro décadas, el guitarrista Marc Ribot ha seguido un camino difícil de clasificar. Ha pasado por el jazz, el rock, la improvisación libre, la música cubana y las bandas sonoras, siempre con una personalidad musical inconfundible.
En “Hurry Red Telephone”, lanzado esta semana, Ribot regresa a las grabaciones instrumentales con un grupo de músicos especialmente interesantes. El álbum reúne dos sesiones diferentes, ambas con el baterista Chad Taylor, antiguo colaborador suyo. En una participan los saxofonistas James Brandon Lewis y Brian Settles, junto al contrabajista Hilliard Greene. En la otra encontramos al saxofonista alto Briggan Krauss y al bajista Sebastian Steinberg. También interviene David Watson en la gaita.
La música tiene mucho de lo que esperamos de Ribot: momentos de gran intensidad, sonidos ásperos, pasajes líricos y un sentido del humor que aparece cuando menos se espera.
MYRA MELFORD’S FIRE AND WATER QUINTET SURE GRAND OUT - New York, September 7, 2025 - Load cell, Transcription factor - Ingrid Laubrock (ts,sop) Myra Melford (p) Mary Halvorson (g) Tomeka Reid (cello) Lesley Mok (d)
La pianista y compositora Myra Melford formó su Fire and Water Quintet en 2019, junto a cuatro destacadas improvisadoras: Ingrid Laubrock en saxofones, Mary Halvorson en guitarra, Tomeka Reid en violonchelo y, actualmente, Lesley Mok en batería. “Sure Grand Out”, está realmente maravilloso afuera, grabado en Nueva York en septiembre de 2025, es el tercer álbum del grupo.
Toda la música es de Melford. Compone pensando en la personalidad musical de cada integrante, aprovechando sus distintas formas de expresarse. En este disco ha querido explorar las posibilidades que aparecen cuando el quinteto se divide en pequeños grupos. En lugar de mantener siempre a las cinco músicas tocando juntas, las composiciones van dando paso a dúos y tríos que cambian continuamente.
Un buen ejemplo es “Load Cell” que ofrece sucesivos encuentros entre saxofón y batería, piano y guitarra, saxofón y violonchelo, antes de que el grupo vuelva a juntarse.
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BEN RILEY WEAVER OF DREAMS - Brooklyn, NY, August 26, 1993 - Black Nile, Solar, I mean you - Ralph Moore (ts) Kenny Barron (p) Buster Williams (b) Ben Riley (d) Ben Riley, el último baterista de Thelonious Monk …
Show notes
BEN RILEY WEAVER OF DREAMS - Brooklyn, NY, August 26, 1993 - Black Nile, Solar, I mean you - Ralph Moore (ts) Kenny Barron (p) Buster Williams (b) Ben Riley (d) Ben Riley, el último baterista de Thelonious Monk entre 1964 y 68 sus cuatro últimos años de su cuarteto, fue uno de los grandes acompañantes del jazz moderno. Su manera de tocar, siempre imaginativa y discreta, le permitía impulsar la música sin imponerse sobre los demás instrumentos.
En “Weaver of Dreams”, grabado en Brooklyn en 1993, Riley comparte con el saxofonista tenor Ralph Moore, el contrabajista Buster Williams y el pianista Kenny Barron.
Riley y Williams habían trabajado juntos durante muchos años, desarrollando un entendimiento musical extraordinario. Riley siempre mantuvo que uno de sus principales objetivos era no interferir con el trabajo del contrabajista, como se aprecia aquí.
LINDA MAY HAN OH SUN PICTURES - New York, November 12, 2012 - Footfall, 10 minutes till crossing - Ben Wendel (ts,sop) James Muller (g) Linda May Han Oh (b) Ted Poor (d)
La contrabajista y compositora Linda May Han Oh, nació en Malasia y se crió en Australia, se ha convertido en una interesante figura del jazz contemporáneo. Su tercer álbum como líder, “Sun Pictures”, fue grabado en Nueva York en noviembre de 2012. La acompañan Ben Wendel en saxos tenor y soprano, el guitarrista australiano James Muller y Ted Poor en batería.
El título del disco hace referencia a Sun Pictures, un histórico cine al aire libre de Australia. Pero también describe el carácter de sus siete composiciones originales, muchas de ellas inspiradas en imágenes, lugares y experiencias de sus viajes. La música tiene un carácter íntimo y reflexivo, con melodías delicadas. Se destaca especialmente el diálogo entre la guitarra de Muller y los saxofones de Wendel, sostenido por el contrabajo de Oh y la batería de Poor.
MIKE LEDONNE TURN IT UP! - Vancouver, BC, Canada, September 17 & 18, 2004 - Delilah, Lament - Eric Alexander (ts) Mike LeDonne (org) Peter Bernstein (g) Joe Farnsworth
El pianista y organista Mike LeDonne formó en 1999 su Groover Quartet, integrado por Eric Alexander en saxo tenor, Peter Bernstein en guitarra y Joe Farnsworth en batería. Más de veinticinco años después, los cuatro músicos siguen tocando juntos, algo poco frecuente en el jazz.
En “Turn It Up!”, el cuarteto vuelve a demostrar su afinidad con el hard bop y el soul jazz, siguiendo la tradición de grandes organistas como Jimmy Smith y Charles Earland. La música tiene un swing contagioso, con el órgano de LeDonne proporcionando una sólida base rítmica y armónica. Eric Alexander despliega su poderoso sonido en el saxo tenor, mientras Peter Bernstein, como siempre, aporta sus imaginativas intervenciones en la guitarra.
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JIMMY HEATH ON THE TRAIL - New York, spring 1964 - On the trail, Cloak and dagger, Project S - Jimmy Heath (ts) Wynton Kelly (p) Kenny Burrell (g) Paul Chambers (b) Albert “Tootie” Heath (d)Jimmy Heath fue una …
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JIMMY HEATH ON THE TRAIL - New York, spring 1964 - On the trail, Cloak and dagger, Project S - Jimmy Heath (ts) Wynton Kelly (p) Kenny Burrell (g) Paul Chambers (b) Albert “Tootie” Heath (d)
Jimmy Heath fue una de las figuras más respetadas del jazz moderno, tanto por su trabajo como saxofonista como por su talento para la composición y los arreglos. Nació en Filadelfia en 1926, en una familia extraordinariamente musical: su hermano Percy fue contrabajista del Modern Jazz Quartet y su hermano menor, Albert, conocido como Tootie, fue baterista.
Comenzó tocando el saxofón alto, influido por Charlie Parker. Más adelante adoptó el tenor y desarrolló una voz propia. Durante su larga carrera trabajó con Dizzy Gillespie, Miles Davis y Art Farmer, y formó junto a sus hermanos el célebre Heath Brothers.
Heath fue un músico profundamente ligado al bebop y al hard bop, pero su manera de tocar se distinguía por la claridad melódica y un fraseo construido cuidadosamente. Sus improvisaciones tenían una lógica casi narrativa, con un swing natural y un sonido cálido y expresivo.
On the Trail fue el último de los seis álbumes que Jimmy Heath grabó para Riverside. Registrado en Nueva York en 1964, rlidera un quinteto excepcional: Wynton Kelly, Kenny Burrell, Paul Chambers y su hermano Albert “Tootie” (d)
La pieza que da título es tomada de la Grand Canyon Suite de Ferde Grofé.
FRANK KIMBROUGH MONK’S DREAMS - Maggie’s Farm, Pipersville, PA, May 22, 2018 - Played twice (1), Ba-lue Bolivar ba-lues-are (1), Ask me now (1), Reflections (fk,bd out,2) - Scott Robinson (ts1,bassax2,tp3) Frank Kimbrough (p) Rufus Reid (b) Billy Drummond (d)
Frank Kimbrough en 2018 se propuso grabar las 70 composiciones conocidas de Thelonious Monk y convocó a tres músicos de primera línea: el multi-instrumentista Scott Robinson con Rufus Reid en bajo y Billy Drummond en batería.
Kimbrough trata la música de Monk con admiración y profundo conocimiento de su lenguaje. Su interpretación conserva las melodías, las armonías inesperadas y los característicos desplazamientos rítmicos del compositor, sin intentar reproducir exactamente su manera de tocar.
Scott Robinson alterna el saxofón tenor con la trompeta y varios instrumentos poco habituales, entre ellos el saxofón bajo y el sarrusofón contrabajo. Reid y Drummond mantienen un swing relajado y flexible, proporcionando una base sólida al proyecto.
ERNESTO CERVINI WATER PISTOLS AT DAWN - poss. Toronto, c. 2025 - Waiting for a win, Evidence, Moonlight serenade - Kaelin Murphy (tp) Andrew Marzotto (g) Mark Godfrey (b) Ernesto Cervini (d)
En su disco “Water Pistols at Dawn” —«Pistolas de agua al amanecer»—, el baterista canadiense Ernesto Cervini reúne a tres jóvenes músicos de Toronto: el trompetista Kae Murphy, el guitarrista Andrew Marzotto y el contrabajista Mark Godfrey.
Con influencias tan diversas como Radiohead, The Smile, Avishai Cohen, The Bad Plus y Pat Metheny, el grupo desarrolla una música que combina melodías expresivas, ritmos complejos, improvisación y momentos de gran intensidad.
El álbum incluye tres composiciones de Cervini además de nuevas versiones de temas de procedencias muy distintas: Glenn Miller; Thelonious Monk; y del grupo británico The Smile.
Una selección que refleja la amplitud de intereses de Cervini y su deseo de explorar nuevas posibilidades expresivas sin perder su identidad jazzística.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 10 de noviembre, 2026
TEDDY EDWARDS SMOOTH SAILING - New York, December 19, 2001 - Going home, Hank’s tune, Smooth sailing - Teddy Edwards (ts) Richard Wyands (p) Ray Drummond (b) Chip White (d)El saxofonista Teddy Edwards fue una …
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TEDDY EDWARDS SMOOTH SAILING - New York, December 19, 2001 - Going home, Hank’s tune, Smooth sailing - Teddy Edwards (ts) Richard Wyands (p) Ray Drummond (b) Chip White (d)
El saxofonista Teddy Edwards fue una figura importante del jazz de la Costa Oeste, aunque nunca alcanzó la popularidad de algunos de sus contemporáneos. Su carrera comenzó en los años cuarenta y se extendió durante más de medio siglo, siempre con un estilo personal, de sonido cálido y una manera de improvisar que parecía surgir sin esfuerzo.
En Smooth Sailing, grabado en 2001, Edwards está acompañado por el pianista Richard Wyands, el contrabajista Ray Drummond y el baterista Chip White. Es un cuarteto que funciona con gran naturalidad, sin arreglos complicados ni necesidad de demostrar virtuosismo.
Edwards atravesaba entonces problemas de salud, pero nada de eso parecía afectar su interpretación. Su saxofón conserva la elegancia de siempre, tanto en las baladas como en los temas rápidos.
El repertorio incluye piezas asociadas con grandes saxofonistas como Coleman Hawkins, Ben Webster, Lester Young y Hank Mobley. Edwards encuentra en ellas oportunidades para expresar su propia personalidad, sin intentar imitar a ninguno.
Hay algo especialmente atractivo en su manera de tocar: nunca parece estar apurado. Deja que las melodías respiren, escoge cuidadosamente sus frases y consigue que cada intervención tenga sentido.
LEON PARKER TRIO 93 FOUNDATIONS - Brooklyn, NY, April, 1993 - Bemsha swing, Caravan, Evidence - Brad Mehldau (p) Ugonna Okegwo (b) Leon Parker (d)
El baterista Leon Parker fue una de las figuras más originales del jazz de los años noventa. Su manera de tocar llamaba la atención por la sencillez de su equipo: en ocasiones le bastaban un platillo, un tambor y algunos pequeños instrumentos de percusión para producir una sorprendente variedad de sonidos y ritmos. Cuando lo vi en el club One STEP DOWN de Washington como acompañante del saxofonista David Sánchez, probablemente el mismo año en que se grabó este disco; recuerdo muy bien que solo trajo una caja, un bombo ínfimo y un platillo de 18 pulgadas.
Parker se dio a conocer trabajando con músicos como Jacky Terrasson, Dewey Redman y Joshua Redman. Sin embargo, a comienzos de los años 2000 decidió trasladarse a Francia y alejarse del circuito habitual del jazz estadounidense. Allí se dedicó a explorar nuevas formas de expresión rítmica, incorporando el movimiento corporal, la voz y la percusión. Aunque nunca abandonó completamente la música, durante muchos años su presencia en las grabaciones fue bastante limitada.
Foundations, publicado ahora por Sunnyside Records, nos devuelve a una etapa muy anterior. En abril de 1993, Parker reunió en un estudio de Brooklyn a dos jóvenes músicos: el pianista Brad Mehldau y el contrabajista Ugonna Okegwo. Grabaron una sesión con un solo micrófono, en un ambiente cercano al de una actuación en vivo.
Las cintas permanecieron inéditas durante treinta y tres años.
JOEL HARRISON ANTHEM OF UNITY - Woodstock, NY, November 21, 2022 - The times they are a-changin’ (2), Doxy, Migratory birds (1) - Gregory Tardy (ts,cl-1) Gary Versace (org,p-2) Joel Harrison (g) Jack DeJohnette (d)
El guitarrista y compositor Joel Harrison ha tenido una carrera bastante particular. Su música se mueve con facilidad entre el jazz, el rock, el blues y las tradiciones populares estadounidenses. Además de sus numerosas grabaciones, ha trabajado como compositor para cine y es fundador del Alternative Guitar Summit, un encuentro dedicado a explorar las posibilidades de la guitarra contemporánea.
En este disco, Harrison se acerca por primera vez a una formación clásica del jazz: guitarra, órgano Hammond, saxo tenor y batería. Lo acompañan Greg Tardy en saxofón, Gary Versace en órgano y piano, y nada menos que Jack DeJohnette en batería.
La presencia de DeJohnette es uno de los grandes atractivos de la grabación. Desde el primer tema aporta esa combinación tan suya de energía, imaginación y libertad rítmica.
Harrison presenta composiciones muy variadas, desde piezas cercanas al blues y al funk hasta baladas de carácter más íntimo. Su guitarra puede recordar por momentos a John Scofield o Bill Frisell, aunque mantiene una voz propia.
El repertorio incluye también una versión de The Times They Are A-Changin’, de Bob Dylan, y ofrece momentos especialmente interesantes para escuchar el diálogo entre Harrison y DeJohnette.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 09 de noviembre, 2026
JIM SNIDERO HOUSE OF TRANE - Saylorsburg, PA, c. 2025 - Ascent, Relaxin’ in Dix Hills, Resolution - Jim Snidero (as,comp) Stefan Karlsson (p) Nat Reeves (b) Jason Tiemann (d)House Of Trane es el más reciente …
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JIM SNIDERO HOUSE OF TRANE - Saylorsburg, PA, c. 2025 - Ascent, Relaxin’ in Dix Hills, Resolution - Jim Snidero (as,comp) Stefan Karlsson (p) Nat Reeves (b) Jason Tiemann (d)
House Of Trane es el más reciente lanzamiento del saxofonista Jim Snidero. Concebido como un homenaje a John Coltrane, el álbum presenta seis composiciones originales de Snidero junto a dos composiciones de Coltrane.
En esta grabación lo acompañan el pianista Stefan Karlsson, el contrabajista Nat Reeves y el baterista Jason Tiemann. Entre los temas propios destaca «Relaxing in Dix Hills», una referencia a la localidad de Long Island donde Coltrane vivió sus últimos años; un tema que proporciona un espacio fundamental al piano de Karlsson. Snidero también aborda «Resolution», movimiento de la célebre obra A Love Supreme, mantiene su intensidad original con voz propia y sin imitar.
LEM WINCHESTER AND THE RAMSEY LEWIS TRIO A TRIBUTE TO CLIFFORD BROWN - Chicago, October 8, 1958 - Joy spring, Where it is,Sandu - Lem Winchester And The Ramsey Lewis Trio : Lem Winchester (vib) Ramsey Lewis (p) Eldee Young (b) Redd Holt (d)
La historia del vibrafonista Lem Winchester es una de las más breves y prometedoras del jazz de fines de los años cincuenta.
Winchester alternaba su trabajo de policía en Delaware mientras desarrollaba su propia estilo en el vibráfono. Su carrera dio un giro definitivo en 1958, cuando su exitosa actuación en el Festival de Newport, impulsada por el crítico Leonard Feather, le abrió las puertas a sus primeras grabaciones como líder.
Pocos meses después registró A Tribute to Clifford Brown, acompañado por el trío del pianista Ramsey Lewis, con Eldee Young en contrabajo y Redd Holt en batería.
El homenaje tiene un significado personal: Clifford Brown había sido amigo de Winchester desde su juventud. El repertorio incluye dos composiciones del trompetista, Joy Spring y Sandu, junto con conocidos estándares del jazz y una pieza original del vibrafonista.
TED NASH THE CREEP - Maggie’s Farm, Pipersville, PA, September 5 & 6, 2011 - The creep, Twilight sounds, Kaleidoscope - Ron Horton (tp) Ted Nash (as) Paul Sikivie (b) Ulysses Owens, Jr. (d)
The Creep, es el álbum en que el saxofonista Ted Nash se aleja de sus proyectos habituales para explorar un terreno más abierto. Como punto de partida toma los primeros cuartetos de Ornette Coleman, una formación de saxo alto, trompeta, contrabajo y batería, prescindiendo por completo del piano. Lo acompañan Ron Horton, Paul Sikivie y Ulysses Owens Jr. en trompeta, bajo y batería.
El repertorio incluye siete piezas originales de Nash, una composición de Sherman Irby y «Kaleidoscope», deColeman. Especial atención merece el tema homónimo, The Creep, que combina una línea de contrabajo muy marcada con una melodía expectante, así como la notable capacidad del trompetista Horton para dialogar con el saxofón.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 06 de noviembre, 2026
RICH HALLEY TERRA INCOGNITA, c. 2019 - Centripetal, Terra incognita - Rich Halley (ts) Matthew Shipp (p) Michael Bisio (b) Newman Taylor Baker (d)El saxofonista tenor Rich Halley en Terra Incognita, es …
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RICH HALLEY TERRA INCOGNITA, c. 2019 - Centripetal, Terra incognita - Rich Halley (ts) Matthew Shipp (p) Michael Bisio (b) Newman Taylor Baker (d)
El saxofonista tenor Rich Halley en Terra Incognita, es acompañado por tres músicos de primera línea: Matthew Shipp, piano, Michael Bisio, contrabajo y Newman Taylor Baker batería.
Halley tiene una larga trayectoria en el jazz de improvisación libre, aunque nunca ha perdido su interés por el blues. Su manera de tocar recuerda por momentos a John Coltrane, Albert Ayler y Pharoah Sanders, especialmente en los registros más altos.
La presencia de Matthew Shipp es particularmente importante. Es la primera vez en varios años que Halley incorpora un pianista a sus grabaciones, y Shipp aporta una combinación de energía, imaginación y momentos de gran delicadeza.
El disco incluye composiciones en las que los cuatro músicos participan activamente en el desarrollo de la música. En el tema que da título al álbum, Halley y Shipp mantienen un intercambio especialmente animado, mientras Bisio y Baker sostienen y transforman continuamente el ritmo.
CARMEN QUILL I’LL BE THINKING OF YOU ON THURSDAY, New York City, January 10, 2026 - 2300 Skidoo (Herbie Nichols), Hot House (Tadd Dameron) - Jacob Sacks (p) Carmen Quill (b) Billy Hart (dr)
La contrabajista y compositora Carmen Quill, presenta una grabación en vivo realizada en Close Up, un pequeño club del Lower East Side el barrio del sur este de Nueva York.
La acompañan el pianista Jacob Sacks y el veterano baterista Billy Hart, uno de los músicos más respetados del jazz contemporáneo.
El repertorio combina composiciones de Quill con obras de Herbie Nichols, Tadd Dameron, John Coltrane y Duke Ellington, entre otros. Es una selección variada que permite apreciar tanto el swing tradicional como las posibilidades de la improvisación más abierta.
“Hot House”, de Dameron, ofrece uno de los momentos más animados, con el contrabajo de Quill marcando el paso y Billy Hart desplegando toda su experiencia.
El curioso título del disco nació de una conversación entre Quill y Hart. Cuando el baterista mencionó que tenía una cita médica, ella le respondió: «Estaré pensando en ti el jueves». Hart encontró que aquella frase sería un excelente título para una composición.
CHARLES BRACKEEN RHYTHM X, Englewood, NJ, January 26, 1968 - Hour glass, C.B. blues - Don Cherry (tp) Charles Brackeen (as,ts) Charlie Haden (b) Ed Blackwell (d)
Charles Brackeen es uno de esos saxofonistas que, pese a su talento, nunca alcanzaron el reconocimiento que merecían. Su álbum Rhythm X, grabado a finales de los años sesenta y publicado por Strata-East, constituye uno de los testimonios más interesantes de su carrera.
Para esta sesión, Brackeen contó con tres músicos estrechamente vinculados a Ornette Coleman: Don Cherry en trompeta, Charlie Haden en contrabajo y Ed Blackwell en la batería. Su presencia explica en buena medida el carácter del disco. La influencia de Ornette Coleman es evidente, especialmente en la libertad con que se desarrollan las improvisaciones y en la relación entre los instrumentos.
Brackeen aporta cuatro composiciones originales y demuestra una personalidad propia, con un sonido vigoroso y una manera de improvisar que combina energía, lirismo y espontaneidad.
Don Cherry interviene con su habitual imaginación, mientras Charlie Haden y Ed Blackwell forman una sección rítmica extraordinariamente flexible.
Durante años, Rhythm X fue un disco difícil de conseguir. Su reciente recuperación a partir de las cintas originales permite redescubrir una grabación que merece ocupar un lugar más destacado en la historia del free jazz.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 05 de noviembre, 2026
EDEN BAREKET TRIO NIGHT - Roxelle, NJ, December 9, 2017 - Birds, Baccatum - Eden Bareket (bar,b-cl-1) Or Bareket (b) Felix Lecaros (d)El saxofonista Eden Bareket llegó a Nueva York desde Israel en 2013 y pronto …
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EDEN BAREKET TRIO NIGHT - Roxelle, NJ, December 9, 2017 - Birds, Baccatum - Eden Bareket (bar,b-cl-1) Or Bareket (b) Felix Lecaros (d)
El saxofonista Eden Bareket llegó a Nueva York desde Israel en 2013 y pronto comenzó a abrirse camino en la escena jazzística de la ciudad.
En Night, su segundo álbum como líder, vuelve a reunirse con su hermano Or Bareket en el contrabajo y el baterista chileno Felix Lecaros. Es un trío poco habitual, sin piano ni guitarra, en el que cada instrumento tiene una participación muy activa.
El barítono de Bareket puede sonar profundo y oscuro, pero también sorprendentemente ágil. En ocasiones utiliza las propias llaves del saxofón como elementos de percusión, ampliando las posibilidades del instrumento.
La música tiene momentos de gran energía y otros más misteriosos, Night es un disco lleno de sorpresas, que muestra cómo un pequeño grupo puede conseguir una notable variedad de sonidos y ambientes.
TIM HAGANS ALONE TOGETHER - Munich Germany, November, 2006 - You don’t know what love is, Alone together - Tim Hagans (tp) Marc Copland (p) Drew Gress (b) Jochen Rueckert (d)x
Tim Hagans, es un trompetista de sonido muy personal, tanto en frases rápidas y enérgicas como en momentos de gran delicadeza. Comenzó su carrera profesional en las grandes orquestas de Stan Kenton y Woody Herman. Más tarde se estableció en Suecia, donde tuvo la oportunidad de trabajar con músicos como Dexter Gordon, Kenny Drew y Thad Jones.
En Alone Together, su segundo disco para el sello alemán Pirouet, Hagans invitó a tres músicos de primera categoría: el pianista Marc Copland, el contrabajista Drew Gress y el baterista Jochen Rueckert. Copland tiene un papel especialmente importante. Además de aportar varias composiciones, establece con Hagans un diálogo constante, en el que ambos encuentran espacio para desarrollar sus ideas.
TODD MARCUS TRIO+ - Silver Spring, MD, May 3 & July 6, 2019 - Cantata (2,3,5), Amy Pookie (1,4), Invitation (1,4) - Sean Jones (tp-1) Todd Marcus (b-cl,cl-2) Jeff Reed (b-3) Ameen Saleem (b-4) Ralph Peterson (d) Eric Kennedy (d-5
Todd Marcus es uno de los pocos músicos del jazz actual que han elegido el clarinete bajo como su instrumento principal. Durante buena parte de su carrera ha trabajado con grupos numerosos, desarrollando composiciones que reflejan tanto sus raíces egipcias como su experiencia personal en Baltimore.
En Trio+ decide cambiar de formato y presentarse en un conjunto mucho más pequeño, acompañado por contrabajo y batería. En algunas piezas se incorpora el trompetista Sean Jones.
Esta formación permite apreciar mejor su manera de tocar. El clarinete bajo, con su sonido profundo y cálido, ocupa el centro de la música, mientras el contrabajo y la batería participan activamente en la conversación.
Uno de los atractivos del disco es la presencia del baterista Ralph Peterson, cuya imaginación rítmica aporta movimiento y variedad incluso en los pasajes más tranquilos.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 04 de noviembre, 2026
JESSE DAVIS AS WE SPEAK - New York, February 13, 1992 - Wake up call, Quasimodo, Lush life - Robert Trowers (tb) Jesse Davis (as) Jacky Terrasson (p) Peter Bernstein (g) Dwayne Burno (b) Leon Parker (d)Jesse …
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JESSE DAVIS AS WE SPEAK - New York, February 13, 1992 - Wake up call, Quasimodo, Lush life - Robert Trowers (tb) Jesse Davis (as) Jacky Terrasson (p) Peter Bernstein (g) Dwayne Burno (b) Leon Parker (d)
Jesse Davis, saxofonista de Nueva Orleans donde estudió con Ellis Marsalis, a quien le debe haber seguido su formación musical. Grabó As We Speak, en febrero de 1992, es su segundo disco para el sello Concord y lo muestra muy cómodo dentro del lenguaje del bebop, con un sonido de alto brillante, facilidad para las frases rápidas y una manera cálida de abordar las melodías.
Lo acompañaron Robert Trowers en trombón, Jacky Terrasson en piano, Peter Bernstein en guitarra, Dwayne Burno en contrabajo y Leon Parker en batería: un conjunto de jóvenes músicos que comenzaban a abrirse camino. Davis conduce la sesión con soltura junto a músicos de distintas generaciones. Al incorporar el trombón y la guitarra Davis enriquece el sonido del grupo.
El repertorio reúne composiciones propias, temas conocidos y algo de Charlie Parker.
JOE FARNSWORTH TIME TO SWING - New York, December 17, 2019 - Hesitation (1), The star-crossed lovers, Time was - Wynton Marsalis (tp-1) Kenny Barron (p) Peter Washington (b) Joe Farnsworth (d)
Joe Farnsworth es uno de esos bateristas que hacen sentir el swing desde los primeros compases: mantiene el pulso, escucha a sus compañeros y les da impulso sin ocupar todo el espacio.
Grabado en diciembre de 2019, Time to Swing incluye al pianista Kenny Barron, al contrabajista Peter Washington, y Wynton Marsalis que es el invitado especial destacado en las primeras cuatro pistas. El emparejamiento de su trompeta y el ritmo del platillo de Farnsworth es genial. Farnsworth es una especie de especialista en tríos de pianos con un extenso trabajo en los tríos clásicos de Cedar Walton, Hank Jones, McCoy Tyner y Harold Mabern, entre otros. Aquí, Barron, Washington y Farnsworth ofrecen interpretaciones inolvidables de Monk, Ellington y “One for Jimmy Cobb” composición de Farnsworth dedicada a uno de sus grandes influencias.
CECIL PAYNE — ZODIAC: THE MUSIC OF CECIL PAYNE - New York, December 16, 1968 - Martin Luther King, Jr., Girl, you got a home (2,3,4), Slide Hampton (1,2,3) - Kenny Dorham (tp) Cecil Payne (bar-2,as-1) Wynton Kelly (p-3,org-4) Wilbur Ware (b) Albert “Tootie” Heath (d)
Cecil Payne merece un lugar destacado entre los músicos que llevaron el saxo barítono al bebop. Se había iniciado en el alto, pero fue con el instrumento más grave, especialmente durante su paso por la gran orquesta de Dizzy Gillespie, que encontró su voz más reconocible: un sonido amplio y una agilidad que le permitía moverse con naturalidad por las frases más exigentes.
Su álbum Zodiac demuestra su calidad como compositor. Grabado en diciembre de 1968 y publicado por Strata-East en 1973, con Kenny Dorham en trompeta, Wynton Kelly en piano, Wilbur Ware en contrabajo y Albert “Tootie” Heath en batería.
La sesión comienza con un homenaje a Martin Luther King, enlazado con “I Know Love”. Es una apertura serena, donde la trompeta de Dorham y el barítono de Payne encuentran un tono especialmente cercano.
El resto del programa mantiene ese equilibrio entre calidez y energía.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 03 de noviembre, 2026
Sesión en la que escucharemos a los clarinetistas George Lewis, que representa la tradición colectiva de Nueva Orleans; Mezz Mezzrow, la fidelidad al blues y a sus raíces y Goodman, el refinamiento instrumental …
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Sesión en la que escucharemos a los clarinetistas George Lewis, que representa la tradición colectiva de Nueva Orleans; Mezz Mezzrow, la fidelidad al blues y a sus raíces y Goodman, el refinamiento instrumental y la libertad del swing.
GEORGE LEWIS AND HIS NEW ORLEANS STOMPERS - Live “Gypsy Tea Room”, New Orleans, LA, May 16, 1943 - Climax rag, Just a closer walk with thee, I ain’t gonna give nobody none o’ this jelly-roll, Dauphine Street blues, Just a little while to stay here - Kid Howard (tp) Jim Robinson (tb) George Lewis (cl) Lawrence Marrero (bj) Chester Zardis (b) Edgar Mosley (d)
George Lewis fue uno de los grandes representantes del jazz tradicional de Nueva Orleans. A diferencia de otros clarinetistas de su generación, no buscaba impresionar con su virtuosismo. Prefería las melodías sencillas, la improvisación colectiva y un sonido cálido y expresivo que llegó a ser inconfundible.
Nació en Nueva Orleans en 1900, aprendió a tocar el clarinete por su cuenta y durante los años veinte participó en diversas agrupaciones locales. Su carrera avanzó lentamente y durante mucho tiempo debió combinar la música con otros trabajos. Su asociación con el trompetista Bunk Johnson, a comienzos de los años cuarenta, contribuyó a darle mayor reconocimiento.
Lo oiremos en selecciones del álbum “The Complete Climax Recording Sessions”, con las grabaciones realizadas en mayo de 1943 junto al trombonista Jim Robinson, el trompetista Kid Howard y otros músicos de Nueva Orleans. El repertorio incluye piezas como “Climax Rag”, “Careless Love” y “Milenberg Joys” en interpretaciones que conservan la espontaneidad de esta música.
MEZZ MEZZROW:
- New York, March 12, 1936 - Mutiny in the parlor, The panic is on - Frankie Newton (tp) Mezz Mezzrow (cl) Bud Freeman (ts) Willie “The Lion” Smith (p,vcl) Al Casey (g) Wellman Braud (b) George Stafford (d) Lucille Stewart (vcl)
- New York, June 14, 1937 - Blues in disguise (mm,es arr) - Sy Oliver (tp) J.C. Higginbotham (tb) Mezz Mezzrow (cl,arr) Happy Caldwell (ts) Sonny White (p) Bernard Addison (g) Pops Foster (b) Jimmy Crawford (d) Edgar Sampson, Larry Clinton (arr)
- New York, November 21, 1938 - Revolutionary blues, Comin’ on with the come on (pt 1), Swingin’ for Mezz [Careless love] (tl,jpj - Tommy Ladnier, Sidney DeParis (tp) Mezz Mezzrow (cl) James P. Johnson (p) Teddy Bunn (g) Elmer James (b) Zutty Singleton (d)
Mezz Mezzrow fue una figura singular en la historia del jazz. Nació en Chicago en 1899, comenzó tocando el saxofón, aunque con el tiempo adoptó el clarinete como instrumento principal. Desde muy joven se sintió profundamente atraído por el blues y el jazz de Nueva Orleans, especialmente por la música de Louis Armstrong.
Durante los años veinte frecuentó los clubes del sur de Chicago, donde entró en contacto con numerosos músicos afroamericanos. Más adelante se trasladó a Nueva York y participó en grabaciones junto a figuras como Benny Carter, Teddy Wilson y Sidney Bechet.
Mezzrow nunca fue considerado un gran virtuoso del clarinete. Su estilo era directo, algo áspero y especialmente apropiado para el blues. Su verdadera importancia estuvo también en su capacidad para reunir músicos, organizar sesiones y defender una tradición musical que consideraba fundamental.
BENNY GOODMAN:
- TRIO - New York, July 13, 1935 (1), Chicago April 27, 1936 - Body and soul (1), Someday sweetheart , Too Good to Be True - Benny Goodman (cl) Teddy Wilson (p) Gene Krupa (d)
- TRIO & QUARTET - New York, March 25, 1938 - Sweet Lorraine (trio, lh out), Dizzy spells - Benny Goodman (cl) Lionel Hampton (vib,vcl) Teddy Wilson (p) Dave Tough (d)
Benny Goodman fue una de las grandes figuras de la era del swing. Su extraordinario dominio del clarinete, su imaginación como improvisador y su capacidad para dirigir conjuntos de diferentes tamaños lo convirtieron en uno de los músicos más influyentes de su generación. Aunque alcanzó enorme popularidad con su orquesta, algunas de sus grabaciones más interesantes surgieron de los pequeños grupos que formó a partir de 1935.
El primero fue un trío con el pianista Teddy Wilson y el baterista Gene Krupa. Poco después se incorporó el vibrafonista Lionel Hampton, dando origen a un cuarteto que alcanzaría gran popularidad. Estos conjuntos ofrecían una alternativa al sonido de las grandes orquestas. Sin complicados arreglos ni extensas secciones instrumentales, los músicos podían improvisar con mayor libertad y desarrollar un diálogo lleno de agilidad, humor y espontaneidad.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 02 de noviembre, 2026
1. GERRY MULLIGAN Y CHET BAKER (1952–1953) - PHIL TURETSKY’S HOUSE, Los Angeles, August 29, 1952 - Bernie’s tune, Utter chaos - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Bob Whitlock (b) Chico Hamilton (d)LIVE …
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1. GERRY MULLIGAN Y CHET BAKER (1952–1953)
- PHIL TURETSKY’S HOUSE, Los Angeles, August 29, 1952 - Bernie’s tune, Utter chaos - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Bob Whitlock (b) Chico Hamilton (d)
LIVE “THE HAIG”, Los Angeles, August, 1952 - Get happy - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Bob Whitlock (b) Chico Hamilton (d)
- BLACK HAWK, San Francisco, CA, September 2, 1952 - Line for Lyons, My funny Valentine - Chet Baker (tp) Gerry Mulligan (bar,arr) Carson Smith (b) Chico Hamilton (d)
Cuando Gerry Mulligan llegó a California, a comienzos de 1952, las cosas no parecían especialmente prometedoras. Tenía poco trabajo y era conocido principalmente por sus arreglos, más que por su talento como saxofonista. Sin embargo, Los Ángeles fue el escenario de una de las etapas más importantes de su carrera.
Comenzó escribiendo arreglos para la orquesta de Stan Kenton y pronto se incorporó a las jam sessions del Lighthouse, en Hermosa Beach. También participaba en las sesiones del Haig, uno de los clubes donde se reunían los músicos de jazz de Los Ángeles. Fue donde conoció al joven trompetista Chet Baker, cuyo sonido delicado y manera de tocar le llamaron su atención.
De esos encuentros nació una idea que parecía arriesgada: formar un cuarteto sin piano, dejando que la trompeta y el saxofón barítono construyeran juntos las melodías y armonías. Así nació el primer cuarteto sin piano de Mulligan, integrado por Chet Baker en trompeta, Bob Whitlock en contrabajo y Chico Hamilton en batería. La ausencia del piano no respondía simplemente a una cuestión práctica. Mulligan buscaba mayor libertad para desarrollar las melodías, evitando que un instrumento fijara permanentemente la armonía.
El sonido cálido y contenido de Baker contrastaba con el registro grave del barítono de Mulligan. Ambos intercambiaban frases, se acompañaban mutuamente y construían melodías que parecían surgir de una conversación espontánea. Era música ligera, abierta y extraordinariamente fluida. Las primeras grabaciones se hicieron en la casa del ingeniero Phil Turetsky con una grabadora Ampex y un solo micrófono y los músicos tocaban sin amplificación.
En pocos meses, el cuarteto se convirtió en una de las grandes atracciones del jazz de la Costa Oeste. Aunque el grupo suele asociarse con el llamado jazz de la Costa Oeste, su música conservaba una clara relación con el swing y la improvisación colectiva.
2. GERRY MULLIGAN Y BOB BROOKMEYER (1954–1957)
- THE PARIS CONCERT, “Salle Pleyel”, Paris, June 5-7, 1954 - Walkin’ shoes, Moonlight in Vermont, The lady is a tramp - Bob Brookmeyer (v-tb) Gerry Mulligan (bar,p) Red Mitchell (b) Frank Isola (d)
- NEWPORT JAZZ FESTIVAL, Newport, Rhode Island, July 6, 1958 - Blueport - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d)
- AT STORYVILLE, Boston, December 1-6, 1956 - I can’t get started - Bob Brookmeyer (v-tb,p-2) Gerry Mulligan (bar,p-1) Bill Crow (b) Dave Bailey (d)
La extraordinaria asociación entre Gerry Mulligan y Chet Baker terminó abruptamente en 1953, cuando Mulligan fue encarcelado por posesión de heroína. Al recuperar su libertad, Baker ya había comenzado su propia carrera y no lograron reanudar su colaboración.
Mulligan encontró entonces en Bob Brookmeyer como su compañero musical, dando comienzo a otra etapa de sus célebres cuartetos sin piano. Brookmeyer era un músico de considerable talento, que además era pianista, compositor y arreglista. Tocaba el trombón de válvulas, un instrumento menos frecuente que el trombón de vara, con un sonido cálido y una notable agilidad. Su encuentro con el saxofón barítono de Mulligan produjo una combinación poco habitual, ya que ambos instrumentos se desenvolvían principalmente en registros medios y graves.
A diferencia de la delicadeza que caracterizaba al cuarteto con Baker, esta formación desarrolló una música de mayor peso y cuerpo, con frecuentes intercambios melódicos. Brookmeyer era un improvisador ingenioso creando frases inesperadas sin perder nunca el sentido del swing.
La colaboración entre Mulligan y tuvo varias interrupciones. La primera ocurrió en 1954, después de la gira europea. Brookmeyer regresó a Estados Unidos, aunque posteriormente volvió a trabajar con Mulligan, tanto en el sexteto como en el cuarteto.
Hacia finales de la década, los intereses musicales de Brookmeyer comenzaron a tomar caminos diferentes y encontró nuevas posibilidades en el trío de Jimmy Giuffre, junto al guitarrista Jim Hall, una formación que también prescindía del piano, pero que exploraba una sonoridad muy distinta. La separación no fue definitiva. Ambos volverían a colaborar en numerosas ocasiones, especialmente en la Concert Jazz Band que Mulligan organizó en 1960.
3. GERRY MULLIGAN Y ART FARMER (1958–1959)
- WHAT IS THERE TO SAY - New York, December, 1958 & January 15, 1959 - What is there to say ?, As catch can, Festive minor - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d)
- THE QUARTETS - Hollywood, CA, February, 1959 - News from blueport - Art Farmer (tp) Gerry Mulligan (bar) Bill Crow (b) Dave Bailey (d)
En 1958, Gerry Mulligan invitó a Art Farmer a formar parte del cuarteto sin piano. La selección resultó ideal. Farmer era un trompetista de extraordinaria sensibilidad, capaz de combinar la precisión melódica con una improvisación serena y expresiva. Había desarrollado una importante trayectoria junto a figuras como Horace Silver y Gigi Gryce. Su estilo se distinguía por un sonido redondo, una gran claridad melódica y una manera de improvisar que privilegiaba la expresión por encima del virtuosismo.
Esta versión del cuarteto la completaban el contrabajista Bill Crow y el baterista Dave Bailey. Aunque la combinación de trompeta y saxo barítono recordaba inevitablemente al primer cuarteto con Chet Baker, la música había adquirido una personalidad diferente. Farmer aportaba una mayor experiencia en el bebop y el hard bop. La música conservaba la ligereza de los primeros cuartetos, pero mostraba una mayor madurez en el diálogo entre los instrumentos.
Con Farmer, Mulligan cerró una década de extraordinaria creatividad, demostrando una vez más que la ausencia del piano, lejos de ser una limitación, podía convertirse en una fuente permanente de posibilidades musicales. Poco después se estableció en Nueva York donde comenzó su primera big band La Gerry Mulligan Concert Band.
“What Is There to Say?”, grabado entre diciembre de 1958 y enero de 1959, es uno de los mejores testimonios de esta etapa. En él se aprecia la naturalidad con que Farmer y Mulligan intercambian ideas, apoyados por una sección rítmica que acompaña sin imponerse. Tambien un segmento de “The Quartets” album grabado en Hollywood en febrero de 1959.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 30 de octubre, 2026
FRANCISCO MELA CARNAVAL DE ORIENTE - New York, August 17, 2021 Carnaval De Oriente - Yo soy el tambor/Deja que hablen, Lengua del tambor - Francisco Mela (d,glockenspiel,g,perc,voice)El baterista y compositor …
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FRANCISCO MELA CARNAVAL DE ORIENTE - New York, August 17, 2021 Carnaval De Oriente - Yo soy el tambor/Deja que hablen, Lengua del tambor - Francisco Mela (d,glockenspiel,g,perc,voice)
El baterista y compositor cubano Francisco acaba de lanzar su disco “Carnaval de Oriente”, su primera grabación en solitario, un proyecto profundamente personal que recupera recuerdos de su infancia en Santiago de Cuba.
Durante más de treinta años, Mela ha desarrollado una destacada carrera junto a músicos como McCoy Tyner, Joe Lovano, Kenny Barron, John Scofield y Chucho Valdés. Sin embargo, en esta ocasión deja de lado las colaboraciones para concentrarse en su propia música.
El título hace referencia al tradicional Carnaval de Santiago de Cuba, una celebración que Mela recuerda como parte fundamental de su niñez, cuando la música reunía a familiares, amigos y vecinos.
Pero el disco no pretende reproducir los sonidos de esas fiestas. Mela usa esos recuerdos para expresar sentimientos relacionados con su familia, el paso del tiempo y las personas que ya no están.
Además de la batería y las percusiones, toca guitarra y glockenspiel e incorpora su propia voz. Alterna canciones originales con improvisaciones vocales inspiradas en la tradición cubana.
“Carnaval de Oriente” es una faceta distinta de Francisco Mela, más íntima y alejada de los formatos habituales del jazz.
MICHAEL BLAKE HALLOWEEN TALES - Maggie’s Farm, PA, January 13, 2026 - Halloween theme, Stalking monster, Witchcraft, Anatomy of a murder - Michael Blake (ts,sop) Gary Versace (p) Ben Allison (b) Michael Sarin (d)
El saxofonista y compositor Michael Blake en su álbum “Halloween Tales”, toma como punto de partida la música asociada con la tradicional celebración del 31 de octubre.
En lugar de reproducir estas melodías de manera convencional, Blake las lleva al terreno del jazz, acompañado por tres músicos con quienes ha compartido numerosos proyectos a lo largo de su carrera. Gary Versace en piano, Ben Allison en contrabajo y Michael Sarin en batería. Blake alterna entre los saxofones tenor y soprano.
La relación entre estos músicos viene de muchos años atrás. Blake y Allison comenzaron a trabajar juntos a fines de los años ochenta y posteriormente participaron en el Jazz Composers Collective. Sarin también ha colaborado extensamente con Allison, mientras que Versace ha compartido escenarios y giras con Blake.
SAMUEL BLASER QUARTET ROSINA - South Orange, NJ, September 27 & 28, 2024 & March 2025 - Adagio, Scherzo, Mysteriously - Samuel Blaser (tb) Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d)
El trombonista suizo Samuel Blaser en su nuevo disco “Rosina”, presenta ocho composiciones originales inspirado en las raíces italianas de su familia, particularmente en la región de Emilia-Romaña, de donde provenía su abuela materna.
El proyecto comenzó cuando Blaser exploraba las grabaciones de música tradicional realizadas por el investigador estadounidense Alan Lomax. Entre ellas encontró canciones populares del norte de Italia que despertaron su curiosidad y lo llevaron a profundizar en su historia familiar.
Para esta grabación reunió a tres músicos con quienes mantiene una larga relación: el pianista Russ Lossing, el contrabajista Masa Kamaguchi y el baterista Billy Mintz.
Blaser y Lossing comenzaron a colaborar en una sesión de 2010 junto al baterista Paul Motian, mientras que su relación musical con Mintz se remonta a años anteriores.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 29 de octubre, 2026
RUSS LOSSING MOTIAN MUSIC - Hampton, NJ, c. 2018 - Abacus, Fiasco, Asia, Dance - Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d)El pianista Russ Lossing mantuvo una estrecha relación musical con Paul …
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RUSS LOSSING MOTIAN MUSIC - Hampton, NJ, c. 2018 - Abacus, Fiasco, Asia, Dance - Russ Lossing (p) Masa Kamaguchi (b) Billy Mintz (d)
El pianista Russ Lossing mantuvo una estrecha relación musical con Paul Motian, uno de los bateristas y compositores más originales del jazz moderno. Durante años colaboraron en distintos proyectos, y Lossing llegó incluso a participar en la preparación de algunas de sus composiciones. Motian, falleció en 2011, dejó más de cien obras, muchas de ellas con melodías sencillas y atractivas, pero con estructuras rítmicas poco convencionales.
En Motian Music, Lossing vuelve a visitar ese repertorio, acompañado por el contrabajista Masa Kamaguchi y el baterista Billy Mintz, sus compañeros de trío durante más de veinte años.
El disco reúne diez composiciones de Motian, la grabación se realizó con todos tocando juntos en una misma sala, y cada pieza quedó registrada en una sola toma.
Lossing no pretende reproducir las interpretaciones originales, sino acercarse a estas composiciones desde su propia experiencia. El resultado es un homenaje cálido y personal a un músico que dejó una profunda huella en el jazz contemporáneo.
CHARLIE HADEN/CHET BAKER SILENCE - Rome, Italy, November 11 & 12, 1987 - Silence, Visa, My funny Valentine - Chet Baker (tp) Enrico Pieranunzi (p) Charlie Haden (b) Billy Higgins (d)
En noviembre de 1987, cuatro grandes músicos se reunieron en Roma para grabar Silence: el contrabajista Charlie Haden, el trompetista Chet Baker, el pianista italiano Enrico Pieranunzi y el baterista Billy Higgins.
La sesión tuvo lugar apenas seis meses antes de la muerte de Baker, y constituye uno de los últimos testimonios de su extraordinaria capacidad para expresar emociones a través de la trompeta.
La composición que da título al álbum, escrita por Haden, es una melodía pausada y melancólica, particularmente apropiada para el sonido íntimo de Baker. Pieranunzi aporta un acompañamiento delicado, mientras Higgins, antiguo compañero de Haden en los grupos de Ornette Coleman, mantiene un ritmo discreto y elegante.
CHICO HAMILTON SEXTET ELLINGTON SUITE - Los Angeles, January 9 & 12, 1959 - In a sentimental mood, Day dream, It don’t mean a thing - Buddy Collette (fl,as,ts) Paul Horn (fl,cl,as) Fred Katz (cello) Jim Hall (g) Carson Smith (b) Chico Hamilton (d)
El baterista Chico Hamilton fue uno de los músicos más originales del jazz de la Costa Oeste durante la década de 1950. Después de trabajar con Lester Young, Gerry Mulligan y Lena Horne, formó su propio quinteto, cuya particularidad era incluir un violonchelo, instrumento poco habitual en los pequeños conjuntos de jazz de aquella época.
En enero de 1959, Hamilton invitó a varios integrantes de sus primeras agrupaciones para grabar Ellington Suite, un disco dedicado a las composiciones de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Participaron los saxofonistas y flautistas Buddy Collette y Paul Horn, el guitarrista Jim Hall, el violonchelista Fred Katz y el contrabajista Carson Smith. El violonchelo y la guitarra, junto con los instrumentos de viento, proporcionan al conjunto un sonido muy particular. Hamilton mantiene una base rítmica ligera, pero muy movida.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 27 de octubre, 2026
HENRY “RED” ALLEN - New York, September 24, 1929 - Funny feathers blues (vs vcl), Pleasin' Paul - Henry “Red” Allen (tp,vcl) J.C. Higginbotham (tb) Albert Nicholas (cl) Charlie Holmes (sop,cl,as) Teddy Hill …
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HENRY “RED” ALLEN
- New York, September 24, 1929 - Funny feathers blues (vs vcl), Pleasin' Paul - Henry “Red” Allen (tp,vcl) J.C. Higginbotham (tb) Albert Nicholas (cl) Charlie Holmes (sop,cl,as) Teddy Hill (ts,cl) Luis Russell (p,celeste) Will Johnson (g,bj,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d,vib) Victoria Spivey (vcl)
- New York, February 18, 1930 - Sugar Hill function - Henry “Red” Allen (tp,vcl) Otis Johnson (tp-1) J.C. Higginbotham (tb) William Thornton Blue, Charlie Holmes (cl,as) Teddy Hill (cl,ts) Luis Russell (p,arr) Will Johnson (bj,g,vcl) Pops Foster (b) Paul Barbarin (d)
Henry “Red” Allen nació en 1908 en Nueva Orleans. Su familia estaba estrechamente vinculada al jazz. Su padre dirigía una banda de bronces y fue precisamente en sus desfiles donde Red comenzó a tocar la trompeta. Más adelante trabajó en los barcos del río Mississippi y pasó brevemente por la orquesta de King Oliver.
En 1929 se estableció en Nueva York, donde comenzó a grabar bajo su propio nombre. Durante los años siguientes fue solista destacado de las grandes bandas de Fletcher Henderson y Mills Blue Rhythm Band. También participó en grabaciones con Billie Holiday y Jelly Roll Morton.
Allen tenía un estilo muy personal, se distinguía por un fraseo imprevisible, lleno de cambios de ritmo, silencios inesperados y una expresividad que lo alejaba de los esquemas habituales. También cantaba, con una voz áspera y un sentido del humor muy particular.
Durante los años cuarenta dirigió pequeños conjuntos que combinaban el swing con elementos que anticipaban el rhythm and blues. Más adelante se concentró en el jazz tradicional, especialmente en el club Metropole de Nueva York, donde actuó durante más de una década.
Aunque sus raíces estaban en Nueva Orleans, Red Allen nunca dejó de buscar nuevas maneras de interpretar aquella música.
BUDDY TATE & HIS ORCHESTRA JUMPIN’ ON THE WEST COAST
- Los Angeles, December 6, 1947 - Vine Street breakdown, The things you done for me baby (1) - Emmett Berry (tp) Ted Donnelly (tb) Charles Q. Price (as,vcl-1) Buddy Tate (ts) Bill Doggett (p) Louis Speiginer (g) Billy Hadnott (b) Chico Hamilton (d) Jimmy Witherspoon (vcl-2) Eddy Fullylove (vcl)
- Los Angeles, December 28, 1947 - Kansas City local, Six foot two blues (2), Blue and sentimental (3) Benny Booker (b) replaces Billy Hadnott
El saxofonista tenor Buddy Tate nació en Sherman, Texas, en 1915. Comenzó tocando el saxo alto a los once años, pero pronto se decidió por el tenor, instrumento con el que desarrollaría una larga carrera dentro del swing.
Durante sus primeros años trabajó con distintas orquestas del sur de Estados Unidos, entre ellas la de Andy Kirk. En 1939 ingresó a la orquesta de Count Basie para ocupar el puesto que había dejado Herschel Evans, fallecido poco antes.
Tate permaneció con Basie hasta 1948, compartiendo la sección de saxofones con músicos como Lester Young, Don Byas y Lucky Thompson. Su sonido era robusto, cálido y directo, muy representativo de la tradición de los saxofonistas de Texas. Tenía una manera de tocar especialmente rítmica, con frases sencillas y expresivas, siempre apoyadas en el blues.
Después de dejar a Basie trabajó con Hot Lips Page y Jimmy Rushing, antes de formar su propio conjunto. Durante más de veinte años mantuvo una actuación regular en el Celebrity Club de Nueva York, una residencia poco común que le permitió desarrollar un estilo muy reconocible.
LAWRENCE BROWN’S ALL STARS INSPIRED ABANDON - New York, March 8, 1965 - Mood indigo (1, Nance, Brown, Procope, Hodges, p,b,d only), Good Queen Bess, Jeep’s blues - Ray Nance (cnt) Cat Anderson (tp) Lawrence Brown, Buster Cooper (tb) Jimmy Hamilton (cl) Russell Procope (as,cl) Johnny Hodges (as) Paul Gonsalves, Harold Ashby (ts) Jimmy Jones (p) Richard Davis (b) Gus Johnson (d) Johnny Hodges, Jr. (d-1) replaces Johnson
Lawrence Brown nació en Kansas en 1907 y creció en California. Antes de dedicarse al trombón estudió piano, violín y tuba. También cursó estudios de medicina, aunque finalmente optó por una carrera musical que lo llevaría a convertirse en uno de los grandes trombonistas del jazz.
Después de trabajar con distintas orquestas de Los Ángeles, entre ellas la de Paul Howard, tuvo la oportunidad de grabar con Louis Armstrong. En 1932 se incorporó a la orquesta de Duke Ellington, donde permanecería durante casi dos décadas.
Brown aportó un sonido muy diferente al de los otros trombonistas de Ellington. Mientras Tricky Sam Nanton utilizaba efectos de sordina y Juan Tizol se distinguía por su precisión, Brown prefería un sonido abierto, elegante y de gran fluidez. Su dominio técnico le permitía interpretar pasajes difíciles con aparente facilidad, pero sin perder nunca el sentido del swing.
En 1951 dejó la orquesta para incorporarse al pequeño conjunto de Johnny Hodges. Después de algunos años como músico independiente, regresó con Ellington en 1960 y permaneció hasta 1970.
A pesar de su larga trayectoria, grabó solamente dos álbumes como director: Slide Trombone e Inspired Abandon.
JOE MARSALA
- AND HIS CHICAGOANS - New York, April 21, 1937 - Wolverine blues, Jazz me blues, Clarinet marmalade - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Ray “Remo” Biondi (vln) Joe Bushkin (p) Adele Girard (harp) Eddie Condon (g) Artie Shapiro (b) Danny Alvin (d)
- CHICAGOANS - New York, March 16, 1938 - Mighty like the blues (lh vcl), Woo woo (jlm,band vcl), Hot string beans - Marty Marsala (tp) Joe Marsala (cl) Joe Bushkin (p) Jack LeMaire (g,vcl) Ray “Remo” Biondi (vln) Adele Girard (harp) Artie Shapiro (b) Buddy Rich (d) Lou Hurst (vcl)
Nacido en Chicago en 1907, Joe Marsala fue un clarinetista, compositor y director de pequeños conjuntos, cuya carrera estuvo estrechamente vinculada al jazz tradicional y al swing.
Su formación musical fue principalmente autodidacta. Durante los años veinte, con su hermano el trompetista Marty, frecuentaban los clubes del sur de Chicago, donde escuchaban a los músicos de Nueva Orleans que estaban dando forma al jazz. Esa experiencia fue fundamental en el desarrollo de su estilo.
En 1933 se trasladó a Nueva York, contratado por el trompetista Wingy Manone. Tres años después comenzó la etapa más importante de su carrera, cuando asumió la dirección de un conjunto que actuaba en el Hickory House, un conocido local de la calle 52. Marsala permaneció allí durante una década.
Aunque desarrolló su actividad en plena era de las grandes orquestas, prefería los grupos de seis o siete músicos, que ofrecían mayor libertad para la improvisación y permitían destacar la personalidad de cada instrumentista.
La aparición del bebop durante los años cuarenta no despertó demasiado entusiasmo en Marsala, que se mantuvo fiel al jazz tradicional y al swing. Hacia 1949 comenzó a dedicar una parte importante de su actividad a la composición de canciones populares, alejándose progresivamente de los escenarios.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 28 de octubre, 2026
DANNY D’IMPERIO BLUES FOR PHILLY JOE - Saylorsburg, PA, September 5 & 6, 1991 - Dee Dee’s dance, Blues for Philly Joe (1) - Greg Gisbert (tp) Gary Pribek (as) Ralph Lalama (ts) Hod O’Brien (p) Steve Brown (g-1) …
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DANNY D’IMPERIO BLUES FOR PHILLY JOE - Saylorsburg, PA, September 5 & 6, 1991 - Dee Dee’s dance, Blues for Philly Joe (1) - Greg Gisbert (tp) Gary Pribek (as) Ralph Lalama (ts) Hod O’Brien (p) Steve Brown (g-1) Dave Shapiro (b) Danny D’Imperio (d)
El baterista Danny D’Imperio nació en 1945 en Sidney, Nueva York, en una familia de músicos. Comenzó tocando otros instrumentos, pero la influencia de Louie Bellson lo llevó a dedicarse a la batería. A lo largo de su carrera participó en importantes orquestas y desarrolló un especial interés por recuperar composiciones poco conocidas del bebop y el hard bop.
En septiembre de 1991 grabó Blues for Philly Joe, su cuarto álbum como líder, acompañado por un septeto integrado por Greg Gisbert en trompeta, Gary Pribek en saxo alto, Ralph Lalama en tenor, Hod O’Brien en piano, Steve Brown en guitarra y Dave Shapiro en contrabajo.
El disco es un tributo al gran baterista Philly Joe Jones, una de las figuras fundamentales del hard bop. El repertorio reúne composiciones que rara vez aparecen en las grabaciones habituales de este estilo. Como “Tribute to Brownie” y “Time Off”.
LARRY GOLDINGS I WILL - Sam First in Los Angeles, CA., October 8, 2023 and April 11, 2024 - Roach, Mambo Inn - Larry Goldings (p) Karl McComas-Reichl (b) Christian Euman (dr)
Larry Goldings es conocido principalmente como uno de los grandes organistas del jazz contemporáneo. Durante más de treinta años ha mantenido un trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, una de las agrupaciones más reconocidas dentro de ese formato. Sin embargo, Goldings también es un excelente pianista, una faceta menos conocida de su carrera.
En I Will lo encontramos precisamente en el piano, acompañado por Karl McComas-Reichl en contrabajo y Christian Euman en batería. El álbum fue grabado en vivo durante dos noches, en octubre de 2023 y abril de 2024, en el club Sam First aquí en Los Ángeles, ciudad donde Goldings reside desde 2001.
Goldings demuestra una notable facilidad para moverse entre distintos estilos. Sus improvisaciones son imaginativas, con un fraseo claro y una estrecha comunicación con el contrabajo y la batería. I Will ofrece una excelente oportunidad para conocer otra dimensión de su talento musical.
MANHATTAN JAZZ QUINTET MANTECA - LIVE “SWEET BASIL”, New York, January 24 & 25, 1992 - Stella by starlight, Manteca - Lew Soloff (tp) George Young (ts) David Matthews (p,arr) Eddie Gomez (b) Peter Erskine (d)
El Manhattan Jazz Quintet se formó en Nueva York en 1983, por iniciativa de la revista japonesa Swing Journal y el sello King Records. Su propuesta consistía en reunir a destacados músicos estadounidenses para interpretar un repertorio de jazz moderno, con especial atención al bebop y al hard bop. Desde sus primeras grabaciones, el conjunto encontró una excelente acogida en Japón.
En enero de 1992, el quinteto se presentó en el club Sweet Basil de Nueva York, donde grabó en vivo el álbum Manteca. La formación en esa ocasión incluyó a Lew Soloff en trompeta, George Young en saxo tenor, David Matthews en piano y arreglos, Eddie Gómez en contrabajo y Peter Erskine en batería. Los arreglos de Matthews aprovechan muy bien la combinación de trompeta y saxo tenor.
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URI CAINE SPHERE MUSIC - New York, April & May 1992 - When the word is given (1,3,4), We see (4) - Graham Haynes (cnt-1) Don Byron (cl-2) Gary Thomas (ts-3) Uri Caine (p) Kenny Davis (b) Anthony Cox (b-4) Ralph …
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URI CAINE SPHERE MUSIC - New York, April & May 1992 - When the word is given (1,3,4), We see (4) - Graham Haynes (cnt-1) Don Byron (cl-2) Gary Thomas (ts-3) Uri Caine (p) Kenny Davis (b) Anthony Cox (b-4) Ralph Peterson (d)
El pianista Uri Caine inició su carrera acompañando a importantes figuras del jazz como Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles y Grover Washington. Paralelamente, estudió composición en la Universidad de Pensilvania con George Rochberg y George Crumb fueron dos de las figuras más influyentes de la música clásica contemporánea en Estados Unidos durante la segunda mitad del siglo, una formación que contribuyó a ampliar sus intereses musicales.
En 1992 grabó Sphere Music, su primer disco como líder, dedicado en buena medida a la música Monk. Las utiliza como punto de partida para desarrollar sus propias ideas, combinando elementos del jazz moderno con influencias de la música clásica y de la tradición judía.
Una de las piezas más interesantes es su interpretación de “’Round Midnight”, en la que participa el clarinetista Don Byron. Ambos ofrecen una lectura personal de esta conocida composición, conservando su carácter melódico, pero introduciendo cambios de armonía y ritmo.
En contraste, “Jelly” presenta una faceta más experimental, con pasajes de gran intensidad y una mayor libertad en la improvisación.
Sphere Music permite conocer los primeros pasos de un músico que posteriormente llamaría la atención por sus originales adaptaciones de obras de Gustav Mahler y otros compositores clásicos.
AARON DIEHL THE VAGABOND - New York, February 4 & 6, 2019 - The vagabond, Kaleidoscope Road, March from ten pieces for piano, A story often told, seldom heard - Aaron Diehl (p) Paul Sikivie (b) Gregory Hutchinson (d)
En The Vagabond, el pianista Aaron Diehl se presenta con un trío integrado por el contrabajista Paul Sikivie y el baterista Gregory Hutchinson. Diehl es un pianista cuyas melodías suelen tomar caminos inesperados, con pequeños cambios de dirección que mantienen el interés sin perder la naturalidad. El repertorio incluye música de John Lewis, Philip Glass y Sergei Prokofiev, interpretada con una libertad que permite apreciar las conexiones entre distintas tradiciones.
En “Polaris”, la pieza que abre el álbum, los tres músicos desarrollan un juego rítmico de gran precisión. La composición que da título al disco, “The Vagabond”, ofrece otro ejemplo de su manera de combinar melodías delicadas con armonías más complejas.
A lo largo del disco, Sikivie y Hutchinson acompañan con discreción en un trío equilibrado, elegante y lleno de pequeños detalles.
JEROME SABBAGH STAND UP! - New York, November 7, 2024 - Lone Jack (for Ray Charles and Pete Rende), High falls (for Meaghan Glennon), Vanguard (for Paul Motian), Unbowed (for Kenny Barron) - Jerome Sabbagh (ts,comp) Ben Monder (g) Joe Martin (b) Nasheet Waits (d)
El saxofonista francés Jerome Sabbagh lleva cerca de treinta años desarrollando su carrera en Nueva York, donde ha consolidado una voz propia dentro del jazz contemporáneo. Su álbum Stand Up! muestra a un músico que combina la tradición del jazz con una manera muy personal de escribir e interpretar sus composiciones que tienen una fuerte base melódica, con influencias del blues y, en algunos momentos, ciertos rasgos de la música country. Son piezas que dejan espacio para la improvisación, sin perder nunca de vista la melodía original.
Sabbagh puede tocar con gran intensidad, pero también sabe mantener un tono cálido y contenido. Monder responde con una guitarra de sonido amplio, alternando entre su discreto acompañamiento o sólidas improvisaciones. Uno de sus principales colaboradores es el guitarrista Ben Monder, cuya participación resulta fundamental para el sonido del grupo.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 23 de octubre, 2026
THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - “Ornithology”, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - 1946, Safe - Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d)El saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe …
Show notes
THE PHOENIX TRIO TOMORROW IS TODAY - “Ornithology”, Brooklyn, NY, March 23 & 24, 2025 - 1946, Safe - Mark Turner (ts) Joe Martin (b) Marcus Gilmore (d)
El saxofonista tenor Mark Turner, el contrabajista Joe Martin y el baterista Marcus Gilmore forman The Phoenix Trio. Turner y Martin se conocen desde los años noventa, cuando comenzaron a coincidir en la escena neoyorquina, y posteriormente trabajaron juntos en el grupo del guitarrista Kurt Rosenwinkel.
Su álbum Tomorrow Is Today, de composiciones originales, fue grabado en vivo en Brooklyn en marzo de 2025. En varios temas, Martin establece una figura repetitiva en el contrabajo, sobre la cual Gilmore introduce sutiles variaciones rítmicas. Turner se incorpora con frases melódicas que se extienden y transforman, mientras el contrabajo abandona ocasionalmente su función de acompañamiento para desarrollar líneas independientes.
La música tiene un carácter espontáneo, casi de conversación. Los músicos proponen ideas, las modifican y responden a lo que escuchan de sus compañeros. No hay necesidad de llenar todos los espacios: los silencios también forman parte del diálogo.
MATT ULERY IN THE IVORY - Chicago, IL, December 2013 & January 2014 - There’s a reason and a thousand ways, Black squirrel - Timothy Munro (alto-fl) Michael J. Maccaferri (cl) Gregory Beyer (vib,mar,berimbau,maracas) Rob Clearfield (p) Yvonne Lam, Zach Brook (vln) Dominic Johnson (viola) Nicholas Photinos (cello) Matt Ulery (b) Jon Deitemyer (d,perc,cymb)
El contrabajista y compositor Matt Ulery presenta en In the Ivory una obra ambiciosa que combina elementos del jazz, la música de cámara contemporánea y el minimalismo. Para realizarla, amplió su trío habitual con integrantes del conjunto Eighth Blackbird, instrumentos de viento, cuerdas y dos cantantes.
Ulery tiene una marcada inclinación por las composiciones extensas y cuidadosamente elaboradas. Sus melodías evocan a menudo imágenes cinematográficas, con paisajes abiertos y escenas que parecen desarrollarse lentamente. El álbum contiene catorce piezas en las que los distintos instrumentos se incorporan progresivamente, modificando el carácter de la música.
En “Gave Proof”, por ejemplo, pequeñas figuras melódicas se repiten con ligeras variaciones, mientras clarinetes, flautas y cuerdas van enriqueciendo el conjunto. La influencia del compositor Philip Glass aparece en algunos pasajes, aunque Ulery evita que la repetición domine sus composiciones.
Las voces de Grazyna Auguscik y Sarah Marie Young aportan otra dimensión a esta música.
MATTHIEU MAZUÉ MONOLITHS AND SCREENS FOR QUARTET - Bellmund, Switzerland fecha de grabación no disponible. Publicado en mayo de 2025. - Monolith: Twelve Stones (to Gather), à propos de la matière, Screens: Le regard dans le vide - Matthieu Mazué (p) Michaël Attias (sa) Xaver Rüegg (b) Michael Cina (dr)
El pianista y compositor Matthieu Mazué presenta Monoliths and Screens for Quartet, -monolitos y pantallas para cuarteto- un proyecto que comenzó a tomar forma en 2022, cuando incorporó al saxofonista alto Michaël Attias a su trío con el contrabajista Xaver Rüegg y el baterista Michael Cina.
El álbum incluye dos grupos de composiciones, Monoliths y Screens, que responden a distintas ideas del pianista. El primero nació de su interés por las grandes formaciones rocosas, que imaginó como una representación de su propio trabajo musical. Las piezas parten de materiales sencillos que se van modificando mediante la improvisación, hasta adquirir nuevas formas.
Un ejemplo es “Monolith: Twelve Stones (to Gather)”, cuya melodía surgió espontáneamente durante una sesión al piano y fue desarrollada posteriormente.
La segunda parte, Screens, toma como referencia las pantallas que forman parte de nuestra vida cotidiana. Mazué propone que estos objetos, además de mostrar imágenes, también pueden reflejar nuestra propia condición.
La música combina pasajes escritos con amplios espacios de improvisación, permitiendo que cada integrante contribuya al desarrollo de las piezas. El resultado es un trabajo de jazz contemporáneo que combina la composición y la improvisación en un permanente intercambio de ideas.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 22 de octubre, 2026
JULIETA EUGENIO JUMP - Brooklyn, NY, March 30, 2021 - Snowbirds, Jump, Crazy he calls me - Julieta Eugenio (ts) Matt Dwonszyk (b) Jonathan Barber (d)La saxofonista Julieta Eugenio comenzó su carrera musical en …
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JULIETA EUGENIO JUMP - Brooklyn, NY, March 30, 2021 - Snowbirds, Jump, Crazy he calls me - Julieta Eugenio (ts) Matt Dwonszyk (b) Jonathan Barber (d)
La saxofonista Julieta Eugenio comenzó su carrera musical en Argentina, su país natal, antes de trasladarse a Nueva York, donde ha desarrollado una voz propia como intérprete y compositora. En su primer álbum, Jump, publicado en marzo de 2022, lidera un trío con Matt Dwonszyk en contrabajo y Jonathan Barber en batería. El grupo comenzó a trabajar durante la pandemia, reuniéndose regularmente para desarrollar las composiciones de Eugenio.
El álbum contiene ocho composiciones originales y dos estándares. Entre las primeras se encuentran «Tres», de carácter introspectivo, Los estándares «Flamingo» y «Crazy He Calls Me» permiten apreciar otra faceta de su interpretación, especialmente su sentido melódico y su manera de abordar las baladas.
La ausencia de piano deja bastante espacio para el saxofón, pero también exige una participación más activa del contrabajo y la batería. Eugenio aprovecha esa libertad con un sonido firme y expresivo, mientras sus compañeros contribuyen constantemente al desarrollo de la música.
THE BAD PLUS THE RITE OF SPRING - Union City, NJ, June, 2013 - Adoración de la tierra - Ethan Iverson (p) Reid Anderson (b,electronics) Dave King (d)
En 1913, el estreno en París de “La consagración de la primavera” de Igor Stravinsky provocó uno de los mayores escándalos de la historia de la música. Sus ritmos violentos, armonías inesperadas y una coreografía que rompía con las tradiciones del ballet desconcertaron al público.
El trío The Bad Plus, integrado por Ethan Iverson en piano, Reid Anderson en contrabajo y Dave King en batería, decidió el 2013 abordar esta monumental composición desde una perspectiva diferente. En lugar de intentar reproducir el sonido de una gran orquesta, adaptaron la obra completa a su propio lenguaje, tomando como punto de partida la versión para dos pianos preparada por Stravinsky.
El resultado combina la intensidad de la partitura original con la libertad rítmica del jazz. Anderson incorpora algunos efectos electrónicos, mientras Iverson y King aprovechan los constantes cambios de ritmo para dar nueva vida a la música.
MARCUS PRINTUP YOUNG BLOODS - November, 2014 - En route, Au privave - Marcus Printup (tp) Patrick Bartley (as) Coleman Hudges (tb) Allyn Johnson (p) Dezron Douglas (b) Ulysses Owens (d)
El trompetista Marcus Printup ha sido miembro permanente de la Jazz at Lincoln Center Orchestra desde 1993. Su carrera tomó impulso cuando el pianista Marcus Roberts descubrió su talento mientras estudiaba en la Universidad del Norte de Florida. Printup ha trabajado con músicos como Betty Carter y Carl Allen, además de desarrollar una extensa trayectoria como solista.
En Young Bloods, Printup devuelve parte de ese apoyo a una nueva generación de intérpretes. Para este sexteto reunió al saxofonista alto Patrick Bartley y al trombonista Coleman Hughes, quienes tenían apenas 21 y 18 años, respectivamente, cuando se realizó la grabación. Completan el grupo el pianista Allyn Johnson, el contrabajista Dezron Douglas y el baterista Ulysses Owens.
Young Bloods se mantiene dentro de la tradición del hard bop, con buenos arreglos y una interesante combinación de juventud y experiencia.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comConcierto del 20 de octubre, 2026
Una forma diferente de escuchar Una actuación en vivo ocurre una vez. Podemos escuchar una grabación de nuevo, pero estar en la habitación, viendo a los músicos crear, ofrece descubrimientos que pertenecen a …
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Una forma diferente de escuchar
Una actuación en vivo ocurre una vez. Podemos escuchar una grabación de nuevo, pero estar en la habitación, viendo a los músicos crear, ofrece descubrimientos que pertenecen a esa noche en particular. El martes 20 de octubre, en Santa Mónica, fui a escuchar al trombonista Samuel Blaser con el pianista Russ Lossing y el baterista Billy Mintz en el Angel Jazz Festival. Samuel y yo hemos sido amigos durante más de quince años, pero esta era solo la segunda vez que lo escuchaba en vivo.
Ambas ocasiones revelaron algo que me había perdido anteriormente. Esta vez, el descubrimiento llegó a través de Billy. La música de Samuel a veces puede sonarme como si estuviera completamente improvisada. Pero al principio del concierto, escuché frases interpretadas por los tres músicos. Cuando Billy se unió a las mismas figuras rítmicas que Samuel y Russ, los arreglos se volvieron inconfundibles. Esos pasajes me dieron puntos de referencia. Una vez que los reconocí, el juego más libre también se volvió más fácil de seguir. Hubo otra sorpresa.
La noche consistió en dos sets de una hora de duración, abriendo con el trompetista Kris Tiner y la pianista Cathlene Pineda, ninguno de los cuales había escuchado antes. Su musicalidad era excelente. El piano de Cathlene y el tono de trompeta plateada de Kris combinaban maravillosamente, moviéndose entre momentos tiernos y declaraciones fuertes. Su larga asociación musical era audible en la naturalidad con la que tocaban juntos. Dos piezas me depertaron la memoria. Después, Kris identificó uno como “Silencio”, por su mentor y maestro Charlie Haden. La otra fue una oscura composición de Ellington cuyo título se me ha escapado de nuevo.
Esta mañana, grabé una introducción al dúo para mi programa de Radio Beethoven Puro Jazz, con el sonido de su actuación aún fresco en mi mente. Fui a escuchar a un viejo amigo y me fui con un descubrimiento inesperado y una nueva forma de escuchar su música.
Una noche inolvidable.
Kris Tiner (t) Cathlene Pineda (p)
Samuel Blaser (tbn) Billy Mintz (dr)
Russ Lossing (p)
A Different Way of Listening
A live performance happens once. We can listen to a recording again, but being in the room, watching musicians create, offers discoveries that belong to that particular evening.
On Tuesday, October 20th, in Santa Monica, I went to hear trombonist Samuel Blaser with pianist Russ Lossing and drummer Billy Mintz at the Angel Jazz Festival. Samuel and I have been friends for more than fifteen years, yet this was only the second time I had heard him live. Both occasions revealed something I had previously missed.
This time, the discovery came through Billy. Samuel’s music at times can sound to me as though it is entirely improvised. But early in the concert, I heard phrases played by all three musicians. When Billy joined the same rhythmic figures as Samuel and Russ, the arrangements became unmistakable. Those passages gave me points of reference. Once I recognized them, the freer playing also became easier to follow.
There was another surprise. The evening consisted of two hour-long sets, opening with trumpeter Kris Tiner and pianist Cathlene Pineda, neither of whom I had heard before.
Their musicianship was superb. Cathlene’s piano and Kris’s silver trumpet tone matched beautifully, moving between tender moments and strong statements. Their long musical association was audible in how naturally they played together.
Two pieces stirred my memory. Afterward, Kris identified one as “Silence,” by his mentor and teacher Charlie Haden. The other was an obscure Ellington composition whose title has escaped me again. This morning, I recorded an introduction to the duo for my Radio Beethoven show Puro Jazz, with the sound of their performance still fresh in my mind.
I went to hear an old friend and came away with an unexpected discovery and a new way of listening to his music. An unforgettable evening.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 21 de octubre, 2026
FRANK BASILE/SAM DILLON QUINTE 2 PART SOLUTION - Englewood Cliffs, NJ, November 5, 2019 - Two part solution, Frame for the blues - Frank Basile (bar) Sam Dillon (ts) Jeb Patton (p) Mike Karn (b) Aaron Kimmel …
Show notes
FRANK BASILE/SAM DILLON QUINTE 2 PART SOLUTION - Englewood Cliffs, NJ, November 5, 2019 - Two part solution, Frame for the blues - Frank Basile (bar) Sam Dillon (ts) Jeb Patton (p) Mike Karn (b) Aaron Kimmel (d)
La combinación de saxofón barítono y tenor tiene un antecedente memorable en el encuentro de Gerry Mulligan y Ben Webster, grabado en 1959. En “Two Part Solution”, Frank Basile y Sam Dillon recuperan esa formación poco frecuente, con una afinidad que debería escucharse más a menudo.
Basile aporta el sonido profundo del barítono, mientras Dillon ofrece el contraste del tenor. Los acompañan Jeb Patton, Mike Karn y Aaron Kimmel en piano, contrabajo y batería.
El repertorio combina composiciones originales con piezas de distintos autores. En el tema que da nombre al disco, escrito por Dillon, el tenor desarrolla una extensa improvisación antes de dar paso al barítono y a un solo de Patton de líneas claras y precisas.
El disco cierra con “Frame for the Blues”, una composición de Slide Hampton para la orquesta de Maynard Ferguson. Su pulso de blues permite apreciar la soltura del conjunto.
MARC COPLAND/DAVID LIEBMAN LUNAR - New York, October 12, 2001 - Cry want, Lunar, Naima - David Liebman (sop,ts) Marc Copland (p) Mike McGuirk (b) Tony Martucci (d)
Marc Copland y Dave Liebman se conocieron en los años setenta, cuando Copland todavía era saxofonista. Con el tiempo, el piano se convirtió en su instrumento y abrió otra perspectiva para ese diálogo musical. En el disco “Lunar”, Liebman se incorpora al trío del pianista, prolongando una colaboración que también los había reunido en el festival de jazz de Santa Fe, Nuevo México.
La sutileza de Copland al usar armonías variadas y acordes les da nuevos matices a las melodías. Liebman, alternando entre el saxo tenor y el soprano, pasa con naturalidad de los momentos tranquilos a otros de mayor intensidad. La sección rítmica acompaña con soltura y mantiene un swing ágil y flexible. La batería de Tony Martucci sostiene un pulso discreto mientras los solistas aumentan gradualmente la tensión. Estuve presente en el estudio invitado por Tony Martucci.
LISA HILTON EXTENDED DAYDREAM - c. 2025 - So what, Wildflower, Spacious skies - Igmar Thomas (tp) JD Allen (ts) Lisa Hilton (p,comp) Luques Curtis (b) Rudy Royston (d)
Lisa Hilton ha vivido buena parte de su vida en el sur de California, y ese entorno ofrece una referencia para acercarse a “Extended Daydream”. Pianista y compositora, Hilton también se formó en artes visuales. Esa sensibilidad se refleja en una manera de organizar el conjunto que presta atención a los colores instrumentales y al contraste entre las voces. La acompañan el trompetista Igmar Thomas, el saxofonista tenor J. D. Allen, el contrabajista Luques Curtis y el baterista es Rudy Royston.
El disco comienza con “So What”, de Miles Davis. Después de una breve introducción al piano, Hilton cede protagonismo a Curtis, cuyo contrabajo ocupa un lugar destacado en esta versión. La elección recuerda la importancia de Paul Chambers en la grabación original, pero permite al grupo establecer su propio carácter.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 20 de octubre, 2026
FALKNER EVANS MARBLES - Queens, NY, January 14 & 15, 2019 - Civilization, Sing alone, Hidden gem (1) - Ron Horton (tp,flhrn) Ted Nash (as,cl,fl) Michael Blake (ts,sop) Steve Nelson (vib-1) Falkner Evans …
Show notes
FALKNER EVANS MARBLES - Queens, NY, January 14 & 15, 2019 - Civilization, Sing alone, Hidden gem (1) - Ron Horton (tp,flhrn) Ted Nash (as,cl,fl) Michael Blake (ts,sop) Steve Nelson (vib-1) Falkner Evans (p,comp) Belden Bullock (b) Matt Wilson (d)
En “Marbles”, el pianista y compositor Falkner Evans escogió a músicos de amplia experiencia con una intención precisa: que sonaran como una banda. Coordinar sus agendas no fue fácil, pero buscaba una música que fluyera con naturalidad, apoyada en la escucha y el entendimiento entre los integrantes.
Son Ron Horton en trompeta y fliscorno, Ted Nash y Michael Blake en distintos instrumentos de viento, Belden Bullock en contrabajo y Matt Wilson en batería. Steve Nelson aporta su vibráfono en tres piezas. Esta variedad instrumental permite desarrollar el sonido más amplio y rico que Evans venía imaginando mientras trabajaba principalmente en formatos de piano solo o dúo, en locales cercanos a su casa en Greenwich Village.
El repertorio está formado por composiciones de Evans, salvo el cierre: una breve versión de “Things Ain’t What They Used to Be”, de Duke Ellington. Allí se aprecia el espíritu distendido de la sesión: una intervención de Nelson, un golpe de Wilson y las risas compartidas revelan la complicidad del grupo.
Aunque algunos músicos se conocían desde hacía décadas y otros coincidían por primera vez en el estudio, Evans consiguió dar al conjunto una identidad común.
DON FRIEDMAN TRIO CIRCLE WALTZ - New York, May 14, 1962 - Circle waltz, Sea’s breeze, Modes pivoting - Don Friedman (p) Chuck Israels (b) Pete La Roca (d)
Después de sus primeros años como acompañante en Los Ángeles, Don Friedman se trasladó a Nueva York, donde comenzó a hacerse conocer como un pianista de ideas propias y sólida formación musical. Sus primeros discos para Riverside, “A Day in the City” y “Circle Waltz”, mostraron tanto su capacidad como compositor como la personalidad de su manera de improvisar.
Su lirismo invita a compararlo con Bill Evans, aunque Friedman construye sus frases de una forma más angulosa y fragmentada. La calidez de su sonido convive con un lenguaje armónico elaborado y una intensidad que mantiene bajo control, sin necesidad de subrayar cada intervención.
Grabado en mayo de 1962, “Circle Waltz” lo presenta junto al contrabajista Chuck Israels y el baterista Pete La Roca. Israels aporta una base firme y orienta el movimiento del trío, mientras La Roca contribuye a la flexibilidad del diálogo.
MAREIKE WIENING REVEAL - Brooklyn, NY, June 23 & 24, 2023 - Time for priorities, Reveal (1), The girl by the window (1) - Dave Douglas (tp-1) Rich Perry (sax) Glenn Zaleski (p) Alex Goodman (g) Johannes Felscher (b) Mareike Wiening (d,comp,arr)
Para concebir “Reveal”, su tercer álbum como líder, la baterista y compositora Mareike Wiening consideró las tensiones de los últimos años y, en lugar de trasladar esa inquietud directamente a la música, prefirió buscar en su propia experiencia la calidez y el entusiasmo que la habían acercado al jazz. Ese enfoque da sentido al título del disco: revelar algo personal a través de las composiciones. Los acontecimientos quedan como trasfondo de una música que busca expresar también cercanía y vitalidad.
Wiening vuelve a trabajar con su quinteto habitual, integrado por Rich Perry en saxo tenor, Glenn Zaleski en piano, Alex Goodman en guitarra y Johannes Felscher en contrabajo. La continuidad del conjunto ofrece un marco para desarrollar sus ideas, con distintas voces instrumentales y una experiencia compartida que favorece el diálogo.
En tres temas se suma el trompetista Dave Douglas, un apoyo constante en la trayectoria de Wiening.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 19 de octubre, 2026
LOUIS SMITH HERE COMES LOUIS SMITH! - Hackensack, N.J., February 4,7, 1957 - Tribute to Brownie, Star dust (jca out)(1), Val’s blues (1) - Louis Smith (tp) Cannonball Adderley (as) [on label as Buckshot La …
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LOUIS SMITH HERE COMES LOUIS SMITH! - Hackensack, N.J., February 4,7, 1957 - Tribute to Brownie, Star dust (jca out)(1), Val’s blues (1) - Louis Smith (tp) Cannonball Adderley (as) [on label as Buckshot La Funke (as) ] Duke Jordan (p) Tommy Flanagan (p-1)Doug Watkins (b) Art Taylor (d)
Louis Smith tuvo una carrera discográfica poco habitual. Después de sus dos primeros álbumes como líder, se apartó durante unos veinte años del estudio de grabación para dedicarse a la enseñanza. Su debut, “Here Comes Louis Smith!”, permite apreciar a un trompetista de sonido firme, fraseo ágil y claras afinidades con Clifford Brown y Fats Navarro.
Grabado en febrero de 1957, el disco incluye a Cannonball Adderley en saxo alto, Doug Watkins en contrabajo y Art Taylor en batería. El piano se reparte entre Duke Jordan y Tommy Flanagan, según la sesión. Debido a conflictos contractuales, Adderley aparece acreditado con el seudónimo Buckshot La Funke.
“Tribute to Brownie” abre con Smith acompañado únicamente por la batería de Taylor. Es una presentación directa de su seguridad y capacidad para construir frases. Luego entra Adderley, y ambos desarrollan un tema que da paso a estupendos y bien definidos solos.
El repertorio ofrece distintos matices: el blues reposado de “Brill’s Blues”, la rapidez de “Ande” y “Val’s Blues”, y una interpretación de “Stardust” sin saxo, que deja la trompeta en primer plano. Es un debut sólido, con músicos que se entienden y un solista que merece ser más escuchado.
MARK ELF RETURNS 2014 - Brooklyn, NY, December 16, 2013 - A little Ditty, Jacky’s haunt, Low blow (2) - David Hazeltine (p) Mark Elf (g,bar-g-2) Peter Washington (b) Lewis Nash (d)
El guitarrista Mark Elf, un músico formado en conjuntos donde el swing y el blues ocupaban un lugar central. En sus primeros años trabajó con los organistas Charles Earland, Jimmy McGriff y Richard “Groove” Holmes. También tocó con Lou Donaldson, los hermanos Heath y Benny Golson, entre otros.
“Returns 2014” marcó su regreso a las grabaciones después de ocho años. Lo acompañan David Hazeltine en piano, Peter Washington en contrabajo y Lewis Nash en batería: una sección rítmica experimentada, que aporta claridad y movimiento sin recargar la música.
El programa combina composiciones propias con canciones conocidas. Elf toca con un fraseo preciso y fluido, atento a la melodía y al diálogo con sus compañeros. En un par de temas utiliza una guitarra barítono, cuyo registro grave introduce otro color en el conjunto.
KAISA MÄENSIVU MOVING PARTS- Brooklyn, NY, June 30 & July 1, 2024 - Origin story (1), Moon waves, Who’s asking - Melissa Aldana (sax-1) Sasha Berliner (vib) Eden Ladin (p) Max Light (g) Kaisa Maensivu (b,comp) Joe Peri (d)
“Moving Parts” es el tercer disco de Kaisa Mäensivu, contrabajista y compositora finlandesa establecida en Nueva York. Con su grupo Kaisa’s Machine combina impulso rítmico, melodías definidas y cambios de dirección que mantienen activa la conversación entre los músicos.
La acompañan Sasha Berliner en vibráfono, Eden Ladin en piano, Max Light en guitarra y Joe Peri en batería. Esa combinación ofrece una variedad de timbres que Mäensivu aprovecha en sus composiciones. En “Origin Story” se suma Melissa Aldana en saxo tenor. Su intervención se integra con naturalidad al sonido del conjunto y añade otra voz a una música de por sí variada.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 16 de octubre, 2026
THE KRIS DAVIS TRIO LOST IN GENEVA - Mt. Vernon, NY, September 15, 2025 - The subtext, Congestion pricing, Where does that tunnel go? - Kris Davis (p) Robert Hurst (b) Johnathan Blake (d)En “Lost in Geneva”, es …
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THE KRIS DAVIS TRIO LOST IN GENEVA - Mt. Vernon, NY, September 15, 2025 - The subtext, Congestion pricing, Where does that tunnel go? - Kris Davis (p) Robert Hurst (b) Johnathan Blake (d)
En “Lost in Geneva”, es el segundo álbum de la pianista y compositora Kris Davis junto al contrabajista Robert Hurst y el baterista Johnathan Blake. Grabado en septiembre de 2025, el disco incluye composiciones de los tres músicos, una pieza de Morton Feldman e improvisaciones colectivas.
El trío se mueve entre pasajes de gran actividad y otros más espaciosos, donde cada sonido adquiere mayor relieve. Davis propone líneas que cambian de dirección, ritmos irregulares y contrastes de intensidad. Hurst y Blake participan activamente en ese recorrido: el contrabajo aporta profundidad y continuidad, mientras la batería alterna impulsos firmes con intervenciones sutiles.
“The Subtext” y “Congestion Pricing” muestran el lado más intenso del conjunto. “The Ballerina” ofrece un momento más contemplativo, y “Where Does That Tunnel Go?” incorpora un impulso cercano al bop, con giros inesperados.
La variedad del repertorio permite escuchar distintas facetas de un trío que concede tanto valor a la energía como al silencio y a la interacción entre sus integrantes.
YUHAN SU OVER THE MOONS - Brooklyn, NY, September 15, 2024 - Roaring hours (sl out), Genius and dumb, Double consciousness - Alex LoRe (as-1) Anna Webber (ts-2,fl-2) Yuhan Su (vib,comp) Matt Mitchell (p) Shinya Lin (electronics) Yingda Chen (g) Marty Kenney (b,el-b) James Paul Nadien (d)
La vibrafonista y compositora taiwanesa Yuhan Su reúne en “Over the Moons” a un octeto que combina instrumentos acústicos y electrónica. El sonido del vibráfono conserva su claridad, pero también se transforma mediante efectos que alteran su afinación y añaden distorsión. La música alterna melodías reconocibles con ritmos irregulares, pasajes densos y espacios abiertos a la improvisación.
El proyecto parte de su experiencia entre dos culturas: la de Taiwán, donde estudió piano y percusión clásica, y la estadounidense, donde se formó como jazzista. Su describe esa convivencia como dos lunas que ejercen distintas fuerzas sobre su pensamiento. Esa idea encuentra una expresión musical en la superposición de sonidos y en los cambios de carácter del conjunto.
Buena parte del repertorio nació durante una residencia artística en Wyoming. “Roaring Hours” recoge la intensidad de una tormenta, mientras “Genius or Dumb” incorpora palabras en mandarín procesadas electrónicamente.
La acompañan, entre otros, los saxofonistas Alex LoRe y Anna Webber, el pianista Matt Mitchell y Shinya Lin en electrónica. Cada uno contribuye a una música que amplía las posibilidades del vibráfono y combina la escritura detallada con la libertad de sus intérpretes.
IVO PERELMAN / MATTHEW SHIPP DUOLOGUES 7- DISTILLATION, New York,ca 2026 - Ivo Perelman (st) Matthew Shipp (p,tcl)
El saxofonista Ivo Perelman y el pianista Matthew Shipp llevan tres décadas tocando juntos. En “Distillation”, un álbum doble de improvisaciones, esa larga relación se reconoce en la facilidad con que desarrollan las ideas y responden a los cambios que propone el otro.
Aunque ambos pueden tocar con gran intensidad, buena parte de esta música se mueve en un registro contenido. El saxofón explora la melodía con deslizamientos, cambios de timbre y frases que se extienden o se interrumpen. Shipp construye a su alrededor un marco armónico que también cambia continuamente, mediante acordes, líneas independientes y silencios.
Después de tantos años de colaboración, Perelman y Shipp conocen bien sus respectivas maneras de tocar. Esa familiaridad les permite responder con soltura, incluso cuando la música toma un rumbo inesperado. Las armonías que improvisa Shipp dan espacio a las líneas del saxofón, que se deslizan, se quiebran y vuelven a tomar forma. En otros momentos, es Perelman quien sugiere la dirección que sigue el piano. No siempre resulta posible distinguir quién conduce: la música se construye entre ambos, mediante una escucha atenta y una confianza desarrollada a lo largo de tres décadas.
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KAZEMDE GEORGE OCEAN PASSAGE - Brooklyn, NY, c. 2025 - Moonbeam, Kazemde’s waltz, Escape - Kazemde George (ts) Tyrone Allen, II (b) Kayvon Gordon (d)El saxofonista tenor Kazemde George, radicado en Brooklyn …
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KAZEMDE GEORGE OCEAN PASSAGE - Brooklyn, NY, c. 2025 - Moonbeam, Kazemde’s waltz, Escape - Kazemde George (ts) Tyrone Allen, II (b) Kayvon Gordon (d)
El saxofonista tenor Kazemde George, radicado en Brooklyn, desarrolla una música que recoge distintas tradiciones de la diáspora africana. El bebop, la rumba, la bossa nova y el hip hop forman parte de sus referencias, que incorpora a un lenguaje propio dentro del jazz contemporáneo.
Nacido en una familia de origen caribeño y criado en Berkeley, California, George estudió neurobiología en Harvard y jazz en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. Su formación musical incluyó trabajos con Miguel Zenón, Jason Moran y Jerry Bergonzi. Una estadía de diez meses en Cuba, gracias a una beca Peabody Gardner, amplió su conocimiento de las tradiciones musicales de la isla y su relación con otras expresiones afroamericanas.
En “Ocean Passage”, George se presenta en trío con Tyrone Allen II en contrabajo y Kayvon Gordon en batería.
TRISH CLOWES A VIEW WITH A ROOM - London, England, August 31 & September 1, 2021 - The ness, Amber, Ayana - Trish Clowes (ts,sop) Ross Stanley (p,el-p,org) Chris Montague (g) James Maddren (d)
“A View with a Room” es el cuarto disco de My Iris, el cuarteto de la saxofonista y compositora británica Trish Clowes. La acompañan Ross Stanley en piano y órgano Hammond, Chris Montague en guitarra y James Maddren en batería. Sus composiciones combinan y alternan pasajes de impulso rítmico con otros de ambiente más abierto y contemplativo.
Buena parte del repertorio nació durante la pandemia. Clowes escribía una pieza para cada oportunidad de tocar en conciertos transmitidos por internet. Ese período de aislamiento también dejó su huella en los temas del disco: las pérdidas personales, la creación como fuente de consuelo y las preocupaciones por el medio ambiente y los refugiados.
“The Ness” surgió de imágenes y sonidos de la costa escocesa registrados por la cineasta Rose Hendry. “Amber” está dedicada a Amber Bauer, de la organización Donate4Refugees.”Ayana” está dedicada a Ayana Elizabeth Johnson, bióloga marina y experta en políticas sobre los temas del cambio climático. El álbum recoge todas esas inquietudes sin perder la vitalidad del trabajo colectivo.
YUSEF LATEEF ALIGHT UPON THE LAKE: LIVE AT THE JAZZ SHOWCASE - Chicago, IL, June, 1975 - released April 24, 2026 Inside Atlantis Yusef Lateef (ts,fl,oboe) Kenny Barron (p) Bob Cunningham (b) Albert “Tootie” Heath (d)
Este álbum recupera grabaciones inéditas de Yusef Lateef realizadas en junio de 1975 en el Jazz Showcase de Chicago. Lo acompañan Kenny Barron en piano, Bob Cunningham en contrabajo y Albert “Tootie” Heath en batería, un cuarteto que combina la exploración sonora con un sólido arraigo en el blues y el swing.
Lateef fue uno de los músicos que ampliaron el lenguaje del jazz mediante instrumentos y tradiciones de distintas culturas. Aquí alterna el saxo tenor con flautas y el oboe, en un repertorio que permite apreciar tanto su espíritu inquieto como su cercanía con formas más familiares.
“Inside Atlantis” de Barron encuentra al pianista y al saxofonista encerrados en una enérgica interacción de llamada y respuesta, pero el destacado aquí es Cunningham, el bajista que yuxtapone el deslumbrante trabajo de pizzicato y el virtuosismo de su arco.
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LEW TABACKIN & WARNE MARSH TENOR GLADNESS - Los Angeles, October 13 & 14, 1976 - Basic (#2), March of the tadpoles, New-ance (lt alone) - Lew Tabackin/Warne Marsh : Lew Tabackin, Warne Marsh (ts) Toshiko …
Show notes
LEW TABACKIN & WARNE MARSH TENOR GLADNESS - Los Angeles, October 13 & 14, 1976 - Basic (#2), March of the tadpoles, New-ance (lt alone) - Lew Tabackin/Warne Marsh : Lew Tabackin, Warne Marsh (ts) Toshiko Akiyoshi (p-1) John Heard (b) Larry Bunker (d)
Lew Tabackin nació en Filadelfia en 1940. Uno de sus primeros referentes en el jazz fue Al Cohn, también oriundo de esa ciudad, con quien más adelante compartiría escenario.
Tabackin toca un poderoso saxofón tenor y una flauta influenciada por la música clásica asiática, dándoles a ambos instrumentos personalidades musicales completamente separadas en lugar de doblarlos. Desde los años setenta, ha dirigido sus propios conjuntos y co-liderado una big band junto a su señora, la pianista y compositora Toshiko Akiyoshi.
Warne Marsh nació en Los Ángeles en 1927 y murió en 1987. Se dio a conocer en los años cincuenta como discípulo del pianista Lennie Tristano. Su manera de improvisar, con largas líneas melódicas y un enfoque rítmico muy personal, le dio un lugar propio entre los saxofonistas de su generación.
En “Tenor Gladness”, Tabackin y Marsh muestran dos maneras de tocar el saxo tenor que, aunque distintas, se complementan bien. Los acompañan el contrabajista John Heard y el baterista Larry Bunker. Ambos saxofonistas intercambian ideas con soltura e imaginación, en un clima de competencia amistosa. El contraste entre sus estilos anima la música y permite apreciar tanto sus diferencias como la facilidad con que encuentran puntos de encuentro.
JEFF BALLARD TRIO TIME’S TALES - New York, January, 2013 - Western wren (A bird call), Beat street, Hangin tree - Miguel Zenon (as) Lionel Loueke (g,vcl) Jeff Ballard (d,perc)
Grabado en 2013, cuando Jeff Ballard tenía cincuenta años, “Time’s Tales” fue su primer disco como líder. El baterista congregó al guitarrista beninés Lionel Loueke y al saxofonista alto puertorriqueño Miguel Zenón en un trío sin contrabajo, formación que le exige sostener el pulso, pero también abre un espacio en el que los tres pueden cambiar de rumbo con libertad.
El repertorio es variado: incluye composiciones propias, un estándar de Gershwin, una pieza de Bartók, ritmos latinos y de Nueva Orleans. Una de las sorpresas es “Hangin’ Tree”, de los rockeros Queens of the Stone Age, donde Loueke muestra una faceta más intensa, con un sonido de guitarra cercano al rock.
Ballard ya tenía amplia experiencia en formato, tanto con el grupo FLY como en el trío de Brad Mehldau. Aquí combina esa experiencia con una manera de tocar flexible y osada: desplaza los acentos y modifica las texturas sin perder el sentido del ritmo. Loueke y Zenón responden con igual soltura. La música cambia de carácter de una pieza a otra.
AVISHAI COHEN ETERNAL CHILD - Meudon, France, January 8-12, 2026 - Simchover, El bazita, My brues, Sliv El. (1,2) - Itay Simhovich (p) Avishai Cohen (b,p-1) Eviatar Slivnik (d) Jeff Ballard (d-2)
En “Eternal Child”, el contrabajista Avishai Cohen rinde homenaje a Chick Corea, su mentor y una figura decisiva en su trayectoria. El título proviene de una composición del pianista y recoge una idea que Cohen hizo suya: conservar la curiosidad de la infancia.
Lo acompañan el pianista Itay Simhovich y el baterista Eviatar Slivnik, dos músicos de una nueva generación cuya manera de tocar tiene raíces en el jazz de Miles Davis, los Jazz Messengers y los tríos de Bill Evans y Ahmad Jamal. Cohen considera este uno de sus discos más cercanos al jazz, una orientación que surgió naturalmente de las personalidades de sus compañeros.
El repertorio mantiene el sello melódico y rítmico del contrabajista, con espacio para el intercambio entre los tres. En “Sliv El” se suma Jeff Ballard, quien formó con Cohen parte del trío junto a Corea. La pieza comienza con el trío y concluye en un dúo de Ballard en batería y Cohen en piano, un encuentro que recuerda sus primeros años de colaboración.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 13 de octubre, 2026
VIC DICKENSON VIC DICKENSON - SEPTET - NYC, December 29, 1953 - Russian Lullaby - Ruby Braff (tp), Vic Dickenson (tb), Edmond Hall (cl), Sir Charles Thompson (p), Steve Jordan (g), Walter Page (b), Les Erskine …
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VIC DICKENSON VIC DICKENSON - SEPTET
- NYC, December 29, 1953 - Russian Lullaby - Ruby Braff (tp), Vic Dickenson (tb), Edmond Hall (cl), Sir Charles Thompson (p), Steve Jordan (g), Walter Page (b), Les Erskine (d).
- Brooklyn, NY, November 29, 1954 - Nice work if you can get it - Shad Collins (tp) Ruby Braff (tp-1) added, Vic Dickenson (tb) Edmond Hall (cl) Sir Charles Thompson (p) Steve Jordan (g) Walter Page (b) Jo Jones (d)
Vic Dickenson fue uno de los trombonistas más dedicados del jazz tradicional y del swing. Nacido en Xenia, Ohio, en 1906, desarrolló un sonido cálido, ligeramente ronco, y una manera de frasear que parecía conversar con los demás músicos. Sus notas arrastradas, sus pequeños gruñidos y sus pausas tenían un humor discreto, sin perder la profundidad del blues.
Durante los años treinta trabajó en las orquestas de Blanche Calloway, Claude Hopkins y Benny Carter. En 1940 ingresó a la banda de Count Basie, y más tarde encontró su espacio en el sexteto del pianista Eddie Heywood. También grabó con Sidney Bechet y se convirtió en un acompañante solicitado para conjuntos pequeños.
En ese formato se apreciaba mejor su talento: podía sostener una melodía con sencillez, responder a una frase del clarinete o introducir un comentario inesperado detrás de la trompeta. Su soltura rítmica le permitía integrarse al conjunto sin renunciar a su propia voz.
MUGGSY SPANIER & HIS V-DISC ALL STARS - New York, October 17, 1944 - That’s a plenty, Squeeze me, Pat’s blues (bh whistling) - Muggsy Spanier (cnt) Lou McGarity (tb) Pee Wee Russell (cl,vcl) Boomie Richman (ts) Jess Stacy (p) Hy White (g) Bob Haggart (b,whistling) George Wettling (d)
El cornetista Muggsy Spanier fue una de las voces reconocibles del jazz de Chicago. Su sonido directo, sus frases melódicas y el empuje de su interpretación daban energía a cualquier conjunto. Nacido en 1901, encontró sus principales modelos en King Oliver y Louis Armstrong, aunque desarrolló temprano un estilo propio.
Debutó en disco en 1924 con los Bucktown Five y, durante los años siguientes, compartió sesiones con figuras como Frank Teschemacher, Eddie Condon y Gene Krupa.
En 1940 grabó con Sidney Bechet, cuya libertad melódica encontraba un firme apoyo en la corneta de Spanier. Después trabajó con Bob Crosby, dirigió sus propios conjuntos y colaboró con Earl Hines. Fiel al repertorio que lo había formado, mantuvo durante décadas una manera de tocar enérgica, clara y cercana al blues.
ART HODES / BABY DODDS BABY DODDS JAZZ FOUR - New York, December 26, 1945 - Feelin’ at ease, Careless love, High society, Winin’ boy blues - Albert Nicholas (cl) Art Hodes (p) Wellman Braud (b) Baby Dodds (d)
Art Hodes nació en 1904 en una región que hoy pertenece a Ucrania y llegó con su familia a Chicago cuando tenía apenas seis meses. Allí descubrió el jazz y desarrolló un estilo de piano profundamente ligado al blues. Durante los años veinte adquirió experiencia acompañando cantantes y tocando en distintos conjuntos, entre ellos los Wolverines.
Su traslado a Nueva York en 1938 amplió sus oportunidades. En la década siguiente grabó con frecuencia y se dedicó también a difundir el jazz mediante la radio y la revista “The Jazz Record”. Sus sesiones para Blue Note, realizadas en 1944 y 1945, fueron reunidas posteriormente por Mosaic en una colección de cinco LP.
La última de esas sesiones apareció bajo el nombre de Baby Dodds y reunió a Hodes con tres destacados músicos de Nueva Orleans: el clarinetista Albert Nicholas, el contrabajista Wellman Braud y el propio Dodds en batería. Nicholas aporta un sonido dulce y un vibrato característico; Braud, conocido por sus años con Duke Ellington, sostiene el pulso junto a uno de los grandes pioneros de la batería de jazz.
CHARLIE SHAVERS SWING ALONG - New York, c. 1961
- My old Kentucky home, Good old summertime, Fooled again - Charlie Shavers (tp) Bruce Martin (p) Tommy Bryant (b) Oliver Jackson (d)
- Gilded cage, My wild Irish rose, Give my regards to Broadway - Tommy Flanagan (p) Al Hall (b) replace Bruce Martin, Tommy Bryant
Charlie Shavers tenía una manera de tocar la trompeta que se reconocía inmediatamente: un sonido claro y firme, facilidad para las frases rápidas y un sentido del humor que daba frescura a sus interpretaciones. Formado en la época del swing, amplió su lenguaje sin perder la cercanía con la melodía y el blues.
Pasó por las orquestas de Lucky Millinder, Tommy Dorsey y Benny Goodman, y fue una figura central del sexteto de John Kirby, donde pudo desarrollar su talento como solista, compositor y arreglista.
En “Swing Along”, lo acompaña la sección rítmica del trío habitual de Ray Bryant, con Tommy Flanagan al piano en algunos temas. El atractivo del disco está en el equilibrio entre destreza y naturalidad. En los momentos tranquilos aparece, además, la calidez de un trompetista que sabe dar carácter a cada interpretación.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 12 de ocubre, 2026
BRANFORD MARSALIS / DIANNE REEVES DEDICATED TO YOU - Spivey Hall, Clayton, Georgia, August 25–29, 2025. - Lush Life, 26-2, My One and Only Love - Branford Marsalis (st/ss) Dianne Reeves (voz) Joey Calderazzo …
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BRANFORD MARSALIS / DIANNE REEVES DEDICATED TO YOU - Spivey Hall, Clayton, Georgia, August 25–29, 2025. - Lush Life, 26-2, My One and Only Love - Branford Marsalis (st/ss) Dianne Reeves (voz) Joey Calderazzo (p) Eric Revis (b) Justin Faulkner (dr).
Dianne Reeves y Branford Marsalis se unen en “Dedicated to You” en un homenaje al período más sereno de John Coltrane el tipo música de su álbum “Ballads” y también su encuentro con el cantante Johnny Hartman.
Reeves aborda el repertorio de Hartman con una interpretación pausada y precisa. Evita recargar las canciones y deja espacio para que se escuchen sus letras y melodías. Los arreglos ofrecen algunas variaciones: en “Lush Life”, una extensa intervención del saxo tenor y el piano separa las secciones vocales; en “My One and Only Love”, la acompaña el pianista Joey Calderazzo.
Marsalis aporta un sonido cálido y una manera propia de frasear, sin intentar reproducir cada gesto de Coltrane. También amplía el repertorio con composiciones de Coltrane. Para las sesiones, Marsalis y grupo eligieron Spivey Hall, un auditorio con una excepcional calidad de acústica ubicado en el campus de la Universidad Clayton en Georgia.
MARTIAL SOLAL LIVE “VILLAGE VANGUARD”, New York, September 21-23, 2001 - Suspect rhythm, Body and soul - Martial Solal (p) Francois Moutin (b) Bill Stewart (d)
El pianista Martial Solal merece un lugar destacado entre los grandes improvisadores del jazz. Esta grabación en vivo, realizada en el Village Vanguard pocas semanas después de los atentados de septiembre de 2001.
Acompañado por el contrabajista François Moutin y el baterista Bill Stewart, Solal optó principalmente por estándares, un terreno familiar que transforma con absoluta libertad. En “What Is This Thing Called Love”, una introducción sombría aporta un especial peso emocional. Su versión de “Body and Soul” combina la riqueza pianística de Art Tatum con la fuerza y los contrastes de McCoy Tyner. Moutin y Stewart responden con agilidad, atentos a cada giro del piano.
CAMERON BROWN REMEMBRANCE, The Bronx, NY on August 2, 2011 released September 25, 2026 - Sheila, It’s You!, Lullaby for George, Don and Dannie, Rylie’s Bounce - Lisa Parrott (sa/ss/sb) Jason Rigby (st/ss) Russ Johnson (t) Cameron Brown (b) Tony Jefferson (dr)
En 2005, el contrabajista Cameron Brown formó un quinteto para participar en un homenaje a Don Cherry en Nueva York. Lo componen los saxofonistas Lisa Parrott y Jason Rigby, el trompetista Russ Johnson y el baterista Tony Jefferson. Adoptaron el nombre Dannie’s Calypso, en recuerdo del baterista Dannie Richmond, amigo y mentor de Brown.
“Remembrance”, grabado en vivo en agosto de 2011, recoge un repertorio que combina composiciones de Brown con piezas poco conocidas de Don Cherry y Ornette Coleman. La música transita entre pasajes escritos, improvisación libre y un swing firme.
El álbum abre con “Sheila, It’s You!”, una pieza dedicada a la cantante Sheila Jordan, compañera de Brown en numerosos encuentros a dúo. “Baby Suite” amplía el recorrido con cambios de clima y un diálogo continuo entre los cinco músicos. En “Soft Seas”, de Richmond, el ritmo de calipso destaca el trabajo de Jefferson. El tono se vuelve más íntimo en “Lullaby for George, Don and Dannie”, una balada que ofrece un delicado espacio a la trompeta de Johnson.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 08 de octubre, 2026
MARTIN WIND STARS - February 5-6, 2025 - Passing thoughts, Life, Black butterfly, The feeling of jazz - Anat Cohen (cl) Kenny Barron (p) Martin Wind (b) Matt Wilson (d)En “Stars”, el contrabajista Martin Wind …
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MARTIN WIND STARS - February 5-6, 2025 - Passing thoughts, Life, Black butterfly, The feeling of jazz - Anat Cohen (cl) Kenny Barron (p) Martin Wind (b) Matt Wilson (d)
En “Stars”, el contrabajista Martin Wind lidera un grupo junto a Anat Cohen en clarinete, Kenny Barron en piano y Matt Wilson en batería. Martin no ancla al grupo tanto como lo dirige discretamente. Hay una generosidad en la forma en que lo hace, hay espacio abierto, papeles cuidadosamente distribuido asegurando de que todos participen.
Anat lleva ese tono conversacional sin esfuerzo: su clarinete canta, suspira, bromea y recuerda. Kenny Barron es el centro gravitacional del registro. Nunca llama la atención sobre sí mismo; simplemente permite que la banda fluya a través de él. Matt wilson es un virtuoso del color en la batería, siempre comentando y dando forma con una precisión silenciosa acompañando o creando cambios de dirección.
El interés del disco está en esa atención mutua. No hace falta que los cuatro toquen al mismo tiempo para que se sienta su presencia.
RAFAEL ZALDIVAR MEETING IN NEW YORK, VOLUME ONE - New York, April 14, 2026 - There is always time to love, Axis - Rafael Zaldivar (p,comp,dir) Christian McBride (b) Francisco Mela (d)
“Meeting in New York, Volume One” del pianista Rafael Zaldivar fue grabado en trío con Christian McBride en el contrabajo y Francisco Mela en la batería. Es un encuentro de músicos con maneras distintas de abordar el jazz.
Zaldivar toca con una inclinación lírica. Sus frases son claras y melódicas, incluso cuando se aventura fuera de un recorrido previsible. McBride aporta el peso y la seguridad de su contrabajo, pero también se mueve con soltura en los momentos más libres. Mela impulsa al grupo desde la batería: responde a los otros dos, cambia el acento y mantiene la música en movimiento.
El trío encuentra un equilibrio entre la dirección que propone el piano y las posibilidades que surgen mientras tocan.
RESONATION TRIO ULTRA RESONANCE - Brooklyn, NY, c. 2025 - Two shakes, August 3, West, Question - Steven Bernstein (tp,flhrn,comp) Scott Colley (b) Nasheet Waits (d)
Steven Bernstein suele trabajar con conjuntos de gran energía con arreglos imprevisibles. En “ResoNation Trio” reduce la formación a tres instrumentos: su trompeta, el contrabajo de Scott Colley y la batería de Nasheet Waits. Sin piano que defina la armonía, los músicos disponen de un amplio espacio para improvisar.
El álbum tiene pasajes más contemplativos de lo habitual en Bernstein, aunque conserva el impulso y los contrastes que caracterizan su música. Colley y Waits hacen mucho más que acompañar: proponen direcciones, alteran el ritmo y responden a las ideas del trompetista. También hay una diferencia en el sonido de Bernstein. Aquí deja de lado la trompeta de vara, instrumento muy ligado a su trayectoria, y toca exclusivamente trompeta de válvulas y fliscorno.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 07 de octubre, 2026
NINA SIMONE AT TOWN HALL - New York, September & October, 1959 - Exactly like you, Summertime, Wild is the wind, Black is the color of my true love’s hair, Fine and mellow - Nina Simone (vcl,p) Wilbur Ware (b) …
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NINA SIMONE AT TOWN HALL - New York, September & October, 1959 - Exactly like you, Summertime, Wild is the wind, Black is the color of my true love’s hair, Fine and mellow - Nina Simone (vcl,p) Wilbur Ware (b) Ben Riley (d)
En 1954, Nina Simone postuló al puesto de pianista en un bar de Atlantic City que también le requería cantar jazz y éxitos populares del momento. No tenía experiencia como cantante, pero logró convencerlos.
En 1957 grabó sus primeros temas para el sello Bethlehem. Esas grabaciones ya muestran su talento como pianista, cantante, arreglista y compositora. Su versión de “I Loves You, Porgy”, de la ópera “Porgy and Bess”, se convirtió en un éxito y la llevó de los clubes nocturnos a un público mucho más amplio. Su repertorio era extraordinariamente variado: incluía estándares de jazz, gospel, espirituales, música clásica, blues, pop, canciones de musicales y ópera, cantos africanos, canciones populares de distintos lugares y composiciones propias.
“Nina Simone at Town Hall” se grabó en parte durante un concierto en el Town Hall de Nueva York, en septiembre de 1959; el resto se registró en estudio. La acompañan dos músicos de primer nivel: el baterista Ben Riley, que años después tocaría con Thelonious Monk, y el contrabajista Wilbur Ware, que trabajó con Johnny Griffin, Sun Ra y Donald Byrd.
DAVE DOUGLAS AND ELAN MEHLER IF THERE ARE MOUNTAINS - New York, May 27 & 28, 2019 - If there are mountains, Haiku, Here on the plains, The spring current, With your singing - Dave Douglas (tp) John Gunther (ts,cl,bcl) Elan Mehler (p) Simon Willson (b) Dayeon Seok (d) Dominique Eade (voice)
“If There Are Mountains”, es el disco que Dave Douglas hizo junto al pianista Elan Mehler. Los dos dirigieron el proyecto y compusieron su música. La idea es sencilla y atractiva: tomar haikus y otros poemas breves como punto de partida para las canciones, y dejar que los seis músicos improvisen a partir de las imágenes que sugieren las palabras. Entre los textos elegidos hay poemas de Bashō y Buson, además de dos del escritor contemporáneo Adam McBrideSmith.
El resto del grupo lo componen John Gunther en saxo tenor y clarinetes, el chileno Simón Willson en contrabajo y Dayeon Seok en batería. La voz de Dominique Eade tiene un papel central en el álbum.
En “Even a Nameless Stream” se escucha cómo Mehler convierte un haiku en canción, mientras que “Here on the Plains” muestra cómo el grupo trabaja con un texto más largo, que cuenta una historia. Lo más interesante del disco es cómo unas pocas palabras pueden dar pie a una música que se desarrolla con tanta libertad.
TERENCE BLANCHARD Y DONALD HARRISON CRYSTAL STAIR - New York, April 13, 1987 - Softly, as in a morning sunrise, Crystal stair, Slam m- Terence Blanchard (tp) Donald Harrison (as,cmel,sop) Cyrus Chestnut (p) Reginald Veal (b) Carl Allen (d)
Terence Blanchard y Donald Harrison Jr. fueron miembros de los Jazz Messengers de Art Blakey. Llegaron a la banda en 1982 e inmediatamente aportaron sus propias composiciones. Años después siguieron trabajando juntos como líderes de un quinteto, conservando el impulso que habían adquirido de Blakey además de abrir espacio para sus propias ideas.
En Crystal Stair los acompañan Cyrus Chestnut en piano, Reginald Veal en contrabajo y Carl Allen en la batería. El repertorio combina piezas de Blanchard y Harrison con dos estándares.
Ambos músicos siguieron caminos muy distintos después de esta etapa. Blanchard desarrolló una amplia carrera como compositor y trompetista; Harrison continuó muy ligado a las tradiciones de Nueva Orleans, su ciudad natal. Aquí se escucha lo que compartían entonces: el gusto por el swing, la energía de un grupo que toca unido y la libertad para llevar una pieza más allá de lo previsto.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 06 de octubre, 2026
GREG ABATE QUARTET IN THE MOMENT - c. 2025 - The little men, Kerry’s song, Into somewhere Greg Abate (as,ts,sop,fl) Bill O’Connell (p) Harvie S (b) Steve Johns (d)La influencia de Charlie Parker y Phil Woods se …
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GREG ABATE QUARTET IN THE MOMENT - c. 2025 - The little men, Kerry’s song, Into somewhere Greg Abate (as,ts,sop,fl) Bill O’Connell (p) Harvie S (b) Steve Johns (d)
La influencia de Charlie Parker y Phil Woods se escucha en su manera de frasear, aunque Abate tiene una voz propia. Disfruta los tempos rápidos y las melodías que piden agilidad, pero también sabe bajar la intensidad y dar espacio a sus compañeros. En “Kerry’s Song” toca la flauta y deja oír un lado más cálido. La pieza que da título al disco tiene un aire contemplativo y permite apreciar el diálogo con O’Connell, presente a lo largo del álbum.
En su disco “In the Moment”, el saxofonista y flautista Greg Abate regresa al bebop, un lenguaje que conoce bien y que ha cultivado durante décadas. Lo acompañan tres músicos con quienes mantiene una larga relación: Bill O’Connell en piano, Harvie S en contrabajo y el baterista Steve Johns.
FELIPE RIVEROS SESIÓN PALO QUEMADO, VOLUMEN 2 -Santiago de Chile - 7 de octubre de 2024. - Disco Dance, Sur le balcon - Felipe Riveros (p) Milton Russell (b) Juan Pablo Jaramillo (dr)
El pianista Felipe Riveros grabó Sesión Palo Quemado, Volumen 2 en Santiago, junto al contrabajista Milton Russell y el baterista Juan Pablo Jaramillo. La sesión tuvo lugar el 7 de octubre de 2024 y, según Riveros, todos los temas quedaron en la primera toma. Esa espontaneidad se escucha en la manera en que los tres músicos responden a cada idea. “Disco Dance” lleva el pulso de la música electrónica a un trío acústico. Riveros dedicó “Sur le balcon” a su hijastra Luna: durante el encierro pandémico escuchaban discos juntos en el balcón. Una Avenida Providencia desierta inspiró “Last Ballad”.
GRANT GREEN TALKIN’ ABOUT - Englewood Cliffs, N.J., September 11, 1964 - Talkin’ about J.C., I’m an old cowhand - Larry Young (org) Grant Green (g) Elvin Jones (d)
En “Talkin’ About!”, Grant Green el guitarrista siguió ampliando el lenguaje de sus primeros discos. Para esta sesión, grabada en septiembre de 1964, formó un trío con Larry Young en el órgano Hammond y Elvin Jones en la batería.
Young empezaba a encontrar una voz propia en el órgano. Junto a Jones, crean un pulso cambiante, que le da al grupo espacio para explorar. Green conserva la claridad de sus frases y su cercanía con el blues, incluso en los pasajes más abiertos.
La pieza central es “Talkin’ About J.C.”, un homenaje de Young a John Coltrane que dura casi doce minutos. Allí los tres músicos desarrollan sus ideas y responden unos a otros sin perder el hilo. También hay una versión juguetona de “I’m an Old Cowhand”, canción que Sonny Rollins había incorporado al repertorio del jazz.
This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit rbarahona.substack.comPuro Jazz 05 de octubre, 2026
Mary Lou Williams fue una de las grandes pianistas, compositoras y arreglistas del jazz. Nació en Atlanta en 1910 como Mary Elfrieda Scruggs y creció en Pittsburgh, donde comenzó a tocar en público desde niña …
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Mary Lou Williams fue una de las grandes pianistas, compositoras y arreglistas del jazz. Nació en Atlanta en 1910 como Mary Elfrieda Scruggs y creció en Pittsburgh, donde comenzó a tocar en público desde niña. En sus primeros años profesionales usó el apellido Burleigh, tomado de su padrastro. Todavía adolescente salió de gira con los Synco-Jazzers de la cantante Jeanette Taylor con quien Williams hizo su debut en la grabación en 1927, apareciendo en ocho selecciones de Synco Jazzers. .
JEANNETTE JAMES’ SYNCO JAZZERS — Chicago, c. enero de 1927 - Midnight Stomp
Jeanette James (vcl), Henry McCord (tp), Bradley Bullett (tb), John Williams (as, bassax), Mary Lou Williams (p), Joe Williams (bj), Robert Price (d)
En 1929 comenzó a trabajar con la orquesta de Andy Kirk. Primero colaboró con arreglos y reemplazaba a la pianista de la banda; desde 1931 pasó a formar parte estable del grupo. Durante más de una década, su piano y sus arreglos fueron fundamentales en el sonido de los Twelve Clouds of Joy, una de las buenas orquestas surgidas en Kansas City. Al mismo tiempo, comenzó a escribir para otras bandas.
ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY — Kansas City, c. 7 de noviembre de 1929
Mess-a-Stomp - Gene Prince, Harry Lawson (tp) Allen Durham (tb) John Harrington (cl,as) John Williams (as,bar) Lawrence Freeman (ts,cl) Mary Lou Williams (p,arr) Claude Williams (g,vln) William Dirvin (bj,g) Andy Kirk (bassax) Edward McNeil (d) Bill Massey (vcl)
Sus primeros solos de piano nos permiten escucharla fuera de la orquesta. En «Night Life» y «Drag ’Em», grabados en 1930, Williams tenía apenas diecinueve años, pero ya se reconocen algunas características que la acompañarían siempre: una mano izquierda muy firme, el stride, el blues y un sentido muy natural del ritmo. Ya en esa época, Mary Lou estaba cerca del nivel de legendarios pianistas como James P. Johnson y Fats Waller.
MARY LOU WILLIAMS — PIANO SOLOS — Chicago, 24 de abril de 1930 - Night Life - Mary Lou Williams (p)
Mary Lou Williams pasó casi 13 años tocando y escribiendo para la Orquesta Andy Kirk. La banda luchó durante un tiempo y casi fue tomada por Blanche Calloway en 1931, sin hacer grabaciones en absoluto durante 1932-35. Pero en 1936, la gran banda de Kirk comenzó una serie de excelentes grabaciones para el sello Decca.
ANDY KIRK AND HIS TWELVE CLOUDS OF JOY — Nueva York, 11 de marzo de 1936
I’se A Muggin’
Con el tiempo, Williams comenzó a sentirse limitada en la orquesta de Kirk. La banda se orientaba cada vez más hacia cantantes y material comercial, mientras ella quería seguir otros caminos. Williams seguía siendo una figura importante de la banda, aunque poco a poco buscaba más espacio para sus propias ideas. En 1940 grabó «Baby Dear» al frente de su Kansas City Seven, con el trompetista Shorty Baker.
MARY LOU WILLIAMS AND HER KANSAS CITY SEVEN — Nueva York, 18 de noviembre de 1940 - Baby dear - Harold “Shorty” Baker (tp) Ted Donnelly (tb) Edward Inge (cl) Dick Wilson (ts) Mary Lou Williams (p) Booker Collins (b) Ben Thigpen (d) Baby dear.
Uno de sus proyectos más ambiciosos de esos años fue Zodiac Suite. Terminada en 1945, está formada por doce piezas, una por cada signo del zodiaco, dedicadas a músicos y amigos. Allí Williams amplió considerablemente su lenguaje, mezclando el jazz con elementos de la música clásica y pasando de momentos íntimos a otros más rítmicos y abiertos. Ese mismo año presentó la obra con una orquesta en el Town Hall de Nueva York.
THE ZODIAC SUITE — TOWN HALL — Nueva York, 31 de diciembre de 1945 - Cancer - Mary Lou Williams (vcl,p) acc by unknown tp, tb, fhr, fl, cl, Irving “Mouse” Randolph (tp) Henderson Chambers (tb-1) Edmond Hall (cl-2) Eddie Barefield (cl) Ben Webster (ts) Al Hall (b) J.C. Heard (d) Hope Foy (vcl) + strings, Milton Orent (cond)
Pero Williams no se quedó allí. Durante la segunda mitad de los años cuarenta se acercó al bebop sin abandonar el swing ni el blues que estaban en la base de su música. En 1946 grabó con un grupo de mujeres piezas como «Rhumba Re-Bop».
GIRL STARS — Nueva York, 25 de febrero de 1946 - Rhumba Re-Bop, Blues at Mary Lou’s - - Marjorie Hyams (vib,d-1) Mary Lou Williams (p) Mary Osborne (g,vcl) Bea Taylor (b) [aka Billy Taylor, Sr. (b) ] Bridget O’Flynn (d,vib-1), D.D.T.
En 1952 viajó a Inglaterra para una breve serie de conciertos y terminó quedándose en Europa más de dos años. En París volvió a encontrarse con el saxofonista Don Byas, con quien grabó en diciembre de 1953. Es un pequeño grupo y una buena oportunidad para escucharla en un ambiente muy distinto al de las grandes orquestas de sus primeros años.
FEAT. DON BYAS — París, 2 de diciembre de 1953 - Mary’s Waltz, O.W. - Don Byas (ts), Mary Lou Williams (p), Buddy Banks (b), Gerard “Dave” Pochonet (d)
Después de regresar de Europa, Williams se alejó por un tiempo de los escenarios. Se convirtió al catolicismo en 1957 y encontró en la religión un nuevo estímulo para componer. Ese mismo año Dizzy Gillespie la animó a volver a tocar y la invitó a presentarse con su orquesta en Newport. Más adelante escribió varias obras religiosas en las que el jazz siguió siendo parte esencial de la música, entre ellas Black Christ of the Andes y Mary Lou’s Mass.
BLACK CHRIST OF THE ANDES — Nueva York, 9 de octubre de 1963 - Praise the Lord - Budd Johnson (ts-1,b-cl-2) Mary Lou Williams (p) Grant Green (g) Larry Gales (b) Percy Brice (d) Jimmy Mitchell (vcl) The George Gordon Singers (vcl group) : Honi Gordon, George Gordon, Jr., Richard Gordon, George Gordon, Sr. (vcl) Melba Liston (arr,cond). Praise the Lord
En 1977 ocurrió uno de los encuentros más curiosos de su carrera: Mary Lou Williams y Cecil Taylor, dos pianistas que venían de mundos muy diferentes, compartieron escenario. La idea era acercar tradición y vanguardia, aunque musicalmente el encuentro no resultó sencillo. Taylor lleva la improvisación hacia terrenos cada vez más libres; Williams responde desde el blues, el ritmo y esa poderosa mano izquierda que la había acompañado desde sus comienzos. Más que una fusión de estilos, Embraced permite escuchar el encuentro —y por momentos el choque— entre dos maneras muy distintas de entender el jazz.
EMBRACED — Nueva York, 17 de abril de 1977 - The Blues Never Left Me - Mary Lou Williams, Cecil Taylor (p), Bob Cranshaw (b), Mickey Roker (d)
Para terminar, volvemos a escuchar a Mary Lou Williams en un formato íntimo. At Rick’s Café Americain en una actuación de 1979 en Chicago, con Milton Suggs en contrabajo y Drashear Khalid en batería. Williams tenía sesenta y nueve años y seguía encontrando cosas nuevas en melodías conocidas. En su piano convivían ya muchas etapas de la historia del jazz: el stride, el blues, el swing y todo lo que había aprendido y explorado durante más de medio siglo.
TRIO & SOLO — LIVE AT RICK’S CAFÉ AMERICAIN — Chicago, 14 de noviembre de 1979 - Caravan - Mary Lou Williams (p), Milton Suggs (b), Drashear Khalid (d)
Con esta actuación de 1979 llegamos al final de nuestro recorrido por la música de Mary Lou Williams. La escuchamos muy joven con los Synco-Jazzers, después con Andy Kirk, en sus solos de piano y en algunos de los muchos caminos que siguió más adelante. Nunca perdió su relación con el blues y el swing, pero tampoco dejó de buscar cosas nuevas. Su obra es demasiado amplia para abarcarla en un solo programa; estas grabaciones, al menos, nos permiten seguirla durante más de medio siglo de jazz.
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